Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?
Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.
Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.
Они почему-то полагают, что художник - это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.
Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.
Смело скажу - это все чепуха! Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!
Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.
Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.
1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin
Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.
Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.
Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером
В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству , бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.
Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.
Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.
Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.
Картины Поля Гогена
Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.
2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)
История этого мастера - в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.
При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях . А затем начал писать картины на собственные сюжеты.
В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.
Картина Джека Веттриано
Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это - без академического образования - в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.
3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau
Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.
В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.
Картины Анри Руссо
Ещё при жизни художника его картины высоко оценили , Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.
4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo
Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.
Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.
Картина Мориса Утрилло
Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции . После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.
5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck
Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе - родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.
Картина Мориса де Вламинка
До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.
6. Аймо Катаяйнен /Aim o Katajainen
Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.
Картины Аймо Катаяйнен
Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.
7. Иван Генералич / Ivan Generalić
Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.
Картина Ивана Генералича
После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.
8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же Бабушка Мозес)
Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.
Картина Анны Мозес
Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена . Примечательно, что прожила художница 101 год!
9. Екатерина Медведева
Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.
Картина Екатерины Медведевой
10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson
Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет , а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.
Картины Кирона Уильямса
Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.
11. Пол Ледент / Pol Ledent
Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.
Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.
Картины Пола Ледента
По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов. Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.
12. Хорхе Масьел / JORGE MACIEL
Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и красочные натюрморты.
Картины Хорхе Масьел
Этот список художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).
Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!
Все они - подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.
Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта - об этом мы уже говорили .. Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.
Биологи и когнитивисты считают, что представления о гармонии заложены в наш мозг , позволяя нам чутко реагировать на красоту форм в природе. Предположительно, яркие цвета нравятся нам, потому что умение их различать - один из адаптационных механизмов, которые позволили нашему виду выжить. Нам интуитивно приятны симметричные лица и гармоничные узоры, а изображение радостных, позитивных сюжетов вызывает закономерное удовольствие.
В то же время мы не требуем от художника, чтобы он непременно «сделал нам красиво» своим творчеством.
К предметам искусства применяются более широкие критерии, и само понятие красоты как оценочной категории в современном искусстве деконструировано. Красив ли «Чёрный квадрат»? А «Фонтан» Марселя Дюшана? А перформанс Марины Абрамович «Ритм 0» ? Каждое из этих произведений искусства - идея, воплощённая в материале или действии, и ни в одном случае художник не стремился порадовать чужие рецепторы.
У художников всегда были причины, чтобы изображать сложное, уродливое или причудливое. Вместе с тем, популярное мнение гласит, что «раньше» (в условную классическую эпоху) художники ещё не извратили суть искусства и предпочитали «рисовать красиво». Однако в европейской культуре художественная концепция безобразного появилась куда раньше, чем современное искусство.
Философы и богословы о безобразном
Помимо теории прекрасного, отражённой в философских концепциях и произведениях искусства, всегда продолжала существовать и теория безобразного, в рамках которой уродливое и некрасивое могло быть сюжетом, достойным изображения. Безобразное как предмет искусства вызывает интерес уже у средневековых людей - если речь идет о талантливом изображении, вполне передающим идею безобразия. В том случае предметом восхищения будет не само страшное или отталкивающее изображение, а мастерство, с которым оно выполнено.
Йохан Хейзинга отмечает, что только к 1400 году живопись достигла того уровня мастерства, чтобы в полной мере передать подобные сюжеты. В частности, с этим он связывает сравнительно позднее внедрение в живописи таких распространенных тем, как «Триумф смерти» и «Страшный суд». Примерно то же самое произошло и с изображениями страданий мучеников.
Мучения святых: боль и красота
«Эстетика мученичества», в высшей мере проявленная в изображениях Страстей Христовых, расцвела в эпоху зрелого Средневековья и перешла в ренессансное искусство. В эпоху раннего Средневековья чаще можно было столкнуться с упрощенными изображениями распятия, чем с детальными картинами. То же относится и к картинам истязаний мучеников.
Однако антропоцентрическая модель предусматривала интерес к человеку и, соответственно, личностное переживание страданий.
Если в Средние века на вопрос смотрели с назидательной стороны, то художников Возрождения стали интересовать и сугубо живописные моменты: верная передача анатомии, перспектива. Возросшее внимание к телесности проявилось в изображениях страдающих святых - это был легальный способ рисовать обнажённые человеческие тела и обращать внимание на физические переживания.
Этим объясняется тенденция к некоторой эстетизации телесных мучений святых. Выверенные композиции, изящные позы мучеников - вот приметы подобных изображений. Телесная красота стала предметом внимательного рассмотрения. Художественная культура этой эпохи отражает интерес к человеку в самых разных проявлениях, в том числе и в страдании.
Удивительное и причудливое
Существует ещё одна область эстетического опыта, отчасти примыкающая к безобразному - но без такой мрачной окраски. Этот опыт был востребован и в Средние века, когда все предметы таили символические значения, и в культуре Возрождения с её интересом к разнообразным явлениям материального мира. Речь идёт о категории удивительного, причудливого и диковинного.
Люди прошлого мало разделяли «чудеса» по происхождению - мистические образы и причуды природы воспринимались как однородные явления.
Страсть к коллекционированию диковин, которой отличались и естествоиспытатели, и монархи, демонстрирует желание прикоснуться к тайнам мироздания. Например, в коллекции императора Рудольфа II находились как произведения искусства, так и фрагменты тел легендарных животных. Магическое и научное, символическое и эстетическое - в кунсткамерах эти понятия тесно сплетались.
Сегодня мы имеем доступ к любому визуальному материалу, а люди прошлых эпох располагали куда меньшим его количеством. Низкая социальная мобильность, оседлый образ жизни большинства людей и неграмотность не позволяли расширять картину мира. Поэтому новые образы - в картинках или рассказах - были очень востребованы и производили потрясающее впечатление.
Истории странствий в далеких землях были очень популярным средневековым жанром. В рассказах о путешествиях на восток фигурирует множество вымышленных существ, которые, не являясь откровенно пугающими и безобразными, остаются при этом легендарными и нарушают обычные каноны. Рассказы сопровождались соответствующими изображениями, сделанными в соответствии с услышанным. Восхищение, вызываемое этими образами, носят эстетический характер - притом, что многие изображаемые существа или явления вовсе не красивы. Сопутствующая им развлекательная сила, предложение зрелища, легендарный статус - вот то, что влечёт к ним зрителя.
Огромный успех имело относящееся к XII веку «Послание Пресвитера Иоанна», которое оказало большое влияние на умы современников - как в эстетическом смысле, так и в политическом. Дальним странствиям посвящена знаменитая книга Марко Поло. Помимо данных, которые можно принять за реальные исторические сведения, там хватает преувеличений и курьезов. Например, в описании Малой Явы (Суматра) Поло утверждает, что видел единорога, но тот оказался не так красив и кроток, как о нем говорили, и потому принёс одно разочарование.
Водятся тут дикие слоны и единороги, ничуть не менее слонов; шерсть у них как у буйвола, а ноги слона, посреди лба толстый и черный рог; кусают они, скажу я вам, языком; на языке у них длинные колючки, языком они и кусают. С виду зверь безобразный. Непохожи они на то, как у нас их описывают; не станут они поддаваться девственнице: вовсе не то, что у нас о них рассказывают.
Марко ПолоКнига чудес света
В изобразительном искусстве пример причудливого - иллюстрации к книге римского автора Юлия Обсеквента , относящиеся к XV веку. Мастера, создавшего их, называют именем Мастера Бусико - по имени другой созданной им серии работ («Часослов маршала Бусико»). Для людей Возрождения трактат читался как смесь учебника по истории и фэнтези-романа - даже если некоторые из них сомневались, что над какой-то из провинций правда шёл каменный дождь, прочесть о таком было интересно. Что и говорить об изображениях чудовищных созданий!
На миниатюрах в книгах по географии и истории изображались легендарные существа - единороги, крылатые и бескрылые драконы, кинокефалы (псиглавцы), циклопы, одноногие исхиаподы. Классический эстетический канон в изображениях существ, без сомнения, искажён: вряд ли кому-то пришло бы в голову назвать привлекательными персонажей с лицом, расположенным на груди.
В то же время, они не несут угрозы, которая присуща изображениям адских мук, и будят интерес. Легко представить ренессансного школяра, который, раскрыв рот, жадно разглядывает такие изображения.
Нам известны более сложные способы эстетических впечатлений, чем просто «красивое». Мы находим изысканными тусклые, «пыльные цвета» и ценим радикально чёрный. Наше воображение волнуют контрасты - изящное и грубое, возвышенное и низкое. Мы умеем видеть прекрасное в недостатках и изъянах, полагая, что они порой делают нечто идеальное по-настоящему уникальным. Мы видим волнующее в жутком и любим пощекотать себе нервы. Нам кажутся красивыми осенние дожди и раскалённая лава вулканов.
Эстетическое чувство было сложным и неоднозначным в разные эпохи - включая те, когда создавались книжные миниатюры и классические полотна.
Взглянув на вещи глазами людей другого времени, мы заметим, что им тоже были хорошо знакомы сложные переживания на грани отторжения и интереса, любопытство исследователя и восхищение художественным талантом мастера, что бы тот ни изобразил.
Жизнь творческих людей всегда в той или иной мене окружена не только флером таинственности, но и разного рода кривотолками. Что из них правда, а что – веками культивировавшийся вымысел?
Миф 1. Все художники – охотники до выпивки
Почему не повара, продавцы, преподаватели математики или дворники? Да потому что кое-кому нужно заправляться горючим «для вдохновения». Спору нет, некоторые живописцы действительно призывают музу сорокаградусными методами, а то и наркотиками. Многие великие не чурались зеленого змия: Модильяни, Саврасов (а тут сразу два стереотипа: мало того что художник, так еще и русский!), Ван Гог, Гоген и другие. Ну и что? Неужели было мало любителей выпить среди представителей других сфер деятельности? Ельцин, Сталин, Петр Первый, Александр Македонский в увлечении живописью замечены не были, а вот в страсти к спиртному – это пожалуйста.
Миф 2. Все художники бедные
Миф 3. Все художники богатые
И снова нет! Таких примеров история знает, кажется, меньше. Статистика говорит в пользу портретистов, предпочитавших реализм или приукрашавших изображаемого. Портреты богачей (от дворян до императора) – круче, чем золотой прииск. Фавориты Екатерины II нервно курят в сторонке. И всё же примеры из предыдущего пункта возвращают современных художников-мечтателей из мира розовых слоников на землю. О том, как продать работу по адекватной цене, идет речь в моей статье «За сколько продавать картины? »
Миф 4. Художники экономят на подарках
Подарил картину – и порядок. Я не буду говорить об альтернативных издержках (то есть о том времени, которое живописец мог бы потратить на картину для продажи). Речь о материальной стороне вопроса. Краски, кисти и другие расходные материалы стоят денег, особенно дороги холсты на подрамниках: цена простенького холста 40х50 составляет в среднем 500-700 рублей. А теперь прибавьте заказной багет в несколько тысяч рублей и паспарту , если речь об акварели! Мне «самоделка» обходится в несколько раз больше, чем покупной подарок.
Миф 5. Все великие художники – мужчины
О нет, я отнюдь не феминистка, скорее даже наоборот. Но всё же констатирую факт: женщинам не особо позволялось заниматься творчеством на протяжении столетий. А как только разрешили, на живописный Олимп взошли и Зинаида Серебрякова, и Фрида Кало, и Наталья Гончарова, и Мэри Кэссетт, и Берта Моризо. Писали наравне с мужчинами, ничуть не хуже! А сейчас зайдите в любую изостудию – аудитория все равно что в парикмахерской (на десять девчонок двое ребят). Подробнее о знаменитых художницах читайте в статье «
Давайте поразмышляем в очередной раз об искусстве и таких непонятных, но зачастую всем интересных художниках. Кто эти загадочные люди со своими внутренними мирами? Зачем они постоянно что-то рисуют и кому это нужно?
С того момента, когда я впервые начала называть себя художником и показывать работы зрителям, я собрала чуть больше дюжины мифов, с которыми мне пришлось столкнуться. И надо сказать, что некоторые из них действительно существовали, но лет так 100-200 назад. Да, к сожалению, представления социума о художниках (на территории бывшего СССР) очень устаревшие. С этим нужно работать. И я предлагаю начать делать это прямо сейчас, возможно именно Вы до сих пор верите в них. Итак, мифы о художниках:
Миф №1: Чтобы написать картину, нужно ждать вдохновения (музу).
Реальность: Еще часто к этому приписывают – выпить, покурить. Якобы, творчество – такое капризное по своей натуре, что ему нужна подпитка.
Так вот, никакое вдохновение не берется из ниоткуда. Чтобы что-то сделать, нужно делать, как это не банально звучит. Да, существуют источники вдохновения, но они очень индивидуальны для каждого. И алкоголь или какие-то наркотические вещества не способствуют этому, кроме краткосрочной смелости и выплеска энергии. В общем если постоянно чем-то себя подпитывать – становишься зависимым и раздражительным. А это значит, что придется искать подпитку всегда и умереть раньше срока, так и не создав свой самый гениальный шедевр.
«Художник не тот, кто вдохновляется, а тот, кто вдохновляет».
Сальвадор Дали
Миф №2: Все художники – алкоголики.
Реальность: Не каждый художник – алкоголик, не каждый алкоголик – художник. В целом этот миф немного правдив, но лишь немного. Начнем с того, что художники – тоже люди и им свойственно отмечать праздники, иногда выпить что-либо алкогольное. И, возможно этот принцип «не пьешь, а художником быть хочешь» действительно действовал и действует. Но всё же, сейчас я все больше среди молодых людей вижу сторонников здорового образа жизни, правильного питания, спорта и т.д. И все меньше любителей много выпить и «гульнуть». Возможно, это еще и потому что все больше в искусство приходит женщин. А женщины, как я думаю, не настолько склонны губить свое здоровье.
Миф №3: Художники проживают жизнь в нищете, а чтобы стать известным – нужно умереть.
Реальность: В массовом сознании бытует образ «бедного и зависимого художника», возникший отчасти благодаря классической русской литературе. В реальности труды живописца оплачивались всегда достойно. К примеру, Илья Репин, будучи еще никому не известным 19-летним провинциалом, писал образа для глухой сельской церкви, и получал за каждый по пять рублей (столько же он платил в месяц за комнату в Петербурге). Но, как и сейчас, тогда были непризнанные гении, умершие в нищете (Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Амадео Модильяни). Только сейчас нет нищенствующих художников, потому что человек обычно ищет другие способы заработка (дизайн, оформление, преподавание).
Миф №4: Художники – не от мира сего.
Реальность: Почему возникает такая мысль? Наверняка этот образ возник из романов, историй о сумасшедших, которые были одержимы творчеством, летали на Марс за новой энергией и не могли найти контакт с современниками. Хочется повторить – художники тоже люди. Возможно, в чем-то они и не похожи на других – в одержимости своим делом, в любовании красотой, которая их окружает. Но что плохого в том, чтобы быть погруженным в то, что любишь и чем занимаешься. Большинство успешных художников отлично ладят с обществом и идут на контакт.
Миф №5: Чтобы создать качественную картину нужно потратить много времени.
Реальность: В этом случае все индивидуально. Кто-то привык работать быстро, кто-то медленно. Для кого-то создать шедевр возможно за 30 минут, кому-то не хватает жизни. Но никогда не стоит сравнивать искусство с другими отраслями жизни. Например, если я хочу качественно сделать инженерный проект, я должна сначала подумать, собрать информацию и потом работать. В искусстве часто все спонтанно, и даже если материал для работы собирается долго, сама работа зачастую пишется быстро.
Миф №6: Искусством невозможно заработать, или «тебе 30 лет – иди, найди нормальную работу!»
Реальность: Искусством заработать возможно! И очень важно, когда художника поддерживают близкие люди, семья. Знаете какой вопрос следует после представления «я – художник»? Обычно спрашивают: «Где работаешь?» Т.е. в принципе никто даже не догадывается, что существуют люди, зарабатывающие этим себе на жизнь. Конечно, сейчас все сложнее быть свободным художником. Это кроется в слабой платежеспособности социума и не качественной культуризации населения. Художник – трудная профессия. Раньше, во времена Леонардо да Винчи, художники носили нагрудный знак Буйвола, который сравнивал их работу с работой крепыша буйвола.
Миф №7: Все художники носят бороды/береты/кольца/шляпы.
Реальность: Даже не представляю, почему этот миф до сих пор живет в 21 веке. Я еще согласна с тем, что художники любят выделяться, надевать нестандартные вещи, создавать образ. Но чтобы носить бороду и берет… Кстати, бороду ныне носят многие молодые люди, и не все они художники.
Миф №8: Рисовать – просто, это не вагоны разгружать.
Реальность: Художник – это профессия и призвание одновременно. Творчество, конечно, не сравнимо с тяжелыми физическими нагрузками, но по большому счету мы живем в 21 веке и стараемся все больше работать умственно. А работать в искусстве и создавать картины/проекты – это такой же интеллектуальный труд, требующий самоотдачи и глубокой мысли.
Миф №9: Если ты художник, значит – ты должен прямо сейчас и здесь нарисовать меня! За бесплатно!
Реальность:
Кажется все просто. А попробуем так говорить каждому «Привет. Ты программист? А сделай мне сайт по-быстрому. А что за это еще и платить нужно?» Нелепо звучит? Вот так же озадачено и иной раз со злостью смотрит художник на людей, просящих «а нарисуй меня».
Миф №10: Художник должен быть голодным.
Реальность: К сожалению, сейчас так буквально понимают это выражение, что мне становится грустно. Скорее всего, создатель этой фразы подразумевал голод – как постоянное желание творить, а не как мысли о еде. Ведь все идут каждый день на работу, не всегда плодотворно работают, иной раз просто просиживают время, и им за это платят. Соответственно, каждый труд должен быть оплачиваемым.
Миф №11: Художник может всем рисовать бесплатно или за символическую плату (сюда же – благотворительные проекты и участие в сомнительных розыгрышах призов).
Реальность: Это, к сожалению, миф, в котором живут практически все в нашей суровой реальности. Хочется добавить, что чаще всего человек, предлагающий невероятное «везение», выпавшее на долю несчастного художника, удивляется отказу, говорит, что труд войдет в историю, останется в веках, и великое имя творца не забудет никто и никогда. Как ни странно, такие предложения поступают практически каждый день.
Миф №12: Художник должен писать картины маслом (преимущественно пейзажи с водопадами и портреты пышных женщин).
Реальность: Искусство не стоит на месте, постоянно развивается. Появляются новые виды и формы выражения мысли через арт. Среднестатистический же обыватель в лучшем случае знает Айвазовского и Репина. Соответственно искусство в их представлении именно такое. А признаком высочайшего мастерства является способность нарисовать «как живое». Люди зачастую чувствуют себя не в своей тарелке, когда соприкасаются с искусством, которое не могут быстро и легко понять, не могут взглянуть на вещи неформально, в результате срабатывает реакция отрицания искусства только потому, что оно непонятно.
Миф №13: Современное искусство (contemporary art) – абсолютный бред. «Как Пикассо и Малевич я тоже могу рисовать!»
Реальность: Обычно в таких случаях я предлагаю сразу же нарисовать «так же как Пикассо» и сходить с этим рисунком в музей (или хотя бы посмотреть на репродукцию в книге), для сравнения. Даже ничего не хочется говорить больше. Просто когда в следующий раз так подумаете – сравните свой рисунок с Пикассо.
Я уверена, что список мифов далеко не исчерпан. И очень надеюсь, что эта информация помогла вам хоть чуточку разобраться в мире искусства. Чем лучше вы будете узнавать этот мир, тем больше удовольствия он будет приносить.
P.S. А ещё говорят, что художники – суеверные люди. Возможно и так, а возможно и нет, но по этому поводу у каждого своё мнение…
В статье использованы иллюстрации Татьяны Раменской и Александры По.
(с) Юлия Пастухова
В кругу творческих людей довольно часто случается так, что розовый небосвод застилают грозовые тучи. Конфликты, негативное, даже недоброжелательное отношение друг к другу, зависть и обиды имеют место быть. И если уж доходит до негатива, то он просто зашкаливает. Одно из самых частых обоснований, откуда берутся такие настроения и неуважительное отношение к коллегам по цеху - дух времени и перенаселение планеты художниками. Мол, каждый выскочка без образования, без роду, без племени cчитает себя наделённым способностями и талантом, отбирая хлеб у настоящих творцов. Но так ли это? Действительно ли нас так много, и всё так плохо?
Художники во все времена сталкивались с весьма полярным отношением к себе и своему творчеству. Как со стороны, так и внутри узкого круга общения. Возьмём, к примеру, роман Эмиля Золя (фр. Émile Zola, 1840-1902 ) "Творчество" (фр. L"Œuvre, 1886г ) - 14 роман из цикла "Ругон-Маккары". Речь в нём идёт, о чём же иначе, о муках творчества и о жизни художников, а так же об истории возникновения пленэрной и эскизной манеры письма в живописи. Смею утверждать, что хотя о Золя часто пишут, что он французский писатель и художник, последним он всё-таки не был. Свою славу он заработал как достаточно скандальный и талантливый автор романов. А о жизни художника он всё больше судил как сторонний наблюдатель и постоянный участник дискуссий об искусстве в кругу друзей-художников.
Кадр из фильма "Cézanne et moi" 2016 года французской писательницы, кинорежиссёра и сценариста Даниэль Томпсон (Danièle Thompson, *1942). Фильм о дружбе писателя Эмиля Золя (в очках) и художника Поля Сезанна.
Золя считал литературу "наукой, с помощью которой можно изучать человека и общество с той же точностью, с какой натуралисты изучают природу" . Поэтому события его романа тесно связаны с реальными событиями того времени, а главные герои списаны с реальных людей. Изменены только некоторые факты, ну и конечно фантазии писателя тоже нужно было разгуляться между делом.
Итак, прообразами героев романа Эмиля Золя стали реальные художники, которых в Париже того времени с подачи критика и художника Луи Леруа (фр. Louis Leroy; 1812-1885 ) стали называть импрессионистами. Кстати, не верьте, когда говорят, что это именно он ввёл в обиход данное обозначение. Потому что ввели его сами импрессионисты, хотя сначала очень обижались. Потому что Леруа первый раз использовал слово "импрессия" в крайне негативном ключе. Одна из картин Клода Моне на первой совместной выставке художников пленэрной живописи называлась "Impression, soleil levant" (в переводе с фр. Впечатление, восходящее солнце ). После посещения выставки Луи Леруа отчитался в очередной разгромной статье, что работы художников этой школы живописи просто забыли написать, довести до конца. Ведь это не готовые полотна, а просто быстрые эскизы, вот именно что impression - лёгкий след, мимолётное впечатлние, а не солидная живопись.
Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце." 1872, 48×63 см, Музей Мармоттан-Моне, Париж
Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце." 1872, 48×63 см, Музей Мармоттан-Моне, Париж. Фото отсюда .
На самом деле Луи Леруа можно легко понять. Во-первых, он сам был худодником-графиком, который регулярно выставлялся в "Парижском Салоне" и знал, какой кровью даётся эта выставка и сколько для неё нужно было работать. Картин самомго Леруа я не нашла на скорую руку в сети. Впрочем, многие источники вообще больше не в курсе, что он не только критические заметки писал. Как бы там ни было, по работе ниже можно представить, сколько было желающих участвовать в "Парижском Салоне" и почему Золя писал в своём романе о том, что там были выгодные и мало выгодные места - под потолком, к примеру.
Эдуар Жозеф Дантан, "Угол Салона", 1880г. Репродукция отсюда .
В романе "Творчество" есть епизод, когда герои как раз готовятся к выставке "Салон отверженных" (фр. Salon des Refusés ) - выставка, параллельная официальной французской, на которой были представлены полотна и скульптуры, отвергнутые в 1860-х - 1870-х годах жюри "Парижский салон" (фр. Salon de Paris ). "Салон" - была одной из самых престижных художественных выставок Франции, а так же официальной регулярной экспозицией парижской и ныне действующей Академии изящных искусств (фр. Académie des beaux-arts ). Задумывалась она как пропаганда официального императорского вкуса. Попасть туда и выставиться - было вопросом престижа и продаваемости для художника.
Представьте, что в те времена только-только изобрели тюбики для масляной краски, и художники стали выходить из своих мастерских на пленэр и сразу писать больше с натуры, а не работать с маленькими эскизами по следам путешествий. Конечно для многих то, что делали импрессионисты, было настоящей дикостью. Изящная, академически реалистичная живопись выглядела вот так.
Адольф Вильям Бугро, "Восхищение". 1897, Музей искусств Сан-Антонио (Техас)
Адольф Вильям Бугро, "Волна". 1896, частное собрание
И теперь для сравнения картина Эдуарда Мане, которая стоит во главе угла и в романе "Творчество" (только Золя рассказывает, что её гл. герой Клод написал) и которую жюри Салона единогласно и с возмущением отклонило. Что? Голая тётка в компании двух мужчин? Что за распутство? И почему она при этом так бесстыдно смотрит на зрителя? И мы знаем, кто это! Да-да - мы узнали эту разлучницу! И что это за бездарная манера письма с явным нарушением пропорций. "Стиль картины порывает с академическими традициями того времени. Резкий "фотографический" свет устраняет полутона. Мане не пытался скрыть мазки кисти, и картина поэтому в некоторых местах выглядит неоконченной. Нагота в "Завтраке на траве" очень отличается от мягких и безупречных фигур художников академической школы живописи."
Эдуард Мане, "Завтрак на траве". 1863 Музей Орсе, Париж
Конечно же по сравнению с работами художников академизма работы импрессионистов выглядели так, как будто публике эскизы показывают. Ведь тогда ещё никто не мог себе даже представить, какой огромный потенциал кроется за потрясающей манерой письма школы пленэрной, эмоциональной живописи.
Я уже много раз обращала ваше внимание на то, что нужно чётко понимать, насколько ошибочно представление о том, что в искусстве одно направление постепенно сменилось другим, хотя в учебниках их так и дают - скучно и по очереди. Часто новые течения в искусстве возникали параллельно с принятой или модной манерой изображения. Творческие люди новых направлений во все времена были вынуждены бороться за место под солнцем, потому что то, что они делали, было элементарно непривычным. А как мы относимся к новому и непонятному? Спасибо, если не убиваем как злых инопланетян, внедрившихся в наше тёплое гнёздышко.
Джон Сингер Сарджент, "Клод Моне на опушке леса за живописью", 1885, Tate Gallery
Так же было и с импрессионизмом. Это новое течение более эмоциональной живописи зародилось параллельно академическому письму - выше упомянутому академизму. Даже годы спустя многие художники из круга импрессионистов не оставляли надежду попасть в "Салон" и произвести революцию именно там, а не где-то на стороне в тихом болотце. И это произошло.
Но, вернёмся к роману "Творчество" и скандалам вокруг него. Многие импрессионисты, в круг которых был вхож и Золя, тут же узнали себя в "Творчестве". Друг юности Золя - художник Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne, 1839-1906 ) - просто порвал отношения с автором. Золя использовал для романа реальные случаи и факты из жизни Сезанна, но дополнительно украсил собственными деталями и повернул сюжет так, чтобы обратить внимание читателя на несовершенство и несостоятельность главного героя Клода Лантье. Клод по мнению Золя был художником-неудачником, при этом имел, судя по описаниям, большое сходство с реальным художником Полем Сезанном. В добавок ко всему Золя не видит никакого выхода для своего героя и просто "вешает" его в собственной мастерской - убивает его. Можете себе представить, что испытал Поль, когда узнал в романе себя и осознал, какого мнения о нём и его товарищах и его лучший друг, и окружающие? Но публика была в восторге от дерзкого натурализма Золя.
Слева Поль Сезанн, справа Эмиль Золя в ранние годы
Вот небольшая выдержка из пересказа Д. Л. Быкова , чтобы вы понимали, какие там страсти бушевали: "Клод посещает старых друзей: Магудо уступает вкусам публики, но ещё сохраняет талант и силу, аптекарша по-прежнему при нем и стала ещё безобразнее; Жори зарабатывает не столько критикой, сколько светской хроникой и вполне доволен собою; Фажероль, вовсю ворующий живописные находки Клода, и Ирма, еженедельно меняющая любовников, время от времени кидаются друг к другу, ибо нет ничего прочнее привязанности двух эгоистов и циников. Бон-гран, старший друг Клода, признанный мастер, взбунтовавшийся против Академии, несколько месяцев кряду не может выйти из глубокого кризиса, не видит новых путей, рассказывает о мучительном страхе художника перед воплощением каждого нового замысла, и в его депрессии Клод с ужасом видит предзнаменование собственных мучений."
И в конце: "... Воздух эпохи отравлен, говорит Бонгран Сандозу на похоронах гения, от которого ничего не осталось. Все мы - изверившиеся люди, и во всем виноват конец века с его гнилью, разложением, тупиками на всех путях. Искусство в упадке, кругом анархия, личность подавлена, и век, начавшийся с ясности и рационализма, заканчивается новой волной мракобесия. Если бы не страх смерти, всякий подлинный художник должен был бы поступить, как Клод..." Вот такое странное мнение стороннего наблюдателя о том, что и кому должен художник.
Как видите, мало что изменилось. И это хорошо на самом деле. Потому что это признак того, что не извелись ещё таланты и стремление создавать прекрасное и вечное. А проблемы у художников были и будут очень похожие. Особенно потому, что в мире искусства был и есть свои "Моцарты и Сальери". Но я придерживаюсь позиции, что многим только кажется, что всё пропало так же, как это только казалось Сандозу (прообразом которому послужил сам Золя). Ведь даже если присмотреться повнимательнее к излюбленной метафоре о Моцарте и Сальери - о зависти и настоящем таланте, она лопается, как мыльный пузырь. Потому что выдумка и страсти в ней надуманные.
Слева последний прижизненный портрет Моцарта кисти Иоганна Георга Эдлингера (1790), справа портрет Сальери кисти немецкого художника и композитора Йозефа Виллиброрда Мелера примерно того же периода
Ведь мало кто знает, что соперничество и вражда между выше упомянутыми людьми - всего лишь литературный вымысел. В основе пьесы Пушкина о Моцарте и Сальери лежит всего лишь один из злых слухов, порождённых ранней смертью В. А. Моцарта (нем. Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791 ). Александр Сергеевич ухватился за самую спорную, театральную и скандальную версию. А всё потому, что Антонио Сальери (ит. Antonio Salieri, 1750-1825 ) был одним из выдающихся и видных композиторов того времени. Не прицепились же к какому-нибудь Йозефу Гайдну (нем. Franz Joseph Haydn 1732-1809 ) с обвинениями - он тоже там околачивался и был ещё старше Сальери. По свидетельствам современников у тогда 40-летнего Сальери даже амбиций таких не было, как у Моцарта. Он был выходцем из бедной семьи и много работал, чтобы заслужить то положение, которого добился. Сальери не было смысла так рисковать. И темперамент у него был не тот. В итоге красивое слово знаменитого поэта привело к широкому распространению и укоренению в массовом сознании мифа о причастности Сальери к трагической гибели Моцарта. И теперь даже имя Сальери в России стало нарицательным. На деле же Сальери был талантливым, весьма опытным и успешным композитором и педагогом. Именно он был учителем целого поколения других композиторов, среди которых по свидетельствам одного из источников был Бетховен, Шуберт и Лист. К тому же мало кто знает, что после смерти Моцарта Сальери стал наставником младшего сына успошего - Франца Ксавьера (Franz Xaver). Причём сделал это по просьбе Констации Моцарт - жены Вольфганга Амадеуса. Если даже у близкого Моцарту человека не было никаких подозрений и даже годы спустя только почтительное отношение к Сальери, о чём тут вообще речь? Что за чёрная несправедливость? Что за гадкий миф, который так настырно держится в сознании? По свидетельствам современников Сальери испытывал огромное уважение к Моцарту и его дару. Сам Моцарт ни в одной из переписок даже словом не упоминал злой нрав Сальери или какие-то выпады в его сторону. Музей Моцарта в Зальцбурге (дом, в котором родился Моцарт) даже пошёл на то, что устроил в своих стенах выставку, посвящённую Сальери, дабы обелить уже имя этого талантливого человека, без которого мы лишились бы ряда других талантливейших композиторов.
Но почему-то так уж мы устроены, творческие люди, что страсти в нас бурлят даже тогда, когда нам уже грех жаловаться. Возьмём, к примеру, художественный фильм 2012 года режиссёра Жиля Бурдо (фр. Gilles Bourdos,* 1963 ) о последних годах французского импрессиониста Пьера-Огюста Ренуара (фр. Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919 ) в Кань-сюр-Мер во время Первой мировой войны - "Ренуар. Последняя любовь" (фр. Renoir ). В одном из эпизодов между художником и моделью случается следующий диалог. Молодая модель испрашивает позволения двигаться во время сеанса рисования. В то время Ренуар уже был мэтром, признанным гением. Все ходили вокруг него на цыпочках. Мастер охотно разрешает девушке вставать и менять позы со словами, что если бы он хотел рисовать камни, то не стал бы звать её позировать. И тут же приводит в пример некоего художника из Экс-эн-Прованса, которому нравится рисовать мёртвое. Более того, он якобы убегает от своих моделей, запирается в доме папы и рисует свои абрикосы. Ну что ты брюзжишь, как торговка, старик Ренуар, а? Какое тебе дело до чужих абрикос? Перед тобой на диване лежит прекрасная дева. Рисуй уже! Но нет. Он выходит из себя, что у кого-то другие приоритеты в жизни.
Кадр из фильма "Ренуар. Последняя любовь", 2012г
Если вы быстро не сообразили про убегание от моделей и абрикосы - и это был камень в огород Сезанна, который долгие годы жил затворником в семейном особняке Жас де Буффан (фр. Jas de Bouffan, название дословно означает «Пристанище Ветров» ) в Экс-эн-Провансе.
Признаться, я не знаю по-настоящему одарённых людей с лёгким, простым характером. Увы, так не бывает. Талант может и даётся людям при рождении. Но те, кто действительно взращивает его, упорно работает и движется к поставленным целям, простыми людьми в итоге не бывают. Более того, как говорит одна моя подруга, художнику нужно работать над плохим характером, чтобы его оставляли в покое и давали творить. Видимо Сезанн особенно отличился на всех фронтах, что в него ещё долго после смерти кидали камнями и абрикосами.
Поль Сезанн, "Натюрморт с яблоками и апельсинами", 1895-1900г, находится в Musée d"Orsay в Париже
Впрочем, это не мешало знакомым художникам из Парижа наведоваться к Сезанну и писать на продажу cвои работы по идеям и наработкам Поля, как и описал Золя в своём романе "Творчество". К примеру, я всегда считала, что Арлекины у Пикассо - это его конёк. А пару лет назад оказалась на выставке "Cézanne - Aufbruch in die Moderne" в музее Folkwang в городе Эссен в Германии. Там я увидела прямое сопоставление работ Пикассо, Матисса и Сезанна. Оказалось, что у Пикассо его Арлекины "посыпались" годами позже именно что с подачи Сезанна. Матисс иногда просто в сезановской гамме работал, копируя сюжеты.
Слева работа Матисса "Натюрморт с апельсинами" 1898 года, справа работа Сезанна "Корзина с яблоками" 1893г
Упомянутая выше выставка содержала более 100 работ. Кстати, некоторые произведения были из Пушкинского музея. Тогдашний директор музея Folkwang - Хубертус Гасснер (Hubertus Gaßner ) очень дипломатично рассказывал, что выставка содержит в себе сопоставления c работами Матисса (Henri Matisse, 1869-1954 ) и Пикассо (Pablo Picasso, 1881-1973 ) чтобы стало понятно, насколько экзистенциальными были работы Сезанна для эпохи Модернизма и для искусства 20го века вообще.
Слева работа Сезанна "Пьеро и Арлекин" из муз. им. Пушкина 1888 года, справа работа Пикассо "Семья Арлекинов" 1905 года
Конечно, экзистенциально. Сезанн жил затворником в отличие от того же Пикассо. Интернетов и телевизоров не было, чтобы зрителю увидеть, откуда у чего ноги росли. Но ведь разве могли бы мы наслаждаться прекрасными Арлекинами, если бы в природе не существовало гения Сезанна и гения Пикассо, даже если они вдохновлялись друг другом?
И если вернуться к изначальной теме, что художников якобы просто развелось слишком много - отсюда и все трагедии с завистью и стенаниями о настоящем таланте, лично мне в глаза бросается вот какая как будто незначительная деталь.
Представьте, что нас, жителей планеты, уже почти 7,5 миллиардов, тенденция по нарастающей. Как вы думаете, сколько из этих миллиардов являются образованными, культурными, интеллигентными, одарёнными людьми? Есть примерные представления? Если нет, я вам отвечу словами Авраама Линкольна: "Бог, как видно, любил простых людей, коль скоро сотворил их так много". И это не снобизм, а констатация факта.
Фото