Государственный Русский музей
Государственный Русский музей в Петербурге - самый обширный музей русского искусства в мире. Он был основан Николаем II в 1895 г. и торжественно открылся для посетителей 19 марта 1898 г.
До 1917 года назывался «Русский Музей Императора Александра III» . Император Александр III (отец Николая II) был страстным коллекционером, сравнить его в этом отношении можно только с Екатериной II. Гатчинский замок императора буквально превратился в склад бесценных сокровищ. Приобретения Александра уже не помещались в галереях Зимнего, Аничкова и других дворцов - это были картины, предметы искусства, ковры… Собранная Александром III обширная коллекция картин, графики, предметов декоративно-прикладного искусства, скульптур после его смерти была передана в основанный императором Николаем II Русский музей в память о своём отце.
Государственный Русский музей
Изначально музей располагался в залах Михайловского дворца . Собрание музея в тот период насчитывало 1880 произведений живописи, скульптуры, графики и древнерусского искусства, переданные из Императорских дворцов, Эрмитажа и Академии Художеств.
История Михайловского дворца
Здание построено в стиле ампир. Идея постройки новой резиденции для князя Михаила Павловича принадлежала его отцу, императору Павлу I. Но Павлу I не пришлось увидеть воплощение своей идеи, так как в результате дворцового переворота он погиб. Несмотря на это, приказ императора был выполнен. Когда Михаилу исполнился 21 год, император Александр I решил начать строительство дворца.
Зодчим был спланирован не только дворец, но также площадь перед ним и две новые улицы (Инженерная и Михайловская).
Михайловский дворец
Торжественная закладка здания состоялась 14 июля, а само строительство началось 26 июля. Со стороны Марсова поля появился сад при дворце - также Михайловский. 11 сентября 1825 года дворец был освящён.
Филиалы музея
Русский музей сегодня размещается, кроме Михайловского дворца, в зданиях, являющихся памятниками архитектуры XVIII-XIX веков:
Летний дворец Петра I
Мраморный дворец
Строгановский дворец
Домик Петра I
Музейное пространство дополняют Михайловский и Летний сады.
Летний дворец Петра I
Летний дворец Петра I
Летний дворец был построен в стиле барокко по проекту Доменико Трезини в 1710-1714 годах. Это одно из старейших зданий города. Двухэтажный дворец достаточно скромен и состоит всего из четырнадцати комнат и двух кухонь.
Резиденция предназначалась для использования только в тёплое время года: с мая по октябрь, поэтому стены в ней достаточно тонкие, а в окнах - одинарные рамы. Отделка помещений была создана художниками А. Захаровым, И. Заварзиным, Ф. Матвеевым.
Фасад дворца украшен 29-ю барельефами, на которых в аллегорической форме изображены события Северной войны. Барельефы выполнены немецким архитектором и скульптором Андреасом Шлютером.
Мраморный дворец
Мраморный дворец
Мраморный дворец построен в 1768-1785 гг. по проекту итальянского архитектора Антонио Ринальди . Он завершает ряд парадных зданий, примыкающих к Зимнему дворцу. Выдающийся зодчий А. Ринальди, автор более двадцати пяти крупных строений в Петербурге и его пригородах, считался непревзойденным мастером «мраморных фасадов». Его архитектурные приемы и решения всегда легко распознаются.
Ринальди приехал в Россию по приглашению графа К.Г. Разумовского, и в 1754 году получил должность архитектора при дворе князя Петра Федоровича и его супруги, будущей императрицы Екатерины II. Он построил Китайский дворец в Ораниенбауме, дворец графа Г.А. Орлова в Гатчине и др. Но Мраморный дворец – возможно, самое значительное из всех его сооружений. Дворец был предназначен для Григория Орлова – фаворита Екатерины II, главного организатора ее восшествия на престол. Свое название здание получило из-за необычной для Петербурга отделки фасадов натуральным камнем. В это время в России как раз были найдены богатые месторождения мрамора. Для внутренней и внешней отделки дворца использовались тридцать два сорта северного и итальянского мрамора. Строгий внешний облик здания характерен для раннего классицизма.
Главный фасад Мраморного дворца обращен к Марсову полю. Его украшают колонны, а противоположный фасад – пилястры коринфского ордера. Известный скульптор Ф.И. Шубин выполнил две статуи на аттике и композиции из воинских доспехов. В сотрудничестве с М.И. Козловским он участвовал в создании внутреннего скульптурно-декоративного убранства дворца. До нашего времени сохранилась отделка парадной лестницы и первый ярус стен Мраморного зала. Изящная ограда из копий и столбов с вазами и трофеями ограждает обширный парадный двор. Позже с восточной части около Мраморного дворца построили служебный корпус. Барельеф «Служение лошади человеку» работы скульптора П.К. Клодта украшает западный фасад корпуса.
В 90-е годы XX века дворец стал филиалом Русского музея.
Инженерный (Михайловский) замок
Инженерный (Михайловский) замок
Построен по заказу императора Павла I на рубеже XVIII-XIX веков и ставший местом его смерти.
Своим названием Михайловский замок обязан находящемуся в нём храму Михаила Архангела, покровителя дома Романовых, и причуде Павла I, принявшего титул Великого магистра Мальтийского ордена, называть все свои дворцы «замками»; второе имя - «Инженерный» произошло от находившегося там с 1823 г. Главного (Николаевского) инженерного училища, ныне ВИТУ.
Проект дворца был разработан архитектором В. И. Баженовым по поручению императора Павла I, желавшего сделать его своей главной парадной резиденцией. Строительством руководил архитектор В. Бренна (который долгое время ошибочно считался автором проекта). Бренна переработал первоначальный проект дворца и создал художественную отделку его интерьеров.
Помимо Баженова и Бренна в создании проекта принимал участие сам император, сочинивший несколько рисунков для него. В помощниках Бренна также числились Фёдор Свиньин и Карл Росси. Павел I ускорял строительство, ему в помощь направлены Чарльз Камерон и Джакомо Кваренги. По распоряжению императора строительство велось днем и ночью (при свете фонарей и факелов), так как он требовал отстроить замок вчерне в тот же год.
21 ноября 1800 г., в день святого Архангела Михаила, замок был торжественно освящён, но работы по его внутреннему убранству ещё продолжались до марта 1801 г. После убийства императора, через 40 дней после новоселья, Михайловский замок был покинут Романовыми и на два десятилетия пришел в запустение. Когда Александру I понадобилось серебро для роскошного сервиза - свадебного подарка сестре Анне Павловне, королеве Нидерландов, на переплавку пошли серебряные врата из дворцовой церкви. Николай I приказал архитекторам «добывать» во дворце мрамор для постройки Нового Эрмитажа.
В 1823 г. замок заняло Главное инженерное училище.
В 1991 г. треть помещений замка подарено Государственному Русскому музею, в 1995 г. музею подарен весь замок.
Строгановский дворец
Строгановский дворец
Дворец Строгановых, построенный по проекту архитектора Франческо Бартоломео Растрелли в 1753-1754 гг., один из образцов русского барокко.
В создании дворца помимо Ф. Б. Растрелли участвовали А.Н. Воронихин, И. Ф. Колодин, К. Росси, И. Шарлемань, П. С. Садовников.
Строгановы (Строгоновы ) - род русских купцов и промышленников, из которого происходили крупные землевладельцы и государственные деятели XVI-XX веков. Выходцы из разбогатевших поморских крестьян. С XVIII века - бароны и графы Российской империи. Род пресёкся в 1923 году.
Здание является филиалом Русского музея с 1988 г.
Домик Петра I
Домик Петра I
Первая постройка в Санкт-Петербурге, летнее жилище царя Петра I в период с 1703 по 1708 гг. Этот небольшой деревянный домик площадью 60 м² был построен солдатами-плотниками недалеко от Троицкой площади всего за три дня. Здесь же 27мая 1703 г. прошло празднование по случаю присоединения земель и основания нового города.
Домик строился из тёсаных сосновых брёвен на манер русской избы. Сени делят его на две части. Кроме этой особенности, а также дверей, украшенных орнаментальными металлическими накладками,- типичных черт, присущих русской архитектуре XVII века,- всё в доме напоминает об увлечении царя голландской архитектурой. Так, Пётр, желая придать дому вид каменного строения, приказал стесать брёвна и расписать их под красный кирпич, высокую крышу покрыть гонтом под черепицу, а непривычно большие окна сделать с мелкой расстекловкой. В домике отсутствовали печи и дымоходы, поскольку Пётр жил в нём лишь в тёплое время года. Домик сохранился практически в первоначальном виде.
Коллекции Русского музея
Наиболее полной является коллекция искусств XVIII - первой половины XIX веков. Достаточно перечислить только некоторые фамилии, чтобы получить представление о художественном богатстве музея: А. Матвеев, И. Никитин, Карло Растрелли, Ф. Рокотов, В. Боровиковский, А. Лосенко, Д. Левицкий, Ф. Шубин, М. Козловский, И. Мартос, С. Щедрин, О. Кипренский, А. Венецианов, Ф. Бруни, К. Брюллов, П. Федотов, А. Иванов.
Картина К. Брюллова «Последний день Помпеи»
К. Брюллов "Последний день Помпеи"
Брюллов посетил Помпеи в 1828 г., сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э . и разрушение города Помпеи близ Неаполя. Картина выставлялась в Риме, получила восторженные отклики критиков и переправлено в Лувр. «Последний день Помпеи» представляет романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора. На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова - женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна, разбившаяся насмерть женщина, распростертая на мостовой, и рядом с ней живой ребёнок - обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы - в центре полотна, и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.
В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. А. И. Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии. Е. А. Баратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днем!». Стихотворный отзыв оставил и А. С. Пушкин:
К. Брюллов "Портрет А. Демидова"
Везувий зев открыл - дым хлынул клубом - пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождём, под воспалённым прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.
Кстати, знаменитая картина написана была Kарлом Брюлловым по заказу Анатолия Демидова , русского и французского мецената, который состоял при русском посольстве сначала в Париже, а затем в Риме и в Вене. Он унаследовал от отца колоссальное богатство и собрание замечательных произведений живописи, ваяния, бронзы и т.д. Анатолий Демидов, по примеру отца, был щедр на крупные пожертвования: он пожертвовал 500 000 рублей на устройство в Санкт-Петербурге дома для призрения трудящихся, который и носил имя жертвователя; вместе с братом Павлом Николаевичем пожертвовал капитал, на который в Санкт-Петербурге же устроена детская больница; при Академии Наук в Санкт-Петербурге учредил премию в 5000 рублей за лучшее произведение на русском языке; в 1853 году выслал из Парижа 2000 рублей на украшение церкви Демидовского лицея в Ярославле, пожертвовал в библиотеку лицея все свои издания и несколько других ценных французских книг, а также щедро покровительствовал учёным и художникам. Так вот, именно Анатолий Демидов подарил картину Брюллова «Последний день Помпеи» Николаю I, который выставил картину в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 г. полотно было перенесено туда, и к нему получила доступ широкая публика.
Вторая половина XIX века представлена работами художников: Ф. Васильева, Р. Фелицына, А. Гороновича, Е. Сорокина, Ф. Бронникова, И. Макарова, В. Худякова, А. Чернышёва, П. Риццони, Л. Лагорио, Н. Лосева, А. Наумова, А. Волкова, А. Попова, В. Пукирева, Н. Неврева, И. Прянишникова, Л. Соломаткина, А. Саврасова, А. Корзухина, Ф. Журавлёва, Н. Дмитриева-Оренбургского, А. Морозова, Н. Кошелева, А. Шурыгина, П. Чистякова, Ивана Айвазовского.
Картина И. Айвазовского «Девятый вал»
И. Айвазовский "Девятый вал"
«Девятый вал» - одна из самых знаменитых картин Ивана Айвазовского, всемирно известного российского художника-мариниста.
Изображает море после сильнейшего ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны. Самая большая из них - девятый вал, готова обрушиться на людей, пытающихся спастись на обломках мачты.
Всё говорит о величии и мощи морской стихии и беспомощности перед ней человека. Тёплые тона картины делают море не таким суровым и дают зрителю надежду, что люди будут спасены.
Размер картины - 221 × 332 см.
В музее также представлены картины художников-передвижников: Г. Мясоедова, В. Перова, А. Боголюбова, К. Маковского, Н. Ге, И. Шишкина, И. Крамского, В. Максимова, И. Репина, В. Васнецова, В. Сурикова, Н. Абуткова.
Картина Николая Ге «Тайная вечеря»
Н. Ге "Тайная вечеря"
На картине художника изображен эпизод из земной жизни Христа, описанный в Евангелии от Иоанна (гл. 13). Оно было любимым Евангелием Ге. Отрывок данного текста детально совпадает с изображенным на картине.
Иисус встал с вечери… влил воды в умывальницу и начал умывать ноги ученикам и отирать полотенцем… Когда же умыл им ноги… то, возлегши опять сказал им: знаете ли, что Я сделал вам? … если Я, Господь и Учитель, умыл ноги вам, то и вы должны умывать ноги друг другу. Ибо Я дал вам пример, чтобы и вы делали то же, что Я сделал вам…
…Иисус возмутился духом и сказал: истинно, истинно говорю вам, что один из вас предаст Меня.
Тогда ученики озирались друг на друга, недоумевая, о ком он говорит. Один же из учеников его, которого любил Иисус, возлежал у груди Иисуса. Ему Симон Петр сделал знак, чтобы спросил, кто это… он, припав к груди Иисуса, сказал Ему: Господи! Кто это? Иисус отвечал: тот, кому Я, обмокнув кусок хлеба, подам. И, обмокнув кусок, подал Иуде Симонову Искариоту. И после сего куска вошел в него сатана. Тогда Иисус сказал ему: что делаешь, делай скорее. Но никто из возлежащих не понял, к чему Он это сказал ему… Он, приняв кусок, тотчас вышел; а была ночь.
Амфора с водой, умывальница с полотенцем в «Тайной вечере» Ге - тема жертвенной любви Христа. После ухода Иуды были произнесены знаменитые слова, обращенные к апостолам: «Заповедь новую даю вам, да любите друг друга; как Я возлюбил вас… Потому узнают все, что вы Мои ученики, если будете иметь любовь между собою».
Конец XIX-начало XX века представлены художниками И. Левитаном, П. Трубецким, М. Врубелем, В. Серовым.
Картина И. Левитана «Сумерки. Луна»
И. Левитан "Сумерки. Луна"
В конце жизни для Левитана особенно характерным стало обращение к сумеречным пейзажам, наполненными тишиной, шорохами, лунным светом и тенями. Одной из лучших работ этого периода является эта картина из собрания Русского музея.
Работы объединения «Мир искусства»
«Мир искусства» (1898-1924) - художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.
В состав объединения входили художники: Бакст, Н. Рерих, Добужинский, Лансере, Митрохин, Остроумова-Лебедева, Чемберс, Яковлев, Сомов, Ционглинский, Пурвит, Сюннерберг.
В древнерусском отделе широко представлены иконы XII-XV веков (например, Ангел Златые власы, Богоматерь Умиление, Дмитрий Солунский, Чудо Георгия о змие, Борис и Глеб и др.), произведения Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других мастеров. Всего коллекция Русского музея составляет порядка 5 тысяч икон XII - начала XX века .
Андрей Рублев
Андрей Рублев "Апостол Павел"
Андрей Рублев (умер ок.1430 г.) — иконописец, ученик Феофана Грека, преподобный.
Сперва был послушником у преподобного Никона Радонежского, а потом иноком в Спасо-Андрониковом монастыре в Москве, где скончался и погребен.
В настоящее время в собрание Русского музея входят отделы: русская и советская живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладного и народного искусства (мебель, фарфор, стекло, резьба, лаки, изделия из металла, ткани, вышивка, кружево и др.). Коллекция музея насчитывает более 400 тыс. единиц хранения.
Кто любит русскую живопись, наверняка был в Русском музее в Санкт-Петербурге (открыт в 1897 году). Конечно, есть . Но именно в Русском музее хранятся главные шедевры таких художников, как Репин, Брюллов, Айвазовский.
Если мы вспоминаем о Брюллове, то сразу же думаем о его шедевре “Последний день Помпеи”. Если о Репине, то в голове возникает картина “Бурлаки на Волге”. Если вспомним Айвазовского – вспомним и “Девятый вал”.
И это не предел. “Ночь на Днепре” и “Купчиха”. Эти знаковые картины Куинджи и Кустодиева – тоже в Русском музее.
Эти работы вам покажет любой гид. Да и сами вы вряд ли пройдёте мимо них. Так что об этих шедеврах я просто обязана рассказать.
Добавив пару моих любимых, пусть и не самых “раскрученных” (“Ахматову” Альтмана и “Тайную вечерю” Ге).
1. Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г.
Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г. Государственный Русский музей
4 года подготовки. Ещё 1 год непрерывной работы красками и кистями. Несколько обмороков в мастерской. И вот результат – 30 квадратных метров, на которых изображены последние минуты жизни жителей Помпеи (в 19 веке название города было женского рода).
Для Брюллова все было не зря. Думаю, в мире не было такого художника, чья картина, всего лишь одна картина произвела бы такой фурор.
Люди толпами врывались на выставку, чтобы посмотреть шедевр. Брюллова буквально носили на руках. Его окрестили ожившим . А Николай I удостоил художника личной аудиенции.
Что же так поразило современников Брюллова? Да и сейчас не оставит зрителя равнодушным.
Мы видим очень трагичный момент. Через несколько минут все эти люди погибнут. Но нас это не отталкивает. Потому что нас завораживает … Красота.
Красота людей. Красота разрушения. Красота катастрофы.
Посмотрите, насколько все гармонично. Красное расскаленное небо прекрасно сочетается с красным одеянием девушек справа и слева. А как эффектно падают под ударом молнии две статуи. Я уж не говорю про атлетичную фигуру мужчины на вздыбленном коне.
Картина с одной стороны о реальной катастрофе. Позы людей Брюллов срисовывал с погибших в Помпеях. Улица тоже настоящая, ее до сих пор можно увидеть в очищенном от пепла городе.
Но красота персонажей делает произошедшее похожим на древний миф. Как будто красивые боги прогневались на красивых людей. И нам не так печально.
2. Айвазовский. Девятый вал. 1850 г.
Иван Айвазовский. Девятый вал. 221 х 332 см. 1850 г. Русский музей, Санкт-Петербург. Wikipedia.org
Это самая известная картина Айвазовского. Которую знают даже люди, далёкие от искусства. Чем же она так прославилась?
Людей всегда завораживает борьба человека со стихией. Желательно со счастливым финалом.
Вот этого в картине хоть отбавляй. Остросюжетней некуда. Шестеро выживших отчаянно цепляются за мачту. Рядом накатывает большая волна, девятый вал. За ней следом идёт ещё одна. Людям предстоит долгая и страшная борьба за жизнь.
Но уже рассвет. Пробивающееся сквозь рваные тучи солнце – это надежда на спасение.
Стихия Айвазовского, так же, как и у Брюллова, потрясающе красива. Конечно, морякам не сладко. Но мы не можем не любоваться прозрачными волнами, солнечными бликами и сиреневым небом.
Поэтому эта картина производит такой же эффект, что и предыдущий шедевр. Красота и драма в одном флаконе.
3. Ге. Тайная вечеря. 1863 г.
Николай Ге. Тайная вечеря. 283 х 382 см. 1863 г. Государственный Русский музей. Tanais.info
Два предыдущих шедевра Брюллова и Айвазовского были приняты публикой с восторгом. А вот с шедевром Ге все было сложнее. Не любил ее Достоевский, например. Слишком приземлённой она ему казалась.
Но больше всех были недовольны церковники. Они даже смогли добиться запрета на выпуск репродукций. То есть широкая публика ее не могла увидеть. Аж до 1916 года!
Отчего же такая неоднозначная реакция на картину?
Вспомните, как изображали Тайную вечерю до Ге. Хотя бы . Стол, вдоль которого Христос и 12 апостолов сидят и трапезничают. Иуда среди них.
У Николая Ге все иначе. Иисус возлежит. Что как раз Библии соответствовало. Именно так принимали еду иудеи 2000 лет назад, по-восточному.
Христос уже произнёс своё страшное предсказание, что один из учеников предаст его. Он уже знает, что это будет Иуда. И просит его сделать, что задумал, не откладывая. Иуда уходит.
И как раз в дверях мы словно сталкиваемся с ним. Он накидывает на себя плащ, чтобы уйти в темноту. И в прямом, и переносном смысле. Его лица почти не видно. А его зловещая тень падает на оставшихся.
В отличие от Брюллова и Айвазовского, здесь более сложные эмоции. Иисус глубоко, но смиренно переживает предательство ученика.
Пётр возмущён. У него горячий характер, он вскочил и недоуменно смотрит в след Иуде. Иоанн не может поверить в происходящее. Он, как дитя, который впервые столкнулся с несправедливостью.
А ещё апостолов меньше двенадцати. Видимо, для Ге это не было столь важным уместить всех. Для церкви же это было принципиально. Отсюда и цензурные запреты.
Проверьте себя: пройдите онлайн-тест
4. Репин. Бурлаки на Волге. 1870-1873 гг.
Иван Репин. Бурлаки на Волге. 131,5 х 281 см. 1870-1873 гг. Государственный Русский музей. Wikipedia.org
Илья Репин впервые увидел бурлаков на Ниве. И так был поражён их жалким видом, особенно в контрасте с отдыхающими неподалёку дачниками, что решение писать картину тут же созрело.
Холёных дачников Репин не стал писать. Но контраст все же в картине присутствует. Грязное отрепье бурлаков противопоставлено идиллистическому пейзажу.
Может быть, для 19 века это выглядело не так вызывающе. Но для современного человека такой вид работника кажется удручающим.
Да ещё Репин пароход на заднем плане изобразил. Который мог бы быть использован в качестве буксира, чтобы людей не мучить.
В реальности бурлаки не были настолько обездолены. Их хорошо кормили, после обеда всегда давали поспать. А за сезон они зарабатывали столько, что зимой могли прокормить себя, не работая.
Репин взял для картины сильно вытянутый по горизонтали холст. И удачно выбрал угол зрения. Бурлаки идут к нам навстречу, но при этом не загораживают друг друга. Мы легко можем рассмотреть каждого из них.
И самого главного бурлака с лицом мудреца. И молодого парня, который никак не приноровится к лямке. И предпоследнего грека, который оглядывается на доходягу.
С каждым в упряжке Репин был лично знаком. Вёл с ними долгие беседы про жизнь. Поэтому они и получились такими разными, каждый со своим характером.
5. Куинджи. Лунная ночь на Днепре. 1880 г.
Архип Куинджи. Лунная ночь на Днепре. 105 х 144 см. 1880 г. Государственный Русский музей. Rusmuseum.ru
“Лунная ночь на Днепре” – самая известная работа Куинджи. И не удивительно. Сам художник очень эффектно познакомил ее с публикой.
Он организовал персональную выставку. В выставочном зале было темно. Лишь одна лампа была направлена на единственную картину выставки, “Лунную ночь на Днепре”.
Люди заворожённо смотрели на картину. Яркий зеленоватый свет луны и лунной дорожки гипнотизировал. Видны очертания украинской деревушки. Лишь часть стен, освещённых луной, выступает из темноты. Силуэт мельницы на фоне освещённой реки.
Эффект реалистичности и фантастичности одномоментно.Как же художник добился таких “спецэффектов”?
Помимо мастерства здесь ещё Менделеев руку приложил. Он помогал Куинджи создать состав краски, особенно мерцающей в полумраке.
Казалось бы, удивительное качество у художника. Уметь самому распиарить свою же работу. Но он поступил неожиданно. Почти сразу после этой выставки Куинджи 20 лет провёл затворником. Он продолжал писать, но свои картины никому не показывал.
Картина ещё до выставки была куплена великим князем Константином Константиновичем (внуком Николая I). Он так был привязан к картине, что взял ее в кругосветное путешествие. Соленый влажный воздух способствовал потемнению полотна. Увы, того гипнотического эффекта уже не вернуть.
6. Альтман. Портрет Ахматовой. 1914 г.
Натан Альтман. Портрет Анны Ахматовой. 123 х 103 см. 1914 г. Государственный Русский музей. Rusmuseum.ru
“Ахматова” Альтмана очень яркая и запоминающаяся. Говоря о поэтессе, многие вспомнят именно этот ее портрет. Удивительно, но ей самой он не нравился. Портрет ей казался странным и “горьким”, судя по ее стихам.
На самом деле даже сестра поэтессы признавала, что в те дореволюционные годы Ахматова такой и была. Истинной представительницей модерна.
Молодая, стройная, высокая. Ее угловатой фигуре как нельзя лучше вторят “кустарники” в стиле кубизма. А ярко-синее платье удачно сочетается с острым коленом и выпирающим плечом.
Он сумел передать облик стильной и неординарной женщины. Впрочем он сам был таким.
Альтман не понимал художников, которые могут работать в грязной мастерской и не замечать крошек в своей бороде. Сам он всегда был одет с иголочки. И даже нижнее белье шил себе на заказ по своим же эскизам.
В неординарности ему тоже было сложно отказать. Как-то изловил тараканов в своей квартире, он покрасил их в разные цвета. Одного выкрасил в золотой цвет, назвал его “лауреатом” и отпустил со словами “Вот его тараканиха-то удивится!”
7. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918 г.
Борис Кустодиев. Купчиха за чаем. 120 х 120 см. 1918 г. Государственный Русский музей. Artchive.ru
“Купчиха” Кустодиева – жизнерадостная картина. На ней мы видим добротный, сытый мир купечества. Героиня с кожей светлее неба. Кот с мордочкой, похожей на лицо хозяйки. Пузатый начищенный самовар. Арбуз на богатом блюде.
Что мы могли бы подумать о художнике, который написал такую картину? Что художник знает толк в сытой жизни. Что он любит пышных женщин. И что он явно жизнелюб.
А вот, как было на самом деле.
Если вы обратили внимание, то картина написана в революционные годы. Художник с семьёй жил крайне бедно. Мысли только о хлебе. Тяжёлый быт.
К чему такое изобилие, когда вокруг разруха и голод? Так Кустодиев пытался запечатлеть безвозвратно ушедшую красивую жизнь.
А что насчёт идеала женской красоты? Да, художник говорил, что худые женщины его не вдохновляют на творчество. Тем не менее, в жизни он предпочитал именно таких. Стройной была и его жена.
Кустодиев был жизнелюбивым. Чему поражаешься, так как к моменту написания картины он уже 3 года как был прикован к инвалидному креслу. Диагноз костного туберкулёза ему был поставлен ещё в 1911 году.
Кустодиевская внимательность к деталям очень необычна для времени, когда процветал авангард. Мы видим каждую сушку на столе. Гуляющих у гостиного двора. И молодца, пытающегося удержать коня на скаку. Все это похоже на сказку, небылицу. Которая когда-то была, да закончилась.
Подведем итог:
Хотите увидеть главные шедевра Репина, Куинджи, Брюллова или Айвазовского – Вам в Русский музей.
“Последний день Помпеи” Брюллова – про красоту катастрофы.
“Девятый Вал” Айвазовского – про масштаб стихии.
“Тайная вечеря” Ге – про осознание скорого предательства.
“Бурлаки” Репина – про наемного работника 19 века.
“Лунная ночь на Днепре” – про душу света.
“Портрет Ахматовой” Альтмана – про идеал женщины модерна.
“Купчиха” Кустодиева – про эпоху, которую не вернуть.
Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях на моем блоге.
PS. Проверьте себя: пройдите онлайн-тест
Древнейшая икона в собрании музея. Была написана предположительно в XII веке. Автор её неизвестен, считается, что написали её в Новгороде. Название своё получила из-за того, что каждый волос на изображении был пропитан сусальным золотом. В Русском музее появилась в 1934 году, до того кочевала из Румянцевского музея - в Исторический, оттуда - в Третьяковскую галерею.
Самая известная картина художника Карла Брюллова, с которого, как считается, началась наша национальная школа живописи. Раскопки в Помпеях начали как раз в то время, когда Брюллов находился на учёбе в Италии. Так что многие наброски он рисовал с натуры.
Как потом писал Баратынский, «стал последний день Помпеи для русской кисти первым днём». Огромное эпическое полотно, написанное Брюлловым за три года, стало символом нарождавшейся русской живописной школы. В стране художника в буквальном смысле носили на руках. А саму картину Николай I повесил в Академии художеств, чтобы начинающие живописцы знали, на что ориентироваться.
Иван Айвазовский нарисовал сотни картин с морем, эта - самая знаменитая. Величественная морская стихия, буря, море и на фоне всего этого - беспомощные жертвы кораблекрушения, пытающиеся спастись на корабельной мачте.
Талант Айвазовского до сих пор знаменит во всём мире, его картины нет-нет да и появятся на международных аукционах, а знаменитый английский маринист Тернер, восхищённый нашим художником, написал в честь него хвалебное стихотворение.
Одна из самых знаменитых картин художника Васнецова (наряду с «Алёнушкой» или «Иваном-царевичем»). Своего витязя художник писал несколько раз. Сперва была видна вся надпись - он её убрал. Поначалу рыцарь стоял лицом к зрителю - он его развернул, получилось более монументально. Кроме того, на картине была дорога - Васнецов убрал и её, для большей безысходности.
И по сей день «Витязь» считается одной из лучших российских картин на сказочные сюжеты и каноническим образом нашей живописи второй половины XIX века наряду с полотнами Репина и Сурикова.
«Вот так тебе запорожцы ответили, плюгавому. Не будешь ты даже свиней у христиан пасти. Этим кончаем, поскольку числа не знаем и календаря не имеем, месяц в небе, год в книге, а день такой у нас, какой и у вас, за это поцелуй в **** нас!» - именно таково было, по легенде, окончание письма запорожских казаков турецкому султану. Текст его дошёл до нас в виде списков (письменных копий) и, как считается, был написан в XVII веке, когда в очередной раз турецкий султан потребовал от казаков перестать нападать на Блистательную Порту и сдаться.
Копию нашёл екатеринославский историк Новицкий, который передал её своему коллеге Яворницкому, а тот, в свою очередь, прочитал своим знакомым, среди которых был и художник Илья Репин. Тот так заинтересовался сюжетом, что вскоре решил написать по его мотивам картину. Сам Яворницкий позировал Репину в качестве модели для писаря. Атамана Сирко художник писал с киевского генерал-губернатора Драгомирова. А толстый смеющийся казак в красном кафтане и белой папахе - это писатель Гиляровский.
Картину потом признавали исторически недостоверной (да и к самому письму было немало претензий), но в итоге её успех на выставках (в том числе и за границей) был настолько огромным, что полотно в итоге купил сам император Александр III для размещения в Русском музее.
Главное монументальное историческое полотно красноярского художника Василия Сурикова, ради которого тот ездил в Швейцарию. Самого полководца художник списал то ли с преподавателя местной гимназии, то ли с отставного казачьего офицера.
Получился госзаказ невзначай: художник нарисовал картину к 100-летию альпийского похода Суворова в 1899 году, в итоге она так понравилась императору Николаю II, что тот её приобрёл для Русского музея.
Одна из ключевых картин в творчестве художника Верещагина, одна из немногих, выставленных в Русском музее (большая часть коллекции хранится в Третьяковской галерее). Художник - как всегда, с немыслимой по тем временам фотографической точностью - создал настоящий сюжет, достойный лучших фоторепортёров нашего времени. Роскошные двери среднеазиатской мечети, а перед ними - бедняки, для которых этот богатый мир закрыт навеки.
Это, кстати, одна из немногих невоенных картин Верещагина: тот прославился прежде всего как баталист, с репортёрским хладнокровием вскрывающий ужасы войны: и в Средней Азии, и на Балканах. Погиб Верещагин тоже на войне: на броненосце «Петропавловск» в Порт-Артуре.
Удивительная стилизация античного сюжета художником эпохи модерна. Валентин Серов, вдохновлённый раскопками на острове Крит (куда, по легенде, Зевс в образе быка и увёз Европу), написал не просто картину, а большое декоративное панно.
В Русском музее хранится одна из шести копий картины. Большой вариант находится в Государственной Третьяковской галерее.
Одна из самых сильных картин, посвящённых Гражданской войне. У Петрова-Водкина смерть лишена всякого пафоса, какой-либо патетики. У умирающего комиссара и держащего его солдата нет выражения боли и гнева на лице: только усталость, безразличие, отсутствие воли к дальнейшему движению, в то время как остальные бойцы бегут под звуки барабанов вперёд в бой.
Александр Дейнека написал эту картину ещё в 1942 году, буквально сразу после падения Севастополя. Ему показали снимки разрушенного города, и Дейнека решил создать большое героическое полотно о тех, кто защищал Севастополь. Получилась немного пафосная, но эмоционально очень сильная картина про отвагу и безнадёжность положения тех, кто решил не сдаваться во что бы то ни стало.
Фото: Павел Каравашкин, annaorion.com, echo.msk.ru, ttweak.livejournal.com, HelloPiter.ru, rusmuseumvrm.ru, kraeved1147.ru
Высочайший указ об учреждении в Михайловском дворце Санкт-Петербурга «Русского музея императора Александра III» был подписан 120 лет назад, 13 апреля 1895 года.
В настоящее время Государственный Русский музей является крупнейшим музеем русского искусства в мире. Его коллекция насчитывает 407,5 так называемых единиц хранения. В преддверии памятной даты сайт вспомнил 10 шедевров живописи, которые увидеть можно в Русском музее.
Архип Куинджи. «Лунная ночь на Днепре». 1880
Берег реки. Линия горизонта бежит вниз. Серебристо-зеленоватый свет луны отражается в воде. «Лунная ночь на Днепре» - одна из самых известных картин Архипа Куинджи.
Магия пейзажа покорила великого князя Константина Константиновича, который приобрел ее за большие деньги прямо из мастерской художника. С любимой картиной князь не захотел расстаться даже во время кругосветного путешествия. В итоге его прихоть чуть не погубила шедевр Куинджи - из-за морского воздуха изменился состав краски, пейзаж стал темнеть. Но, несмотря на это, картина и по сей день обладает магической притягательностью, заставляя зрителей долго вглядываться в нее.
Магия пейзажа покорила великого князя Константина Константиновича. Фото: www.russianlook.com
Карл Брюллов. «Последний день Помпеи». 1830—1833
«Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днём!» - так написал об этой картине поэт Евгений Баратынский. А британский писатель Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».
Полотно размером 465,5×651 см выставлялось в Риме и в Париже. В распоряжении Академии художеств она оказалась благодаря Николаю I. Картину в дар ему преподнес известный меценат Анатолий Демидов, и император решил выставить ее в Академии, где она могла бы служить руководством для начинающих живописцев.
Стоит отметить, что Карл Брюллов изобразил себя на фоне разрушающегося города. Автопортрет художника можно увидеть в левом углу картины.
Карл Брюллов изобразил себя на фоне разрушающегося города. Автопортрет художника можно увидеть в левом углу картины. Фото: Commons.wikimedia.org
Илья Репин. «Бурлаки на Волге». 1870-1873
Лето 1870 года, проведенное художником на Волге в 15 верстах от Самары, оказало большое влияние на творчество Ильи Репина. Он начинает работу над полотном, в котором многие потом усмотрели философский смысл, воплощение покорности судьбе и силу простого народа.
Находясь среди бурлаков, Илья Ефимович Репин знакомится с бывшим священником Каниным, с которого он позже создаст много эскизов для картины.
«Что-то в нем было восточное, древнее. А вот глаза, глаза! Какая глубина взгляда, приподнятого к бровям, тоже стремящимся на лоб... А лоб - большой, умный, интеллигентный лоб; это не простак», - говорил о нем мастер.
"Что-то в нем было восточное, древнее. А вот глаза, глаза!" Фото: Commons.wikimedia.org
Илья Репин. «Запорожцы пишут письмо турецкому султану». 1880-1891
«Ты - шайтан турецький, проклятого чорта брат и товарыщ и самого люциперя секретарь!» По легенде так начиналось письмо, которое запорожские казаки написали в 1675 году в ответ на предложение султана Махмуда IV перейти к нему в подчинение. Известный сюжет лег в основу знаменитой картины Ильи Репина.
Известный сюжет лег в основу знаменитой картины Ильи Репина. Фото: Commons.wikimedia.org
Виктор Васнецов. «Витязь на распутье». 1878
Поэтический дух народных преданий мастерски передан в работе Виктора Васнецова. Впервые полотно было представлено на суд зрителей в 1878 в рамках передвижной выставки.
Над картиной художник работал несколько лет. В первых вариантах богатырь был обращен лицом к зрителю, но позже композиция была изменена. В Русском музее хранится более поздняя версия картины - 1882 года. Первая версия 1878 года находится в Серпуховском историко-художественном музее.
Стоит отметить, что сюжет «Витязя на распутье» воспроизведён на надгробии художника, который похоронен на Введенском кладбище.
Над картиной художник работал несколько лет. Фото: Commons.wikimedia.org
Иван Айвазовский. «Девятый вал». 1850
Созданная в 1850 году картина «Девятый вал» была приобретена Николаем I.
Девятый вал, в представлении мореплавателей, является самым сокрушительным. Именно его предстоит пережить героям картины, потерпевшим кораблекрушение.
Созданная в 1850 году картина «Девятый вал» была приобретена Николаем I. Фото: Commons.wikimedia.org
Валентин Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910
Знаменитая танцовщица и актриса Ида Рубинштейн вдохновляла многих художников: Кееса ван Донгена, Антонио де ла Гандара, Андре Дюнуайе де Сегонзака, Леона Бакста и Валентина Серова.
Русский живописец, которого считают мастером портрета, увидел ее впервые на парижской сцене. В 1910 году он создает ее портрет.
«Монументальность есть в каждом её движении, просто оживший архаический барельеф», - восхищался ее грацией художник.
Знаменитая танцовщица и актриса Ида Рубенштейн вдохновляла многих художников. Фото: Commons.wikimedia.org
Валентин Серов. Похищение Европы. 1910
Идея написать «Похищение Европы» родилась у Валентина Серова во время поездки в Грецию. Посещение Кносского дворца на острове Крит оказало на него большое впечатление. В 1910 году картина, в основу которой легла легенда о похищении Зевсом Европы, дочери финикийского царя Агенора, была закончена.
По некоторым свидетельствам, Серовым было создано шесть вариантов картины.
Идея написать «Похищение Европы» родилась у Валентина Серова во время поездки в Грецию. Фото: Commons.wikimedia.org
Борис Кустодиев. Портрет Ф.И. Шаляпина. 1922
«Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей. Но если я когда-либо видел в человеке действительно великий дух, так это в Кустодиеве», - так написал о художнике в своей автобиографической книге «Маска и душа» знаменитый певец Федор Шаляпин.
Работа над картиной велась в квартире живописца. Комнатка, где Шаляпин позировал Кустодиеву, была так мала, что картину приходилось писать по частям.
Смешной момент работы позже вспоминал сын художника. По его словам, чтобы запечатлеть на холсте любимую собаку Федора Ивановича, пришлось пойти на хитрость: «Чтобы мопс стоял, подняв голову, на шкаф сажали кошку, и Шаляпин делал все возможное, чтобы собака смотрела на нее».
Мастерская, где Шаляпин позировал Кустодиеву, была так мала, что картину приходилось писать по частям. Фото: Commons.wikimedia.org
Казимир Малевич. Черный круг. 1923
Одна из самых известных картин основоположника супрематизма - Казимира Малевича - имеет несколько вариантов. Первый из них, созданный в 1915 году, сейчас хранится в частном собрании. Второй - созданный учениками Малевича под его руководством - экспонируется в петербургском Русском музее.
Эксперты отмечают, что «Чёрный круг» для Казимира Малевича был одним их трёх главных модулей новой пластической системы, стилеобразующим потенциалом новой пластической идеи - супрематизма.
Живопись второй половины XIX века - начала XXI века
Среди живописных работ, переданных в Русский музей в момент его основания, заметную и значимую в художественном отношении часть составили произведения ведущих мастеров второй половины XIX в. (И.К.Айвазовский, В.М.Васнецов, К.Е.Маковский, И.Е.Репин, В.Д.Поленов, В.И.Суриков). Несмотря на то, что отбор картин для музея в первые два десятилетия его существования был несколько ограничен консервативными вкусами Совета Академии художеств, диапазон представленной в коллекции живописи постоянно расширялся. В этом огромная заслуга сотрудников музея, таких как Альберт Бенуа и Александр Бенуа, И.Э.Грабаръ, П.И.Нерадовский и др. Важные шаги были предприняты для комплектования собрания картин современных художников. Отдельные полотна и целые группы произведений поступали с выставок И.И.Левитана (в 1901 г. - посмертная), В.В.Верещагина (в 1905 г. - посмертная), Я.Ф.Ционглинского (в 1914 г. - посмертная), Товарищества передвижных художественных выставок (С.Ю.Жуковского, Н.А.Касаткина, И.И.Левитана, В.Е.Маковского), Нового общества художников (Б.М.Кустодиева, Н.М.Фокина), от авторов (А.Я.Головин, В.А.Серов, М.В.Нестеров), от случайных владельцев («Трапеза» В.Г.Перова, «Портрет О.К.Орловой» В.А.Серова и др.).
Заметным вкладом в собрание живописи стали переданные музею в 1918 г. эскизы М.А.Врубеля и картины К.А.Сомова из обширной коллекции В.Н.Аргутинского-Долгорукова. Вскоре на хранение в музей поступили собрание Н.И. и Е.М.Терещенко, состоявшее главным образом из произведений художников конца XIX - начала XX в. (в том числе «Богатырь» и «Шестикрылый серафим» М.А.Врубеля), собрание А.А.Коровина, где были полотна кисти В.А.Серова, Ф.А.Малявина, М.В.Нестерова, К.А.Коровина, а также представителей художественных объединений «Мир искусства», «Голубая роза» и «Бубновый валет».
Пополнение коллекции живописи второй половины XIX - начала XX вв. не прекращалось и в 1930-е гг. В это время из Музея революции среди других работ было передано «Торжественное заседание Государственного совета» кисти И.Е.Репина. Из Государственной Третьяковской галереи в Русский музей поступили полотна мастеров, слабо представленных в собрании последнего («Гитарист-бобыль» и «Портрет Ивана Сергеевича Тургенева» В.Г.Перова, «Автопортрет» Н.В.Неврева, «Курсистка» Н.А.Ярошенко, «Летящий демон» М.А.Врубеля и «Бабы» Ф.А.Малявина).
За последние двадцать лет в музей поступило около двухсот произведений живописи второй половины XIX - начала XX в. Большая часть их этих работ была подарена в 1998 г. братьями И.А. и Я.А.Ржевскими. Обширное собрание картин русских художников, включающее полотна И.К.Айвазовского, И.И.Шишкина, Н.Н.Дубовского, Б.Н.Кустодиева, К.Я.Крыжицкого м многих других мастеров, сейчас представляет постоянную экспозицию музея в здании Мраморного дворца. Также необходимо отметить несколько этюдов и картин отечественных художников конца XIX - XX в. (С.Ю.Жуковский, Е.И.Столица, А.Б.Лаховский и др.), переданных в дар в 2009 г. от Н.П.Ивашкевич. Заметным приобретением последних лет стала картина И.Е.Репина «Портрет военного», ранее принадлежащая одной из североамериканских компаний.
В 1926 г. в дополнение к Художественному отделу Русского музея было создано Отделение новейших течений. Его фонды начали целенаправленно пополняться произведениями авангардных художественных направлений и творческих объединений первой четверти ХХ в., в том числе работами Н.С.Гончаровой, В.В.Кандинского, П.П.Кончаловского, П.В.Кузнецова, М.Ф.Ларионова, А.В.Лентулова, К.С.Малевича, Л.С.Поповой, В.Е.Татлина, Р.Р.Фалька, П.Н.Филонова, М.З.Шагала и многих других.
К 1927 г. в экспозиции Русского музея были последовательно представлены многочисленные новейшие течения от постимпрессионизма до беспредметничества. Отделение новейших течений просуществовало всего три года, однако оно, по существу, положило начало Отделу советской живописи ГРМ (1932-1991гг.), который на данный момент (в составе Отдела живописи 2-й половины XIX-XXI вв.) обладает постоянно пополняющимися фондами. Эти фонды, превышающие 6000 единиц хранения, охватывают практически все направления, школы, тенденции, основные виды и жанры развития русского искусства ХХ - начала XXI вв.
Русский музей располагает одной из крупнейших коллекций произведений раннего русского авангарда и его ведущих мастеров. В живописном собрании представлены основные новаторские течения середины 1910-х гг.: абстракционизм (В.В.Кандинский) и его сугубо русская ветвь - лучизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова), неопримитивизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, А.В.Шевченко, К.С.Малевич), кубофутуризм (Д.Д.Бурлюк, К.С.Малевич, И.А.Пуни, Л.С.Попова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер и др.), супрематизм (К.С.Малевич, И.А.Пуни, О.В.Розанова, И.В.Клюн), конструктивизм (В.Е.Татлин, А.М.Родченко, А.А.Экстер, Л.В.Попова), аналитическое искусство (П.Н.Филонов). Уникальны по своей полноте коллекции произведений мастеров, создавших новаторские художественные системы (К.С.Малевич, П.Н.Филонов, К.С.Петров-Водкин), а также отдельных крупных живописцев, в том числе тех, чей творческий путь начинался уже в советское время (С.В.Герасимов, П.П.Кончаловский, П.В.Кузнецов, Б.М.Кустодиев, В.В.Лебедев, А.А.Рылов, А.В.Шевченко, Н.М.Ромадин). Также в коллекции музея представлены работы художников - представителей значительных школ, существовавших в советское время (например, ленинградская школа пейзажной живописи 1930-х - 1950-х гг.).
Искусство социалистического реализма, демонстрирующее высокие художественные достоинства, сюжетную ясность, программную склонность к «большому стилю», отражено в полотнах А.А.Дейнеки, А.Н.Самохвалова, А.А.Пластова, Ю.И.Пименова и многих других советских художников, продолжавших работать в годы Великой Отечественной войны, и во второй половине ХХ в. В золотой фонд советского искусства вошли также находящиеся в собрании Русского музея произведения представителей «сурового стиля» и соприкасавшихся с ним направлений поисков советских живописи 1960-х-1970-х гг. В собрании музея находятся работы таких мастеров послевоенного искусства, как Н.И.Андронов, В.В.Ватенин, Д.Д.Жилинский, В.И.Иванов, Г.М.Коржев, Е.Е.Моисеенко, П.Ф.Никонов, П.П.Оссовский, В.Е.Попков, В.М.Сидоров, В.Ф.Стожаров, братья А.П. и С.П.Ткачевы, Б.С.Угаров, П.Т.Фомин и другие, созданные в широком жанровом диапазоне - от исторической картины до натюрморта.
Имевшая место в 1970–1980-е гг. актуализация отвергавшегося ранее художественного опыта породила в недрах официального искусства плеяду мастеров, работавших в русле «картины идей», связанной с метафорическим, многоплановым осмыслением окружающего мира и человеческой жизни (О.В.Булгакова, Т.Г.Назаренко, Н.И.Нестерова, И.В.Правдин, А.А.Сундуков и др.). В период «перестройки» (1985-1991гг.) собрание Русского музея пополнил ряд имен художников, работавших в рамках андеграунда. Ныне коллекция современной живописи - весьма мобильная и быстрорастущая часть фондов ХХ - начала ХХI вв., но продолжается и всестороннее формирование всего живописного собрания.
Ярошенко Н.А. Портрет художника Николая Ге.
1890. Холст, масло.
Рерих Н.К. Заморские гости.
1902. Картон, масло.