Венские классики вошли в мировую историю музыки как крупнейшие реформаторы Их творчество не только уникально само по себе, оно ценно еще и тем, что определило дальнейшее развитие музыкального театра, жанров, стилей и направлений. Их сочинения заложили основу того, что в наше время принято считать классической музыкой.
Общая характеристика эпохи
Этих авторов объединяет то, что они творили на рубеже двух крупнейших культурно-исторических эпох: классицизма и романтизма. Венские классики жили в переходное время, когда шел активный поиск новых форм не только в музыке, но и художественной литературе, живописи, архитектуре. Все это во многом определило направление их деятельности и проблематику сочинений. XVIII - первая половина XIX века ознаменовались серьезными политическими потрясениями, войнами, которые в буквальном смысле перевернули карту Европы и оказали сильнейшее воздействие на умы современной интеллигенции и образованных кругов общества. Не стали исключением и венские классики. Например, общеизвестен тот факт, что наполеоновские войны очень сильно повлияли на творчество Бетховена, который в своей знаменитой 9 симфонии ("Хоральной") провел мысль о всеобщем единении и мире. Это был своеобразный ответ на все те катаклизмы, которые потрясли европейский континент в рассматриваемое нами время.
Культурная жизнь
Венские классики жили в период, когда барокко отошло на второй план, и ведущую роль стало играть новое направление. Оно стремилось к гармонии форм, единству композиции и поэтому отказалось от пышных форм предыдущей эпохи. Классицизм стал определять культурный облик многих европейских государств. Но вместе с тем уже тогда наметилась тенденция к преодолению жестких форм этого течения и созданию сильных произведений с элементами драмы и даже трагедии. То были первые признаки появления романтизма, который определил культурное развитие всего 19 века.
Реформа оперы
Венские классики сыграли определяющую роль в развитии всех музыкальных жанров рассматриваемого периода. Каждый из них, если можно так выразиться, специализировался на каком-либо одном стиле или музыкальной форме, но все их достижения вошли в золотой фонд мировой музыки. Глюк (композитор) был крупнейшим и одним из самых известных авторов своего времени. Его роль в развитии театра трудно переоценить: ведь именно он придал жанру оперы тот законченный вид, в котором мы его знаем теперь. Заслуга Кристофера Глюка состоит в том, что он первый отошел от понимания оперы как произведения для демонстрации вокальных способностей, но подчинил музыкальное начало драматургии.
Значение
Глюк - композитор, который сделал оперу настоящим спектаклем. В его произведениях, а также в сочинениях его последователей вокал стал во многом зависеть от слова. Сюжет и композиция, а самое главное - драма, стали определять развитие музыкальной линии. Таким образом, опера перестала быть исключительно развлекательным жанром, но превратилась в серьезный вид музыкального творения со сложной драматургией, интересными, с психологической точки зрения, персонажами, увлекательной композицией.
Произведения композитора
Венская классическая школа легла в основу всего мирового музыкального театра. Немалая заслуга в этом принадлежит Глюку. Его опера «Орфей и Эвридика» стала прорывом в данном жанре. В ней автор сконцентрировал внимание не на виртуозности исполнения, а на драме героев, благодаря чему произведение получило такое звучание и исполняется до сих пор. Другая опера - «Альцеста» - также была новым словом в мировой музыке. Австрийский композитор снова сделал упор на развитие сюжетной линии, благодаря чему произведение получило мощную психологическую окраску. Сочинение до сих пор исполняется на лучших сценах мира, что говорит о том, что реформа оперного жанра, проведенная Глюком, имела принципиальное значение для эволюции музыкального театра в целом и определила дальнейшее развитие оперы в указанном направлении.
Следующий этап развития
Австрийский композитор Гайдн тоже принадлежит к знаменитой плеяде авторов, внесших существенный вклад в реформирование музыкальных жанров. Он известен прежде всего как создатель симфоний и квартетов. Благодаря им маэстро получил широкую популярность не только в центральноевропейских странах, но и за их пределами. Наиболее широко известными являются его произведения, которые вошли в мировой репертуар под названием «Двенадцать лондонских симфоний». Они отличаются чувством оптимизма и жизнерадостности, что, впрочем, характерно почти для всех сочинений этого композитора.
Особенности творчества
Характерной чертой произведений Йозефа Гайдна была их связь с фольклором. В работах композитора очень часто можно услышать песенно-танцевальные мотивы, которые и сделали его работы такими узнаваемыми. В этом отразилось мироощущение автора, который во многом подражал Моцарту, считая его лучшим композитором в мире. У него он и заимствовал радостные светлые мелодии, которые сделали его работы необыкновенно выразительными и яркими по звучанию.
Другие работы автора
Оперы Гайдна не пользуются такой широкой популярностью, как его квартеты и симфонии. Тем не менее данный музыкальный жанр занимает видное место в творчестве австрийского композитора, поэтому следует упомянуть ряд его сочинений этого рода, тем более что они являются заметным этапом в его творческой биографии. Одна из его опер носит название «Аптекарь» и была написана к открытию нового театра. Еще несколько сочинений подобного рода Гайдн создал также для новых зданий театра. Он писал в основном в стиле итальянской оперы-буффа и иногда соединял комические и драматические элементы.
Наиболее знаменитые сочинения
Квартеты Гайдна по праву называют жемчужной мировой классической музыки. В них объединились основные принципы композитора: изящность формы, виртуозность исполнения, оптимистическое звучание, тематическое многообразие и оригинальный способ исполнения. Один из известных циклов назван «Русским», поскольку посвящен цесаревичу Павлу Петровичу, будущему российскому императору Павлу I. Другая группа квартетов предназначена для прусского короля. Эти сочинения были написаны в новой манере, поскольку отличались необыкновенной гибкостью звучанию, богатством контрастных музыкальных оттенков. Именно с данным видом музыкального жанра имя композитора получило мировое значение. Здесь же следует отметить, что автор часто прибегал к так называемым «сюрпризам» в своих сочинениях, делая неожиданные музыкальные пассажи в тех местах, где публика меньше всего это ожидала. К числу таких необычных сочинений принадлежит «Детская симфония» Гайдна.
Общая характеристика творчества Моцарта
Это один из самых известных авторов музыки, который до сих пор пользуется необыкновенной популярностью поклонников классики и любим во всем мире. Успех его сочинений объясняется тем, что они отличаются логической стройностью и завершенностью. В связи с этим многие исследователи относят его творчество к эпохе классицизма. Однако другие считают, что венский композитор стал предвестником романтизма: ведь в его произведениях уже отчетливо наметилась тенденция к изображению сильных незаурядных образов, а также глубокая психологическая проработка персонажей (речь в данном случае идет об опере). Как бы то ни было, но сочинения маэстро отличаются глубиной и вместе с тем необыкновенной легкостью восприятия, драматизмом и оптимизмом. Они легки и доступны для восприятия каждого, но одновременно очень серьезны и философичны по своему содержанию и звучанию. Именно в этом и заключается феномен его успеха.
Оперы композитора
Венская классическая школа сыграла определяющую роль в развитии оперного жанра. Огромная заслуга в этом принадлежит Моцарту. Спектакли, поставленные на его музыку, до сих пор пользуются огромной популярностью и любовью не только истых меломанов, но и массовой публики. Пожалуй, это единственный композитор, чью музыку так или иначе знают все, даже если имеют самое отдаленное представление об его творчестве.
Самой знаменитой оперой, пожалуй, является «Свадьба Фигаро». Это, наверное, самое жизнерадостное и одновременно необыкновенное смешное сочинение автора. Юмор звучит почти в каждой партии, что обеспечило ему такую популярность. Знаменитая ария главного героя уже на следующий день стала настоящим хитом. Музыка Моцарта - яркая, игривая, шаловливая, но вместе с тем необыкновенно мудрая по своей простоте - сразу завоевала всеобщую любовь и признание.
Еще одна знаменитая опера автора - «Дон Жуан». По популярности она, пожалуй, не уступает вышеупомянутой: постановки этого спектакля можно увидеть и в наше время. Показателен тот факт, что довольно сложную историю этого человека композитор преподнес в очень простой и вместе с тем серьезной форме, тем самым еще раз продемонстрировав свою глубокое понимание жизни. В этом гений сумел показать и драматическую, и оптимистическую составляющие, которые во всех его произведениях неразрывно друг с другом связаны.
В наше время не меньшей известностью пользуется опера «Волшебная флейта». Музыка Моцарта достигла в ней апогея по своей выразительности. В этом сочинении она легка, воздушна, весела и вместе с тем необыкновенно серьезна, так что остается только удивляться, каким образом автор сумел в таких простых, гармоничных звуках передать целую философскую систему. Известны и другие оперы композитора, например, в настоящее время периодически можно услышать «Милосердие Тита», причем как в театральном, так и в концертном исполнении. Таким образом, оперный жанр занимал одно из главных мест в творчестве гениального композитора.
Отдельные произведения
Композитор работал в самых различных направлениях и создал большое количество музыкальных произведений. Моцарт, «Ночная серенада» которого, например, уже давно вышла за рамки концертных исполнений и получила широкую известность, писал очень простым и доступным языком. Возможно, именно поэтому его часто называют гением гармонии. Даже в трагических произведениях звучал мотив надежды. В «Реквиеме» он выразил свои мысли о лучшей будущей жизни, так что, несмотря на трагический тон музыки, произведение оставляет чувство просветленного умиротворения.
Концерт Моцарта также отличается стройной гармонией и логической завершенностью. Все части подчинены единой теме и объединены общим мотивом, который задает тон всему произведению. Поэтому его музыка слушается на одном дыхании. В данном виде жанра нашли воплощение основные принципы творчества композитора: гармоничное сочетание звуков и частей, светлое и одновременно виртуозное звучание оркестра. Никто другой не мог так стройно выстроить свое музыкальное произведение, как Моцарт. «Ночная серенада» композитора - это своеобразный эталон гармоничного сочетания разных по звучанию частей. Бодрые и громкие пассажи очень ритмично сменяются чуть слышными виртуозными партиями.
Отдельно следует сказать о мессах автора. Они занимают видное место в его творчестве и, так же как и другие произведения, проникнуты чувством светлой надежды и просветленной радости. Также следует упомянуть про знаменитое «Турецкое рондо», которое вышло за рамки концертных исполнений, так что его часто можно услышать даже в рекламах по телевидению. Но наибольшим чувством гармонии, пожалуй, обладает концерт Моцарта, в котором принцип логической завершенности достиг наивысшей степени.
Кратко о творчестве Бетховена
Этот композитор всецело принадлежит к эпохе господства романтизма. Если Иоганн Амадей Моцарт стоит как бы на пороге классицизма и нового направления, то Людвиг Ван Бетховен полностью перешел на изображение сильных страстей, мощных чувств и незаурядных личностей в своих произведениях. Он стал, пожалуй, самым ярким представителем романтизма. Показателен тот факт, что, обращаясь к драматическим, трагическим темам, он написал всего одну оперу. Главным же жанром для него оставались симфонии и сонаты. Ему принадлежит заслуга в реформировании этих сочинений, так же, как Глюк в свое время преобразовал оперный спектакль.
Яркой особенностью творчества композитора было то, что главной темой его произведений являлось изображение мощной, титанической воли личности, которая огромным усилием воли преодолевает трудности и все преграды. Также много места Л. В. Бетховен в своих сочинениях отводил теме борьбы и противостояния, а также мотиву всеобщего единения.
Некоторые факты биографии
Он происходил из семьи музыкантов. Его отец хотел, чтобы мальчик стал знаменитым композитором, поэтому занимался с ним, прибегая к довольно суровым методам. Возможно, именно поэтому ребенок вырос мрачным и суровым по натуре, что впоследствии сказалось на его творчестве. Бетховен работал и жил в Вене, где занимался с Гайдном, но эти занятия очень быстро разочаровали и ученика, и учителя. Последний обращал внимание на то, что у молодого автора преобладают довольно мрачные мотивы, что в то время было не принято.
Биография Бетховена кратко повествует также о периоде его увлечения освободительной борьбой. Наполеоновские войны он поначалу принял с воодушевлением, однако впоследствии, когда Бонапарт провозгласил себя императором, отказался от мысли писать в его честь симфонию. В 1796 году Людвиг стал терять слух. Однако это не прервало его творческую деятельность. Уже будучи совершенно глухим, он написал свою знаменитую 9 симфонию, которая стала настоящим шедевром в мировом музыкальном репертуаре. (кратко рассказать об этом невозможно) содержит также информацию о дружбе маэстро с выдающимися людьми своего времени. Несмотря на замкнутый и резкий характер, композитор дружил с Вебером, Гете и другими деятелями эпохи классицизма.
Наиболее известные произведения
Выше уже говорилось о том, что характерной особенностью творчества Л. В. Бетховена было стремление изобразить сильные, эмоциональные характеры, борьбу страстей, преодоление трудностей. Среди произведений такого жанра особо выделяют «Аппассионату», которая по накалу чувств и эмоций, пожалуй, является одной из самых сильных. Когда композитора спрашивали о замысле её создания, то он ссылался на пьесу Шекспира «Буря», которая, по его словам, и послужила источником вдохновения. Автор проводил параллель между мотивами титанических порывов в сочинении драматурга и своей музыкальной интерпретации данной темы.
Одна из самых популярных работ автора - это «Лунная соната», которая, напротив, проникнута чувством гармонии и умиротворения, как бы в противовес драматической мелодии его симфоний. Показателен тот факт, что само название данному произведению дали современники композитора, возможно, потому, что музыка напоминала морские переливы тихой ночью. Именно такие ассоциации возникали у большинства слушателей при прослушивании данной сонаты. Не меньшей, а может, даже и бо́льшей популярностью пользуется знаменитое сочинение «К Элизе», которое композитор посвятил жене русского императора Александра I Елизавете Алексеевне (Луизе). Данное сочинение поражает удивительным сочетание легких мотивов и серьезных драматических пассажей в середине. Особое место в творчестве маэстро занимает его единственная опера «Фиделио» (переводится как «Верный» с итальянского языка). Это произведение, как и многие другие, проникнуто пафосом свободолюбия и призывом к свободе. «Фиделио» до сих пор не сходит со сцен ведущих хотя признание опера получила, как это почти всегда бывает, не сразу.
Девятая симфония
Это сочинение является, пожалуй, самым известным среди остальных работ композитора. Оно было написано за три года до его смерти, в 1824 году. Девятая симфония завершает долгие и многолетние поиски композитора в создании совершенного симфонического произведения. Она отличается от всех предыдущих тем, что, во-первых, в ней введена хоровая часть (на знаменитую «Оду радости» Ф. Шиллера), а во-вторых, в ней композитор реформировал структуру симфонического жанра. Главная тема постепенно раскрывается через каждую часть произведения. Начало симфонии довольно мрачное, тяжелое, однако уже тогда звучит отдаленный мотив примирения и просветления, который нарастает по мере развития музыкальной композиции. Наконец, в самом финале звучит довольно мощный хоровой вокал, призывающий всех людей мира объединиться. Таким образом композитор еще больше подчеркнул главную идею своего произведения. Он хотел, чтобы его мысль была выражена как можно более отчетливо, поэтому не ограничился только музыкой, но ввел и исполнение певцов. Симфония имела оглушительный успех: на первом представлении публика устроила композитору овации. Показателен тот факт, что Л. В. Бетховен сочинил ее, будучи уже совершенно глухим человеком.
Значение венской школы
Глюк, Гайдн, Моцарт, Бетховен стали основоположниками классической музыки, оказав огромное влияние на всю последующую музыкальную историю не только Европы, но и мира. Значение этих композиторов и их вклад в реформирование музыкального театра трудно переоценить. Работая в самых различных жанрах, они создали костяк и форму произведений, на основе которых их последователи сочиняли новые произведения. Многие их творения давно вышли за рамки концертных исполнений и получили широкое звучание в кинофильмах, на телевидении. «Турецкое рондо», «Лунная соната» и многие другие сочинения данных авторов известны не только меломанам, но даже и тем, кто не знаком близко с классической музыкой. Венский этап развития классики многие исследователи совершенно справедливо называют определяющим в истории музыки, поскольку именно в этот период были заложены основные приниципы создания и написания опер, симфоний, сонат и квартетов.
Бетховену посчастливилось родиться в эпоху, которая как нельзя лучше соответствовала его натуре. Это эпоха, богатая великими общественными событиями, главное из которых - революционный переворот во Франции. Великая французская революция, ее идеалы оказали на композитора сильнейшее воздействие - и на его мировоззрение, и на творчество. Именно революция дала Бетховену основной материал для постижения «диалектики жизни».
Идея героической борьбы стала важнейшей идеей бетховенского творчества, хотя далеко не единственной. Действенность, активное стремление к лучшему будущему, герой в единстве с массами - вот что выдвигается композитором на первый план. Идея гражданственности, образ главного героя - борца за республиканские идеалы роднят творчество Бетховена с искусством революционного классицизма (с героическими полотнами Давида, операми Керубини, революционной маршевой песней). «Наше время нуждается в людях, мощным духом» - говорил композитор. Показательно, что свою единственную оперу он посвятил не остроумной Сюзане, а мужественной Леоноре.
Однако не только общественные события, но и личная жизнь композитора способствовала тому, что героическая тематика выдвинулась на первое место в его творчестве. Природа одарила Бетховена пытливым, деятельным умом философа. Его интересы всегда были необычайно широкими, они распространялись на политику, литературу, религию, философию, естественные науки. Поистине необъятному творческому потенциалу противостоял страшный недуг - глухота, способная, казалось бы, навсегда закрыть путь к музыке. Бетховен нашел в себе силы пойти против судьбы, и идеи Сопротивления, Преодоления стали главным смыслом его жизни. Именно они «выковали» героический характер. И в каждой строчке бетховенской музыки мы узнаем ее творца - его мужественный темперамент, несгибаемую волю, непримиримость к злу. Густав Малер сформулировал эту мысль следующим образом: «Слова, будто бы сказанные Бетховеном о первой теме Пятой симфонии - «Так судьба стучится в дверь»… для меня далеко не исчерпывают ее огромного содержания. Скорее, он мог бы сказать о ней: «Это Я».
Периодизация творческой биографии Бетховена
- I - 1782-1792 - Боннский период. Начало творческого пути.
- II - 1792-1802 - Ранний венский период.
- III - 1802-1812 - Центральный период. Время творческого расцвета.
- IV - 1812-1815 - Переходные годы.
- V - 1816-1827 - Поздний период.
Детство и юные годы Бетховена
Детство и юные годы Бетховена (до осени 1792 года) связаны с Бонном, где он родился в декабре 1770 года. Его отец и дед были музыкантами. Близкий к французской границе, Бонн в XVIII веке был одним из центров немецкого просветительства. В 1789 году здесь открыли университет, среди учебных документов которого позднее была найдена зачетная книжка Бетховена.
В раннем детстве профессиональное воспитание Бетховена было доверено часто менявшимся, «случайным» учителям - знакомым отца, которые давали ему уроки игры на органе, клавесине, флейте, скрипке. Обнаружив редкий музыкальный талант сына, отец хотел сделать из него вундеркинда, «второго Моцарта» - источник больших и постоянных доходов. С этой целью и он сам, и приглашенные им друзья по капелле, занялись технической тренировкой маленького Бетховена. Его заставляли упражняться за фортепиано даже по ночам; однако первые публичные выступления юного музыканта (в 1778 году были организованы концерты в Кёльне) не оправдали коммерческих планов его отца.
Вундеркиндом Людвиг ван Бетховен не стал, однако довольно рано обнаружил композиторское дарование. Большое воздействие на него оказал Христиан Готлиб Нефе , с 11-летнего возраста обучавший его композиции и игре на органе, - человек передовых эстетических и политических убеждений. Будучи одним из самых образованных музыкантов своей эпохи, Нефе познакомил Бетховена с творениями Баха и Генделя, просвещал в вопросах истории, философии, а главное - воспитывал в духе глубокого уважения к родной немецкой культуре. Кроме того, Нефе стал первым издателем 12-летнего композитора, опубликовав одно из ранних его произведений - фортепианные вариации на тему марша Дресслера (1782г.). Эти вариации стали первым сохранившимся произведением Бетховена. В следующем году были закончены три фортепианные сонаты.
К этому времени Бетховен уже стал работать в оркестре театра и занимал должность помощника органиста в придворной капелле, а чуть позже еще и подрабатывал уроками музыки в аристократических семействах (из-за бедности семьи он был вынужден очень рано поступить на службу). Поэтому он не получил систематического образования: школу посещал лишь до 11 лет, всю жизнь писал с ошибками и так и не постиг тайны умножения. Тем не менее, благодаря собственному упорству Бетховен сумел стать образованным человеком: самостоятельно овладел латынью, французским и итальянским языком, постоянно много читал.
Мечтая учиться у Моцарта, в 1787 году Бетховен побывал в Вене и познакомился со своим кумиром. Моцарт, прослушав импровизацию юноши, сказал: «Обратите на него внимание; он когда-нибудь заставит мир говорить о себе». Стать учеником Моцарта Бетховену не удалось: из-за смертельной болезни матери он был вынужден срочно вернуться обратно в Бонн. Там он обрел моральную поддержку в просвещенной семье Брейнингов.
Идеи Французской революции были с энтузиазмом встречены боннскими друзьями Бетховена и оказали сильное влияние на формирование его демократических убеждений.
Композиторское дарование Бетховена развивалось не столь стремительно, как феноменальный талант Моцарта. Сочинял Бетховен довольно медленно. За 10 лет первого - боннского периода (1782-1792) было написано 50 произведений, в том числе 2 кантаты, несколько фортепианных сонат (называемых ныне сонатинами), 3 фортепианных квартета, 2 трио. Большую часть боннского творчества составляют также вариации и песни, предназначенные для любительского музицирования. Среди них - всем знакомая песня «Сурок».
Ранний венский период (1792-1802)
Несмотря на свежесть и яркость юношеских сочинений, Бетховен понимал, что ему необходимо серьезно учиться. В ноябре 1792 года он окончательно покинул Бонн и переехал в Вену - крупнейший музыкальный центр Европы. Здесь он занимался контрапунктом и композицией у И. Гайдна, И. Шенка, И. Альбрехтсбергера и А. Сальери . Одновременно Бетховен начал выступать как пианист и вскоре завоевал славу непревзойденного импровизатора и ярчайшего виртуоза.
Молодому виртуозу оказывали покровительство многие знатные любители музыки - К. Лихновский, Ф. Лобковиц, русский посол А. Разумовский и другие, в их салонах впервые звучали бетховенские сонаты, трио, квартеты, а впоследствии даже симфонии. Их имена можно обнаружить в посвящениях многих произведений композитора. Однако манера Бетховена держаться со своими покровителями была почти неслыханной для того времени. Гордый и независимый, он никому не прощал попыток унизить его человеческое достоинство. Известны легендарные слова, брошенные композитором оскорбившему его меценату: «Князей было и будет тысячи, Бетховен же только один». Не любивший преподавать, Бетховен все же был учителем К. Черни и Ф. Риса по фортепиано (оба они завоевали впоследствии европейскую славу) и эрцгерцога Австрии Рудольфа по композиции.
В первое венское десятилетие Бетховен писал преимущественно фортепианную и камерную музыку: 3 фортепианных концерта и 2 десятка фортепианных сонат, 9 (из 10) скрипичных сонат (в т. ч. № 9 - «Крейцерова»), 2 виолончельные сонаты, 6 струнных квартетов , ряд ансамблей для различных инструментов, балет «Творения Прометея».
С началом XIX века началось и симфоническое творчество Бетховена: в 1800 году он закончил свою Первую симфонию , а в 1802 - Вторую . В это же время была написана его единственная оратория «Христос на Масличной горе». Появившиеся в 1797 году первые признаки неизлечимой болезни - прогрессирующей глухоты и осознание безнадежности всех попыток лечения недуга привело Бетховена к душевному кризису 1802 года, который отразился в знаменитом документе - «Гейлигенштадтском завещании» . Выходом из кризиса стало творчество: «...Недоставало немногого, чтобы я покончил с собой», - писал композитор. - «Только оно, искусство, оно меня удержало».
Центральный период творчества (1802-1812)
1802-12 годы - время блестящего расцвета гения Бетховена. Глубоко выстраданные им идеи преодоления страдания силой духа и победы света над мраком после ожесточенной борьбы оказались созвучными идеям Французской революции. Эти идеи воплотились в 3-й («Героической») и Пятой симфониях, в опере «Фиделио», в музыке к трагедии И. В. Гете «Эгмонт», в Сонате - № 23 («Аппассионате»).
Всего композитором в эти годы было создано:
шесть симфоний (с № 3 по № 8), квартеты №№ 7-11 и другие камерные ансамбли, опера «Фиделио», 4 и 5 фортепианные концерты, Скрипичный концерт, а также Тройной концерт для скрипки, виолончели и фортепиано с оркестром.
Переходные годы (1812-1815)
1812-15 годы - переломные в политической и духовной жизни Европы. За периодом наполеоновских войн и подъемом освободительного движения последовал Венский конгресс (1814-15), после которого во внутренней и внешней политике европейских стран усилились реакционно-монархические тенденции. Стиль героического классицизма уступил место романтизму, который стал ведущим направлением в литературе и успел заявить о себе в музыке (Ф. Шуберт). Бетховен отдал дань победному ликованию, создав эффектную симфоническую фантазию «Битва при Виттории» и кантату «Счастливое мгновение», премьеры которых были приурочены к Венскому конгрессу и принесли Бетховену неслыханный успех. Однако в других сочинениях 1813-17 годов отразились настойчивые и порой мучительные поиски новых путей. В это время были написаны виолончельные (№ 4, 5) и фортепианные (№ 27, 28) сонаты, несколько десятков обработок песен разных народов для голоса с ансамблем, первый в истории жанра вокальный цикл «К далекой возлюбленной» (1815). Стиль этих сочинений - экспериментальный, со множеством гениальных находок, однако не всегда столь же цельный, как в период «революционного классицизма».
Поздний период (1816-1827)
Последнее десятилетие жизни Бетховена было омрачено как общей гнетущей политической и духовной атмосферой в меттерниховской Австрии, так и личными невзгодами и потрясениями. Глухота композитора стала полной; с 1818 года он был вынужден пользоваться «разговорными тетрадями», в которых собеседники писали обращенные к нему вопросы. Потеряв надежду на личное счастье (имя «бессмертной возлюбленной», к которой обращено прощальное письмо Бетховена от 6-7 июля 1812 г., остается неизвестным; одни исследователи считают ею Ж. Брунсвик-Дейм, другие - А. Брентано), Бетховен принял на себя заботы по воспитанию племянника Карла, сына умершего в 1815 г. младшего брата. Это привело к долголетней (1815-20) судебной тяжбе с матерью мальчика о правах на единоличное опекунство. Способный, но легкомысленный племянник доставлял Бетховену много огорчений.
К позднему периоду относятся , 5 последних квартетов (№№ 12-16), «33 вариации на вальс Диабелли», фортепианные Багатели ор. 126, две сонаты для виолончели ор.102, фуга для струнного квартета, Все эти сочинения качественно отличаются от всего предыдущего. Это позволяет говорить о стиле позднего Бетховена, имеющем явное сходство со стилем композиторов-романтиков. Центральная для Бетховена идея борьбы света и мрака обретает в позднем творчестве подчеркнуто философское звучание . Победа над страданием дается уже не через героическое действие, а через движение духа и мысли.
В 1823 г. Бетховен закончил «Торжественную мессу », которую сам считал своим величайшим произведением. «Торжественная месса» впервые была исполнена 7 апреля 1824 г. в Петербурге. Месяцем позже в Вене состоялся последний бенефисный концерт Бетховена, в котором, помимо частей из мессы, прозвучала его итоговая, Девятая симфония с заключительным хором на слова «Оды к радости» Ф. Шиллера. Девятая симфония с ее финальным призывом - «Обнимитесь, миллионы»! - стала идейным завещанием композитора человечеству и оказала сильнейшее воздействие на симфонизм XIX и XX вв.
О традициях
О Бетховене обычно говорят как о композиторе, который, с одной стороны, завершает классицистскую эпоху в музыке, с другой - открывает дорогу романтизму. В целом это верно, однако его музыка не совпадает полностью с требованиями ни того, ни другого стиля. Композитор настолько универсален, что никакие стилистические признаки не охватывают всю полноту его творческого облика. Иногда в один и тот же год он создавал произведения, столь контрастные между собой, что распознать черты общности между ними чрезвычайно сложно (например, 5 и 6 симфонии, которые впервые прозвучали в одном концерте 1808 года). Если же сопоставить произведения, созданные в разные периоды, например, в ранний и зрелый, или зрелый и поздний, то они порой воспринимаются как творения разных художественных эпох.
Вместе с тем, музыка Бетховена, при всей ее новизне, неразрывно связана с предшествующей немецкой культурой. В ней бесспорно влияние философской лирики И.С.Баха, торжественно-героических образов генделевских ораторий, опер Глюка, произведений Гайдна и Моцарта. В формирование бетховенского стиля внесло свой вклад и музыкальное искусство других стран, в первую очередь Франции, ее массовых революционных жанров, столь далеких от галантно-чувствительного стиля XVIII века. Типичные для него орнаментальные украшения, задержания, мягкие окончания уходят в прошлое. Многие фанфарно-маршевые темы бетховенских сочинений близки песням и гимнам Французской революции. Они ярко иллюстрируют строгую, благородную простоту музыки композитора, любившего повторять: «Всегда проще».
Рябчинская Инга Борисовна
Должность:
преподаватель по классу фортепиано, концертмейстер
Учебное заведение: МБУ ДО ДМШ имени Д.Д. Шостаковича
Населённый пункт: город Волгодонск, Ростовская область
Наименование материала: методическая разработка
Тема: "Исторические эпохи. Музыкальные стили" (классицизм, романтизм)
Дата публикации: 16.09.2015
Текстовая часть публикации
Муниципальное бюджетное учреждение
дополнительного образования
Детская музыкальная школа имени Д. Д. Шостаковича
г. Волгодонск
Методическая разработка по теме:
« Исторические эпохи.
Музыкальные стили »
классицизм, романтизм
)
Разработку выполнила Инга Борисовна Рябчинская
преподаватель I категории
концертмейстер высшей категории
Стиль и эпоха - два взаимосвязанных понятия. Каждый стиль
неразрывно связан с той историко - культурной атмосферой, в которой он
формировался. Важнейшие стилевые направления появлялись,
существовали и исчезали в исторической последовательности. В каждом
из них ярко проявлялись общие художественно - образные принципы,
средства выразительности, творческие методы.
КЛАССИЦИЗМ
Слова «классика», «классицизм», «классический» происходят от
латинского корня - classicus, то есть образцовый. Называя художника,
писателя, поэта, композитора классиком, мы подразумеваем, что он
достиг в искусстве высшего мастерства, совершенства. Его творчество
высокопрофессиональное и является для нас
образцом.
В формировании и развитии классицизма отмечают два исторических
этапа.
Первый этап
относится к XVII веку.
Выросший из искусства
Возрождения классицизм XVII в. развивался одновременно с
барокко,
отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с ним, и в этот период
наибольшее развитие получил во Франции. Для классиков этого периода
непревзойденными образцами художественного творчества были
произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок,
разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты и
истины, ясности, стройности, законченности построения.
Второй этап
- поздний классицизм, с середины XVIII до начала XIX
века, ассоциируется прежде всего с
венской классической школой
. В
историю европейской культуры он вошел как
эпоха Просвещения
или
Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в
способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая
на героические поступки, подчиняя свои интересы - общим, душевные
классицизм
классицизм
ясные
гармонии
ясные
гармонии
строгие
формы
строгие
формы
уравновешенные
чувства
уравновешенные
чувства
Порывы - голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество,
правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла
отражение во всех видах искусства.
Архитектуре
этого периода свойственна упорядоченность,
функциональность, соразмерность частей, тяготение к уравновешенности
и симметрии, ясность замыслов и построений, строгая организованность.
С этой точки зрения символом классицизма служит геометрическая
планировка королевского парка в Версале, где деревья, кустарники,
скульптуры и фонтаны располагались по законам симметрии. Эталоном
русской строгой классики стал Таврический дворец, возведенный И.
Старовым.
В живописи
главное значение приобрели логическое
развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая
передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета,
использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Давид).
В поэтическом искусстве
произошло деление на « высокие »
(трагедия, ода, эпопея) и « низкие » (комедия, басня, сатира) жанры.
Выдающиеся представители французской литературы П. Корнель, Ф.
Расин, Ж. Б. Мольер оказали большое влияние на формирование
классицизма в других странах. Важным моментом этого периода было
создание различных академий: наук, живописи, скульптуры, архитектуры,
надписей, музыки и танца.
Музыкальный стиль классицизма
Классицизм в музыке отличался от классицизма в смежных видах
искусств и сформировался в 1730 - 1820 гг.
В различных национальных
культурах музыкальные стили получали распространение в разное время;
бесспорным является то, что в середине XVIII века классицизм
восторжествовал практически повсеместно.
Содержание музыкальных
сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются
жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали
очень стройную и логическую систему правил построения произведения.
В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие
жанры как опера, симфония, соната.
Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его
творческой программой были три великих принципа - простота, правда,
естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не
сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные
эффекты, дает поэзии большую выразительную силу, а музыка
полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «
Орфей и Эвридика » была первым произведением, в котором Глюк
осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость,
соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство
художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность
форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую
оперную композицию.
Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII
века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей.
Многонациональность страны сказалась и на художественной
культуре.
Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна,
Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали
в Вене и образовали направление в музыкальной культуре - венскую
классическую школу.
Основоположники венского классицизма в
музыке
В. Моцарт
Й. Гайдн Л.
Бетховен
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и
гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к
сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей,
разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период
окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и
противопоставлении двух контрастных тем, определился классический
состав частей сонаты и симфонии.
венский
классицизм
венский
классицизм
Сонатная форма
Соната - (от итал.
sonare - звучать) - одна из форм камерной
инструментальной музыки, имеющая несколько частей.
Сонатина - (итал.
sonatina - уменьшительное от
sonata) - небольшая соната, более лаконичная
по размеру, значительно проще по содержанию и легче технически.
К инструментам, для которых первоначально сочиняли сонаты,
причисляют скрипку, флейту, клавир - общее название всех клавишных
инструментов - клавесина, клавикорда, фортепиано. Жанр клавирной
(фортепианной) сонаты достиг наибольшего расцвета в эпоху
классицизма. В это время было популярно домашнее музицирование.
Наибольшей напряжённостью и остротой отличается первая часть сонаты,
изложенная в сонатной форме.
Первая часть (сонатное allegro) складывается из трёх разделов:
Первый раздел сонатного
allegro включает в себя главную и
побочную, связующую и заключительную партии:
реприза
разработка
экспозиция
Второй раздел сонатного allegro - разработка
Третий раздел сонатного allegro - реприза:
экспозиция
главная
партия
Основная
тональность
побочная
партия
Тональность
доминанты
разработка
разработка
противопоставление
партий
противопоставление
партий
видоизменение
партий
видоизменение
партий
« переплетение »
партий
« переплетение »
партий
Возможный раздел сонатного allegro - кода:
Вторая часть
сонатной формы - медленная. Музыка передаёт
неторопливое течение мысли, воспевает красоту чувств, рисует
изысканный пейзаж.
Третья часть
сонаты (финал). Финалы сонат исполняются обычно в
быстром темпе и имеют танцевальный характер, например, менуэта.
Часто финалы классических сонат пишутся в форме
рондо
(от
итал.
rondo - круг). Повторяющаяся часть -
А
-
рефрен
(основная тема),
B, С, D
- контрастные
эпизоды
.
реприза
главная
партия
Основная
тональность
побочная
партия
Основная
тональность
связующая
партия
заключительная
партия
кода
кода
закрепляется тональность
закрепляется тональность
снимаются контрасты
снимаются контрасты
звучат основные темы
звучат основные темы
« Гайдн, чье имя так ярко сверкает в храме гармонии…»
Йозеф Гайдн - основоположник венского классицизма - направления,
пришедшего на смену барокко. Жизнь его еще будет проходить
преимущественно при дворе светских правителей, а в творчестве
сформируются новые принципы музыки, возникнут новые жанры. Все это
сохраняет свое значение и в наше время...
Гайдна называют основателем классической инструментальной
музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и
отцом симфонии. Он установил законы классической симфонии: придал
ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения,
который сохранился в основных чертах до наших дней.
Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть
идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно.
Вторая часть - медленная. Ее музыка передает лирическое настроение
человека. Третья часть - менуэт - один из любимых танцев эпохи
Гайдна. Четвертая часть - финал. Это
итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано,
прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно
устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В
классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить
очень глубокое содержание.
В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной
сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая
и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном
мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого
юмора.
Предки его были крестьянами и рабочими, чьи жизнелюбие, упорство
и оптимизм и унаследовал классик. «Мой покойный отец был по
профессии каретником, подданным графа Гарраха, и от природы горячим
любителем музыки».
Гайдн уже ребенком обнаружил интерес к музыке. Заметив талант
сына, родители отдали его учиться в другой город - там мальчик жил на
попечении своего родственника. Затем Гайдн переехал в еще один город,
где пел в хоре. Фактически, с 6 лет Йозеф Гайдн вел самостоятельную
жизнь. Можно сказать, что он был самоучкой, так как для
систематических занятий с известными учителями не хватало ни денег,
ни связей. По степени взросления голос огрубел и совсем юный Гайдн
оказался на улице без крыши над головой. На пропитание он себе
зарабатывал уроками, которые уже давал сам.
Продолжается самообучение: Гайдн внимательно изучает музыку К.Ф.Э.
Баха (сына И. С. Баха), вслушивается в песни, звучащие с улиц (в том
числе и славянские мелодии), и Гайдн начиняет сочинять. Его замечают.
В Европе вельможи стремились перещеголять друг друга, нанимая
лучших музыкантов. Годы, которые молодой Гайдн провел как свободный
художник, были плодотворными, но все же это была тяжелая жизнь. Уже
женатый Гайдн (брак все описывают как крайне неудачный) принимает
приглашение князя Эстергази. Фактически при дворе Эстергази Гайдн
прослужит 30 лет. В обязанности его входит написание музыки и
руководство княжеским оркестром. Князь Эстергази (или Эстерхази) был,
по общему мнению, приличным человеком и большим любителем музыки.
Гайдн мог заниматься любимым делом. Музыка писалась по заказу -
никакой «свободы творчества», но в то время это было обычно
практикой. К тому же у заказа есть немалое преимущество: заказанную
музыку непременно и тут
же исполняли. « В стол » ничего не писалось.
Из первого официального договора между князем Эстерхази и
вице - капельмейстером Йозефом Гайдном:
« По первому приказанию его светлости, великого князя, вице -
капельмейстер (Гайдн) обязуется сочинять любую музыку, какую
пожелает его светлость,
никому не показывать новых композиций, а тем более не разрешать
никому их
списывать, а хранить их единственно для его светлости и без ведома и
милостливого разрешения его ни для кого ничего не сочинять. Йозеф
Гайдн обязан ежедневно (будь то в Вене или в любом из княжеских
поместий) до и после обеда появляться в передней и докладывать о себе на
случай, ежели его светлость соизволит отдать распоряжение об исполнении
или сочинении музыки. Дожидаться, а получив приказ, довести его до
сведения остальных музыкантов. Пребывая в такой уверенности,
светлейший господин жалует ему, вице капельмейстеру, ежегодное
содержание в 400 рейнских гульденов, которые он будет получать
поквартально в главном казначействе. Сверх того, ему, Йозефу Гайдну,
положено за господский счет получать кошт с офицерского стола либо
полгульдена в день столовых денег. (В дальнейшем жалование неоднократно
повышалось).
Гайдн считал тридцатилетнюю службу у князей Эстергази хорошей
порой своей жизни. Впрочем, он всегда был оптимистом. К тому же,
Йозеф Гайдн имел все возможности сочинять, и писал он всегда быстро
и много. Именно во время службы при дворе князей Эстергази к
Гайдну приходит слава. Взаимоотношения Эстергази и Гайдна прекрасно
иллюстрирует известный случай с «Прощальной симфонией». Оркестранты
обратились к Гайдну с просьбой воздействовать на князя: квартиры для
них оказались слишком маленькими, чтобы перевезти семьи. Музыканты
соскучились по родным. Гайдн воздействовал музыкой: написал
симфонию, в которой на одну часть больше. И когда звучит эта часть,
музыканты постепенно уходят. Остаются два скрипача, но и они гасят
свечи и уходят. Князь намек понял и выполнил «требования»
музыкантов.
В 1790 году умирает князь Эстергази - Миклош Великолепный.
Новый князь - Антон - к музыке был не расположен. Нет, полковых
музыкантов Антон оставил, а вот оркестр распустил. Гайдн остался не у
дел, хоть и с большой пенсией, которую ему назначил Миклош. А
творческих сил еще было очень много. Так Гайдн опять стал свободным
художником. И он отправится в Англию по приглашению. Гайдну скоро уже
60 лет, он не знает языков! Но он уезжает в Англию. И опять - триумф!
« Мой язык прекрасно понимают во всем мире », говорил сам о себе
копозитор.
В Англии у Гайдна был не только ошеломительный успех. Оттуда
он привез еще 12 симфоний и оратории. Гайдн стал свидетелем своей
славы - а это большая редкость. Основатель венского классицизма оставил
огромное количество сочинений, и это жизнеутверждающая,
уравновешенная музыка. Оратория «Сотворение мира» - одно из самых
известных произведений Гайдна.
Это монументальная музыкальная живопись, созерцание мироздания,
если можно так выразиться… Симфоний у Гайдна - более 100. « Детской
радостью души» назвал их Гофман. Большое количество сонат,
концертов, квартетов, оперы… Йозеф Гайдн является автором
национального гимна Германии.
Вольфганг Амадей Моцарт
27 января 1756 г. - 5 декабря 1791 г.
Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование
симфонического и камерного стиля Вольфганга Моцарта. Опираясь на
его достижения в области сонатно - симфонической музыки Моцарт внес
много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не
знает личности более поразительной, чем он.
Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие
данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его
первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым
популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены.
Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два
столетия пользуются успехом « Свадьба Фигаро » (опера -
буффа, но
реалистичная и с элементами лирики)
и « Дон Жуан » (опера
определяется как « веселая драма » - это и комедия, и трагедия с очень
сильными и сложными образами), поражающие обаятельно изящной
мелодией, простотой, роскошной гармонией. А « Волшебная флейта »
(опера - зингшпиль, но одновременно философская сказка о борьбе добра
и зла) вошла в историю музыки как « лебединая песня » Моцарта, как
произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его
мировоззрение, его заветные мысли. Искусство Моцарта совершенное по
мастерству и абсолютно естественное. Он подарил нам мудрость,
радость, свет и добро.
Иоганн Хризостом Вольфганг Теофиль Моцарт родился 27 января
1756 года в Зальцбурге. Амадей - латинский аналог греческого имени
Теофил(ь) - « любимец бога ». Под двумя именами обычно и называют
Моцарта. Вольфганг Амадей - ребенок - вундеркинд. Отец Моцарта -
Леопольд Моцарт - сам был известным музыкантом - педагогом и
довольно плодовитым композитором. В семье родилось 7 детей, выжило
двое: Наннерлъ - старшая сестра Моцарта, и сам Вольфганг. Обоих детей
Леопольд начал обучать с самого раннего детства, с ними и ездил на
гастроли. Это был настоящий период странствий. Турне было
несколько, в
общей сложности они продлились более 10 лет (с перерывами на
возвращение домой или на детские болезни). Отец не только показывал
детей Европе, в том числе монархам. Он искал связей, которые
позволили бы повзрослевшему сыну устроиться с будущей работой в
соответствии со своим ярким талантом.
Моцарт начал сочинять в самом раннем детстве, причем его ранняя
музыка исполняется почти столь же часто, как и зрелая. К тому же, в
путешествиях отец нанимал для сына лучших учителей Европы (в
Англии это был младший сын И. С. Баха - « Лондонский Бах », в Италии
- знаменитый падре Мартини, у которого учился, кстати, и один из
основателей профессиональной композиторской школы в России Максим
Березовский). В той же Италии совсем юный Моцарт совершил «
страшный грех », вошедший во все биографии: в Сикстинской
капелле, один раз услышав, полностью запомнил и записал охраняемое
Ватиканом произведение « Мизерере » Аллегри. « И здесь Вольфганг
выдержал знаменитый « экзамен » на тонкость слуха и точность памяти.
По памяти он записал услышанное им знаменитое « Miserere » Грегорио
Аллегри. Это произведение повсюду считалось венцом своего жанра и
вершиной папской музыки для страстной пятницы. Не удивительно, что
капелла тщательно заботилась о том, чтобы уберечь это сочинение от
незваных переписчиков. То, что удалось сделать Вольфгангу,
естественно, произвело большую сенсацию. Отец сумел успокоить мать
и сестру в Зальцбурге, опасавшихся, что, записав « Miserere »,
Вольфганг согрешил и может попасть в неприятное положение».
Моцарт не только университетов не кончал, он и в школе не учился.
Его общим образованием также занимался отец (математика, языки). А
вот взрослели тогда рано, причем во всех слоях общества. Времени на
подростковую субкультуру не было. Дети, конечно, сильно уставали.
Наконец, они взрослели, а это означает, что переставали быть
вундеркиндами, что публика теряла к ним интерес. Фактически Моцарту
пришлось « завоевывать » публику снова, уже будучи взрослым
музыкантом.
В 1773 году молодой Моцарт стал работать у архиепископа
Зальцбурга. Он имел возможность продолжать разъезжать и, конечно же,
много работать. При следующем архиепископе Моцарт оставил
придворный пост и стал свободным художником. После детства,
состоящего из сплошных европейских гастролей и службы у
архиепископа, Моцарт переезжает в Вену. Он продолжает периодически
выезжать в другие европейские города, но австрийская столица станет
его постоянным домом.
« Моцарт первым из крупнейших музыкантов остался свободным
художником и был первым в истории композитором - представителем
артистической богемы. Конечно, работа на свободный рынок означала
нищету ». Жизнь « на вольных хлебах » совсем не так проста и
радужна, как может показаться. В музыке зрелого Моцарта чувствуется
трагедия его гениальной судьбы, сквозь блеск и красоту музыки
высвечивается грусть и понимание, экспрессия, страсть и драматизм.
Вольфганг Моцарт оставил за свою короткую жизнь более 600
произведений. Нужно понимать, что речь идет о масштабных
произведениях: операх, концертах, симфониях.
Моцарт - композитор универсальный. Он писал и инструментальную
музыку, и вокальную, то есть во всех существующих в его время
жанрах и формах. В дальнейшем такой универсализм станет редким
явлением. Но Моцарт универсален не только поэтому: « Его музыка
вмещает в себя огромный мир: в ней есть небо и земля, природа и
человек, комедия и трагедия, страсть во всех её формах и глубокое
внутреннее спокойствие » (К. Барт). Достаточно вспомнить некоторые его
произведения: оперы, симфонии, концерты, сонаты.
Фортепианные сочинения Моцарта были теснейшим образом связаны с
его педагогической и исполнительской практикой. Он был величайшим
пианистом своего времени. В XVIII в. были, конечно, музыканты, не
уступавшие Моцарту в виртуозности (в этом плане его главным
соперником был Муцио Клементи), однако никто не мог сравниться с
ним в глубокой осмысленности исполнения.
Жизнь Моцарта пришлась на тот период, когда в музыкальной жизни
были распространены одновременно и клавесин, и клавикорд, и пиано -
форте (так называлось раньше фортепиано). И если по отношению к
раннему творчеству Моцарта принято говорить о клавирном стиле, то с
конца 1770-х годов композитор писал, несомненно, для фортепиано. Его
новаторство ярче всего проявилось в клавирных сочинениях патетического
плана.
Моцарт
- один из величайших мелодистов. Его музыка сочетает
черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью
итальянской песни. Несмотря на то, что его произведения отличаются
поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии с
большим драматическим пафосом и контрастными элементами.
Камерно - инструментальное творчество Моцарта представлено
разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями
для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Фортепианная манера
Моцарта отличается элегантностью, ясностью, тщательной отделкой
мелодии и аккомпанемента. В. Моцартом написано
27 концертов для фортепиано с оркестром, 19 сонат, 15 вариационных
циклов, 4 фантазии (две в c-moll, одна в C-dur, объединенная с фугой, и еще
одна в d-moll). Наряду с крупномасштабными циклами, в творчестве Моцарта
имеется немало небольших пьес, которым сам он не всегда придавал должное
значение. Это отдельные менуэты, рондо, Adagio, фуги.
Опера была общественно значимым искусством. К XVIII веку кроме
придворных оперных театров уже существовали общедоступные оперные
театры двух видов: серьезная и комически - бытовая (сериа и буффа). А
вот в Германии и Австрии процветал зингшпиль.
Среди огромного количества произведений, созданных гением
Моцарта, оперы - любимые детища.
В его творчестве прослеживается
богатая галерея жизненных образов
опер - сериа, буффа и зингшпилей,
возвышенных и комических, нежных и озорных, умных и простоватых -
все они изображены естественно и психологически достоверно.
В музыке Вольфганга Амадея
Моцарта гармонично сочетаются культ
разума, идеал благородной простоты и культ сердца, идеал свободной
личности. Стиль Моцарта всегда считался олицетворением изящества,
лёгкости, живости ума и постине аристократической изысканности.
П. И. Чайковский писал: " Моцарт - есть высшая, кульминационная
точка, до которой красота достигала в сфере музыки... то, что мы
называем идеалом ".
Людвиг ван Бетховен
16 декабря 1770 г. - 26 марта 1827 г.
Людвиг ван Бетховен прославился как величайший симфонист. Его
искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи
эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой
личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических
увертюр (« Эгмонт », « Кориолан »), а тридцать две фортепианные
сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена
разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен
тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В его музыке
жизнь проявляется во всем ее разнообразии - бурные страсти и
отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая
исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма,
Людвиг ван Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.
Бетховен на полтора десятка лет моложе Моцарта. Но это уже качественно
другая музыка. Он относится к « классикам », но в своих зрелых
произведениях близок к романтизму. Стиль музыки Бетховена - переход
от классицизма к романтизму. Но для того, чтобы понять его
творчество, необходимо сначала окинуть взглядом панораму
общественной и музыкальной жизни того времени.
В конце
XVIII века зародилось и развивалось явление « Буря и
натиск » (Sturm und Drang) - период, когда ломались стандарты
классицизма в пользу большей эмоциональности и открытости. Это
явление захватило все сферы литературы и искусства, у него
даже есть интересное название:
контр - Просвещение. Крупнейшими представителями « Бури и натиска »
были Иоганн Вольфганг Гёте и Фридрих Шиллер, а сам этот период
предвосхитил появление романтизма.
Заряд энергии и накал чувств музыки Бетховена неразрывно связаны
с перечисленными явлениями в общественной жизни Западной Европы
того времени и с обстоятельствами личной жизни гения.
Людвиг ван Бетховен родился в Бонне. Семья была небогатой, по
происхождению - фламандцы, по роду деятельности - музыканты. Отец горел
желанием сделать из сына « второго Моцарта », но карьеры
концертирующего виртуоза - вундеркинда не получилось, зато была
постоянная « муштра » за инструментом. Уже в детстве Людвиг начинает
подрабатывать (школу пришлось бросить), а в 17 лет принимает на себя
ответственность за семью: работает на постоянном окладе и дает частные
уроки. Отец пристрастился к спиртному, мать рано умерла, в семье
оставались младшие братья.
Тем не менее Бетховен находит время и посещает вольнослушателем
Боннский университет. Вся университетская молодежь была тогда
охвачена революционным порывом, доносящимся из Франции. Молодой
гений восхищался идеалами Великой Французской революции. Он
даже посвятил свою Третью
« Героическую » симфонию Наполеону Бонапарту, правда, затем
посвящение вычеркнул, разочаровавшись в « земном воплощении
идеалов », вместо него указал: « Памяти великого человека ». « Никто так
не мелок, как большие люди »- знаменитые слова Бетховена.
Идеалы «
свободы, равенства, братства » навсегда остались идеалами Бетховена - а
это предполагало и большие разочарования в жизни.
Людвиг ван Бетховен досконально изучал и почитал творчество И. С.
Баха. В Вене он выступает перед Моцартом, который дает молодому
музыканту высокую оценку. Скоро Бетховен переезжает в Вену совсем,
впоследствии помогает перебраться туда и младшим братьям. С этим
городом будет связана вся его жизнь. В Вене он берет уроки по
специальным предметам, среди его учителей - Гайдн и Сальери (Сальери
посвящены три скрипичные сонаты Бетховена). Он выступает в салонах
венской аристократии, а потом и в собственных концертах, перед
широкой аудиторией. Пальцы его на клавиатуре окрестили « демоническими
». « Я хочу вцепиться судьбе в глотку, совсем пригнуть меня к земле ей,
безусловно, не удастся » (из писем Бетховена).
Уже в молодые годы Бетховен понял, что глохнет (« Вот уже два
года, как я тщательно избегаю всякого общества, потому что не могу
же я сказать людям: « Я глухой! » Это было бы еще возможно, будь у
меня какая - нибудь другая профессия, но при моем ремесле ничто не
может быть ужаснее » (из писем Бетховена). Периодические
вмешательства врачей излечения не приносили, глухота прогрессировала.
К концу жизни он уже не слышал ничего. Но оставался внутренний
слух - правда, услышать « воочию » услышанное внутри было уже
невозможно. А общение с людьми было крайне затруднено, с друзьями
практиковались записи в « разговорных » тетрадях. Всеслышащий
глухой - так его иногда называли. И он слышал главное: не только
музыку, а и идеи, чувства. Он слышал и понимал людей. « Эту
любовь, страданье, упорство воли, эти чередования уныния и гордости,
внутренние драмы - все это мы находим в великих творениях Бетховена
»… (Ромен Роллан).
Известны сердечные привязанности Бетховена:
юная графиня
Джульетта Гвиччарди. Но он так и остался одиноким. Кто была его «
бессмертная возлюбленная », письмо к которой было найдено после
смерти композитора, достоверно неизвестно. Но
некоторые исследователи
считают « бессмертной возлюбленной » Терезу Брунсвик, ученицу Л.
Бетховена. Она обладала музыкальной одарённостью
- прекрасно играла
на рояле, пела и даже дирижировала. Людвига ван Бетховена связывала с
Терезой длительная дружба.
К 1814 году к Бетховену приходит всемирная слава. Начинается
Венский конгресс - после победы над Наполеоном и вступлением войск
России, Австрии и Пруссии в Париж - и начинается знаменитый мирный
Венский конгресс с оперы Бетховена « Фиделио ». Бетховен становится
европейской знаменитостью. Он зван в императорский дворец на
празднество в честь именин российской императрицы, которой дарит
подарок: написанный им Полонез. Людвиг ван Бетховен много сочиняет.
32 фортепианных сонаты
Фортепианная соната была для Бетховена наиболее непосред
ственной
формой выражения волновавших его мыслей и чувств, его главных
художественных устремлений. Его влечение к этому жанру было особенно
устойчивым. Если симфонии появлялись у него как итог и обобщение
длительного периода исканий, то фортепианная соната непосредственно
отражала все многообразие творческих поисков. Бетховен как выдающийся
виртуоз на фортепиано даже импровизировал чаще всего в сонатной форме. В
пламенных, оригинальных, необуздан
ных импровизациях Бетховена
зарождались образы его будущих больших произведений. Каждая
бетховенская соната - завершенное художественное произведение; все
вместе они образуют подлинное сокровище классической мысли в
музыке.
Бетховен трактовал фортепианную сонату как всеобъемлющий жанр,
способный отразить все разнообразие музыкальных стилей современности. В
этом плане его можно сравнивать с Филиппом Эмануэлом Бахом (сын
И.С. Баха). Этот композитор, почти забытый в наше время, первый
придал клавирной сонате XVIII в. значение одного из ведущих видов
музыкального искусства, насыщая свои клавирные произведения
глубокими мыслями.
Бетховен первый пошел по пути Ф. Э. Баха, превзойдя, однако, своего
предшественника широтой, разнообразием и значительностью идей,
выраженных в фортепианных сонатах, их художест венным совершенством
и значимостью. Огромный диапазон обра
зов и настроений - от мягкой
пасторали до патетической торжест
венности, от лирического излияния до
революционного апофеоза, от высот философской мысли до народных
жанровых моментов, от трагедии до шутки - характеризуют тридцать две
фортепианные сонаты Бетховена, созданные им на протяжении четверти
столетия.
Путь от первой (1792 г.) до последней (1822 г.) бетховенской сонаты
знаменует целую эпоху в истории мировой фортепианной музыки.
Бетховен начал со скромного классицистского фортепианного стиля (еще
во многом связанного с искусством клавесинной игры) и закончил
музыкой для современного рояля, с его огромным звуковым диапа
зоном
и многочисленными новыми выразительными возможно
стями.
Называя свои последние сонаты
« произведением для молоточкового инструмента » (Hammerklavier),
композитор подчерки
вал их современную
пианистическую
выразительность. В 1822 году созданием Тридцать второй сонаты Бетховен
завершил свой долгий путь в этой области творчества.
Людвиг ван Бетховен много работал над проблемами фортепианной
виртуозности. В поисках своеобразного звукового образа он неустанно
вырабатывал свой оригинальный фортепианный стиль. Ощущение широкого
воздушного пространства, достигаемое сопоставлением далеких
регистров, массивные аккорды, уплотненная, насыщенная, многоплановая
фактура, темброво-инструментальные приемы, бо
гатое использование
эффектов педали (в частности, левой педа
ли) - таковы некоторые
характерные новаторские приемы бетховенского фортепианного стиля.
Начиная с первой сонаты Бетховен противопоставил камерности клавирной
музыки XVIII в. свои величественные звуковые фрески, написанные
смелыми, крупными мазками. Бетховенская соната стала походить на
симфонию для фортепиано.
Как минимум треть из 32 фортепианных сонат хорошо известна
даже людям, которые считают себя « не любителями ». Из них: «
Патетическая » соната № 8. Властное, гордое, трагическое начало - и
вздымающие валы музыки. Целая поэма из трех частей, каждая из
которых прекрасна. Радость, страдание, бунтарство и борьба - типичный
бетховенский круг образов, выраженный здесь и неистово, и с большим
благородством. Это великая музыка, как, впрочем, любая соната или
симфония Бетховена.
«Quasi una fantasia», так называемая « Лунная » соната № 14 ,
посвящённая
юной графине
Джульетте Гвиччарди,
которая была
ученицей Бетховена. Композитор увлёкся Джульеттой и даже думал о
женитьбе, но она предпочла другого.
Обычно слушатели
ограничиваются первой частью, не подозревая, какой там финал - «
вставший на дыбы водопад » - по образному выражению одного из
исследователей.
А есть еще « Аппассионата » (№ 23) , « Буря » (№ 17), « Аврора »
(№ 21)…
Фортепианные сонаты - одна из лучших, драгоценнейших частей
гениального наследия Бетховена. В длинной и волнующей веренице их
великолепных образов перед нами проходит вся жизнь великого таланта,
великого ума и великого сердца, не чуждого ничему человеческому, но
именно поэтому отдавшего все свои биения самым дорогим, самым
священным идеалам передового человечества.
Л. Бетховен продолжатель традиций Моцарта. Но его музыка приобретает
совершенно новые выражения: драматизм в музыке доходит до трагизма,
юмор - до иронии, а лирика становится откровением страдающей души,
философским размышлением о судьбе и мире. Фортепианная музыка
Бетховена - образец художественного вкуса. Современники часто сравнивали
эмоциональный настрой сонат Бетховена с патетикой трагедий
Шиллера.
Кроме 32 сонат для фортепиано, есть еще сонаты для скрипки. Одна
точно многим знакома хотя бы по названию - « Крейцерова соната » - соната
№ 9 для скрипки и фортепиано. А есть еще знаменитые струнные
квартеты Бетховена. Из них особой популярностью пользуются « Русские
квартеты ». В них действительно слышны русские мелодии (« Ах, талан, мой
талан », « Слава » - с этими песнями Бетховен специально знакомился по
сборнику Львова). Это не случайно: квартеты написаны по заказу
российского дипломата Андрея Разумовского, который долго жил в Вене,
был меценатом Бетховена. Разумовскому посвящены две симфонии
композитора.
Симфоний у Бетховена девять, из них большинство известны
публике. Напомню о Третьей (Героической) симфонии, Пятая симфония со
знаменитой Темой судьбы. Эти « удары судьбы » обрушиваются и
обрушиваются вновь, судьба все колотится в дверь. И борьба первой
частью не заканчивается. Результат виден только в финале, где тема
судьбы превращается в ликование радости победы.
Пасторальная (6 симфония) - само название предполагает воспевание
природы. Потрясающая 7-я симфония, наконец, самая известная,
эпохальная Девятая симфония, задумка о которой зрела у Бетховена
давно.
Бетховен тоже жил жизнью « свободного художника » (впрочем,
начиная с Моцарта, это стало нормой) со всеми ее тяготами и
неопределенностью. Несколько раз Бетховен порывался покинуть Вену,
тогда австрийская знать предлагала ему жалованье, только бы он не уезжал.
И Бетховен оставался в Вене. Здесь он и встретил свой главный триумф.
Из самой бездны скорби Бетховен задумал восславить Радость.
(Роллан). Бетховен уже сильно болел. Это не только наступившая
глухота,
у композитора развивается тяжёлое заболевание печени.
Денег
тоже не хватало, были проблемы и в личной жизни (воспитание
племянника). В этих условиях родилось то, что иногда трудно считать
человеческим творением. Обнимитесь, миллионы! (Бетховен. 9-я симфония,
финал). Ее еще называют Хоральной симфонией, благодаря тому, что в
финале там звучит ныне всем известный хор на слова Фридриха
Шиллера - « Ода к радости », которая периодически становилась
разными гимнами, сейчас это - Гимн Евросоюза.
Бетховен умер 26 марта
1827 г. В 2007 г.
венский патолог и эксперт
судебной медицины Кристиан Рейтер (доцент кафедры судебной медицины
Венского медицинского университета) предположил, что неумышленно
ускорил кончину Бетховена его врач Андреас Ваврух, который раз за разом
протыкал больному брюшину (чтобы вывести жидкость), после чего
накладывал на раны примочки, содержавшие свинец. Проведённые Рейтером
исследования волос показали, что уровень содержания свинца в организме
Бетховена резко возрастал каждый раз после визита врача.
Бетховен - педагог
Бетховен начал давать уроки музыки ещё в Бонне. Его боннский
ученик Стефан Брейнинг до конца дней оставался самым преданным
другом композитора. Брейнинг помог Бетховену в переделке либретто
« Фиделио ». В Вене ученицей Бетховена стала юная графиня Джульетта
Гвиччарди, в Венгрии, где гостил Бетховен в имении Брунсвик, у
него обучалась Тереза Брунсвик.
Ученицей Бетховена была и
Доротея Эртман, одна из лучших
пианисток Германии. Д. Эртман славилась исполнением бетховенских
произведений. Композитор посвятил ей сонату №
28. Узнав, что у
Доротеи умер ребёнок, Бетховен долго играл ей.
У Бетховена начал заниматься и
Карл Черни. Карл был, пожалуй,
единственным ребёнком среди бетховенских учеников. Ему исполнилось
только девять лет, но он уже выступал с концертами. Черни
прозанимался у Бетховена пять лет, после чего композитор выдал
ему документ, в котором отмечал
« исключительные успехи ученика и его достойную удивления
музыкальную память ». Память у Черни действительно была
поразительной: он знал наизусть все фортепианные сочинения учителя.
Черни рано начал педагогическую деятельность и вскоре стал одним
из лучших педагогов Вены. Среди его учеников был
Теодор
Лешетицкий, которого можно назвать одним из основателей русской
фортепианной школы. Лешетицкий, переехав в Россию в Санкт -
Петербург, в свою очередь являлся педагогом А. Н. Есиповой, В. И.
Сафонова, С. М. Майкапара.
У К. Черни учился полтора года Ференц Лист. Успехи его были столь
велики, что учитель разрешил ему выступать перед публикой. На
концерте присутствовал Бетховен. Он угадал одарённость мальчика и
поцеловал его. Лист всю жизнь хранил память об этом поцелуе. Не
Черни, а Лист унаследовал бетховенскую манеру игры. Подобно
Бетховену, Лист трактует рояль как оркестр. Во время гастролей по
Европе он пропагандировал творчество Бетховена, исполняя не только
его фортепианные произведения, но и симфонии, которые он
адаптировал для рояля. В те времена музыка Бетховена, особенно
симфоническая, была ещё неизвестна широкой аудитории. Именно
благодаря усилиям Ф. Листа памятник композитору Людвигу ван
Бетховену был поставлен в Бонне в 1839 г..
Бетховенскую музыку невозможно не узнать. Лаконизм и рельефность
мелодий, динамика, четкая мускульная ритмика - это легко узнаваемый
героико-драматический стиль. Даже в медленных частях (там, где Бетховен
размышляет) звучит главная бетховенская тема: через страдание - к радости,
« через тернии к звездам ».
М. И. Глинка считал Бетховена вершиной Венского классицизма,
художником, наиболее глубоко проникнувшим в глубины человеческой
души и в совершенстве выразившим её в звуках. Бетховен же говорил: "
Музыка должна высекать огонь из души человеческой! ".
Заключение
Рост свободы в обществе привел к появлению первых публичных
концертов, в главных городах Европы образовываются музыкальные
общества и оркестры. Развитие новой музыкальной культуры в середине
XVIII в. породило возникновение множества частных салонов, проведение
оперных представлений.
Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров
инструментальной музыки - таких, как соната, симфония, квартет. В эту
эпоху кристаллизуется жанр классического концерта, вариационной
формы, совершается реформа оперных жанров.
Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось
потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных
инструментах, духовые инструменты - кларнет, флейта, труба и другие,
напротив, заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный
звук. Новый состав оркестра привел к появлению симфонии -
важнейшего музыкального жанра. Одним из первых композиторов,
использовавших симфонический формат, стал сын
И.С. Баха - Карл
Филипп Эммануил Бах.
Вместе с новым составом оркестра появляется и
струнный квартет,
состоящий из двух скрипок, альта и
виолончели. Создаются сочинения
специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа.
Сформировалась многочастная сонатно - симфоническая форма (4 - частный
цикл), до сих пор являющаяся основой многих инструментальных
сочинений.
В эту же эпоху было создано фортепиано, конструкция которого в
течение
XVIII в. претерпевает значительные изменения,
усовершенствуется клавишно -молоточковый механизм, вводятся чугунная
рама, педали, механизм « двойной репетиции », изменяется расположение
струн, расширяется диапазон. Все эти эволюционные нововведения
позволяли музыкантам - пианистам с большей лёгкостью исполнять
виртуозные произведения в различных вариантах, используя
разнообразные средства выразительности и обогащённую динамику.
Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен -
три великих имени, три « Титана », вошедших в историю, как
венские
классики
.
Композиторы венской школы виртуозно владели самыми
разными жанрами музыки - от бытовых песенок до симфоний. Высокий
стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в
простой, но совершенной художественной форме, - вот главная черта
творчества венских классиков. Именно, композиторы венской
классической школы подняли жанр фортепианной сонаты, классического
концерта на высочайший уровень.
Открытие классицизма заключалось в выражении стремления к
высочайшему идеалу совершенства, к райскому устроению души и
жизни. Гайдн говорил, что Бог не будет обижаться на него за то, что он
славит Его в новом светлом и ясном стиле.
Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также
изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и
чувства, над которыми царит разум. Художникам - творцам в их сочинениях
присущи логичность мышления, гармония и ясность
формы. Классицизм
- стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и
соразмерности остается и поныне образцом для последующих
поколений.
Между тем века классицизма уже отступали; в беспрецедентной
полистилистике "Дон Жуана", в бунтующем духе "Эгмонта" угадывалось
столетие романтизма с его трагической иронией, неустроенностью
художественного сознания, свободой лирической интимности.
Принципы классицизма
1.
Основа всего - разум. Прекрасно лишь то, что разумно.
2.
Главная задача - укрепление абсолютной монархии,
монарх - воплощение разумного.
3.
Главная тема - конфликт личных и гражданских интересов,
чувства и долга.
4.
Высшее достоинство человека - исполнение долга, служение
государственной идее.
5.
Наследование античности как образцу.
6.
Подражание “ украшенной ” природе.
7.
Главная категория - красота.
Литература
Келдыш Ю. В. - Классицизм. Музыкальная энциклопедия, Москва:
Советская
энциклопедия, из - во « Советский композитор »,
1973 -
1982 гг..
Классицизм - Большой энциклопедический словарь, 2000 г.
Ю. А. Кремлёв - Фортепианные сонаты Бетховена, издательство «
Советский
композитор », Москва 1970 г.
Композиторы эпохи классицизма
Фридрих Калькбреннер Йозеф Гайдн
Иоганн Непомук Гуммель Ян Ванхал
Джованни Баттиста Пешетти Доминико Чимароза
Иван Ласковский Леопольд Моцарт
Кристиан Готлоб Нефе Вольфганг Амадей
Моцарт
Джованни Баттиста Грациоли Андре Гретри
Иоганн Э. Гуммель Даниель Штейбельт
Игнац Плейель Людвиг ван
Бетховен
Никколо Паганини Антон Диабелли
Александр Львович Гурилев Ян Ладислав
Дуссек
Жак Обер Кристоф Виллибальд
Глюк
Джованни Паизиелло Александр Иванович
Дюбюк
Лев Степанович Гурилев Карл Черни
Даниэль Готлоб Тюрк Вильгельм Фридеман Бах
Антонио Сальери Иоганн Христиан Бах
Мауро Джулиани Иоганн Христоф Фридерик
Бах
Джон Фильд Карл Филипп Эммануил Бах
Александр Танеев Фредерик Дювернуа
Гаэтано Доницетти Иоганн Вильгельм
Хесслер
Евстигней Фомин Иоганн Бенда
Тобиас Хаслингер Луиджи Керубини
Винченцо Беллини Альберт Беренс
Иоганн Филипп Кирнбергер Муцио Клементи
Анри Жером Бертини Анри Крамер
Луиджи Боккерини Иоганн Батист
Крамер
Дмитрий Бортнянский Родольф Крейцер
Пётр Булахов Фридрих Кулау
Карл Мария фон Вебер Иоганн Генрих Лев
Анри Лемуан Геништа Иосиф
Иосифович
Михаил Клеофас Огинский Джованни Баттиста
Перголези
РОМАНТИЗМ
Романтизм - идейное и художественное направление, возникшее в
европейской и американской культуре конца
XVIII в. - первой половины
XIX в. - явился реакцией на эстетику классицизма, своеобразной реакцией
на эпоху Просвещения с его культом разума. Возникновение романтизма
было обусловлено разными причинами. Важнейшая из них
-
разочарование в итогах Великой французской революции
,
не
оправдавшей возлагавшихся на нее надежд.
Для романтического
мировоззрения характерен резкий конфликт
между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и
бездуховна, она пронизана духом мещанства, филистерства и достойна
только отрицания. Мечта - это нечто прекрасное, совершенное, но
недостижимое и непостижимое разумом.
Романтизм впервые возник и сложился в 1790-е гг. в Германии, в
кругу писателей и философов
йенской школы, представителями которой
считаются
В. Г. Ваккенродер,
Людвиг Тик,
Новалис, братья Ф. и А.
Шлегели). Философия романтизма была систематизирована в трудах
Ф.
Шлегеля и
Ф.Шеллинга и заключалась в том, что есть позитивное
наслаждение прекрасным, выражающееся в спокойном созерцании, и
есть негативное наслаждение возвышенным, бесформенным,
бесконечным, вызывающее не радость, а изумление и осмысление. С
воспеванием возвышенного связан интерес романтизма к злу, его
облагораживание и диалектика добра и зла.
В XVIII в. романтическим называли всё странное, живописное и
существующее в книгах, а не в действительности. В нач. XIX в.
романтизм стал обозначением нового направления, противоположного
классицизму и Просвещению.
От эпохи к эпохе, от стиля к последующему стилю в области
искусства можно « перекинуть мостик » и выразить соответствующее
определение художественных направлений: барокко - это проповедь,
романтизм - это исповедь. Так они и « раскинуты » в стороны от
стройного и упорядоченного классицизма. В искусстве барокко человек
обращался к человеку (проповедовал) с чем-то глобально важным, в
романтизме человек обращается к миру, заявляя ему, что мельчайшие
переживания его души не менее важны, чем всё остальное. И здесь не
только право на индивидуальное чувство, но и право на поступок.
Романтизм, сменяя эпоху
Просвещения, совпадает с
промышленным
переворотом, обозначенным появлением
паровой машины,
паровоза,
парохода, фотографии и фабрично - заводских окраин. Если Просвещение
характеризуется культом разума и основанной на его началах
цивилизации, то романтизм утверждает культ
природы, чувств и
естественного в человеке. Именно в эпоху романтизма оформляются
феномены
туризма, альпинизма и
пикника, призванные восстановить
единство человека и природы. Востребованным оказывается образ «
благородного дикаря », вооруженного «народной мудростью» и не
испорченного цивилизацией. Просветительской идее прогресса романтизм
противопоставляет интерес
фольклору,
мифу,
сказке, к простому
человеку, возвращение к корням и к природе.
В дальнейшем развитии немецкий романтизм отличает интерес к
сказочным и мифологическим мотивам, что особенно ярко выразилось в
творчестве братьев
Вильгельма и
Якоба Гримм,
Гофмана. Г.
Гейне,
начиная свое творчество в рамках романтизма, позднее подверг его
критическому пересмотру. Философский романтизм призывает к
переосмыслению религии и стремлению к атеизму.
« Истинная религия - это чувство и вкус бесконечности ».
Позднее в 1820 - е годы романтический стиль распространился в
Англии, Франции и других странах. К английскому романтизму
относится творчество писателей Расина, Джона Китса, Уильяма Блейка.
Романтизм в литературе получил распространение и в других
европейских
странах, например:
во Франции - Шатобриан, Ж. Сталь, Ламартин, Виктор Гюго, Альфред де
Виньи,
Проспер Мериме, Жорж Санд, Стендаль;
в Италии - Н. У. Фосколо, А. Мандзони, Леопарди,
в Польше -
Адам Мицкевич,
Юлиуш Словацкий,
Зыгмунт
Красинский,
Циприан Норвид;
в США - Вашингтон Ирвинг, Фенимор Купер, У. К. Брайант, Эдгар
По,
Натаниэль Готорн, Генри Лонгфелло, Герман Мелвилл.
В русском романтизме появляется свобода от классических условностей,
создаётся баллада, романтическая драма. Утверждается новое представление
о сущности и значении поэзии, которая признаётся самостоятельной сферой
жизни, выразительницей высших, идеальных стремлений человека. В
романтизме русской литературы показываются страдания и одиночество
главного героя.
В России к поэтам - романтикам можно отнести также
В. А. Жуковского,
К. Н. Батюшкова,
Е. А. Баратынского,
Н. М. Языкова. Ранняя поэзия
А. С. Пушкина также развивалась в рамках романтизма. Вершиной русского
романтизма можно считать поэзию
М. Ю. Лермонтова. Философская лирика
Ф. И. Тютчева является одновременно и завершением, и преодолением
романтизма в России.
Романтизм зародился как литературное течение, но оказал значительное
влияние на музыку и на живопись. В изобразительном искусстве Романтизм
наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше - в архитектуре.
Развитие романтизма в живописи протекало в острой полемике с
приверженцами
классицизма. Романтики укоряли своих
предшественников в « холодной рассудочности » и отсутствии
« движения жизни ».
В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и
живописные руины. Его основные черты - динамичность композиции,
объёмная пространственность, насыщенный колорит, светотень (например,
произведения Тёрнера, Жерико и
Делакруа). В 20 - 30-х годах работы
многих художников отличались патетикой, нервной возбуждённостью; в них
наметилось тяготение к экзотическим мотивам и игре воображения,
способного увести от « тусклой повседневности ». Борьба против застывших
классицистских норм длилась долго, почти полстолетия. Первым, кому
удалось закрепить новое направление и
« оправдать » романтизм, был Теодор Жерико.
Представители живописи:
Франсиско Гойя, Антуан-Жан Гро, Теодор
Жерико,
Эжен Делакруа,
Карл Брюллов,
Уильям Тёрнер,
Каспар Давид
Фридрих, Карл Фридрих Лессинг, Карл Шпицвег, Карл Блехен, Альберт
Бирштадт, Фредерик Эдвин Чёрч, Фузели, Мартин.
РОМАНТИЗМ В МУЗЫКЕ
Музыка периода романтизма - это период в истории Европейской
музыки, который охватывает условно 1800 - 1910 годы.
В музыке направление романтизма сложилось в
1820 годы, развитие его
заняло весь
XIX в. - век расцвета музыкального культуры Западной
Европы. Романтизм - не просто лирика, но господство чувств, страстей,
душевных стихий, которые познаются лишь в уголках собственной души.
Подлинный художник выявляет их с помощью гениальной интуиции.
Музыка этого периода развилась из форм, жанров и музыкальных идей,
установившихся в ранние периоды, такие как классический период.
Композиторы - романтики старались с помощью музыкальных средств
выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка
становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные
жанры, в том числе
баллада.
Идеи, структура произведений, которые установились или только
наметились в более ранние периоды, были развиты при романтизме. В итоге
произведения, относящиеся к Романтизму, воспринимаются слушателями как
более пылкие и эмоционально выразительные. Принято считать, что
непосредственными предшественниками романтизма были Людвиг ван
Бетховен - в австро - немецкой музыке и Луиджи Керубини - во французской;
более отдалённым своим предшественником многие романтики (например,
Шуберт, Вагнер, Берлиоз) считали К. В. Глюка.
Период перехода от классицизма к романтизму считается
предромантическим периодом - сравнительно короткий период в истории
музыки и искусства.
Если в литературе и живописи романтическое направление в ос
новном
завершает свое развитие к середине XIX столетия, то жизнь музыкального
романтизма в Европе гораздо продолжительнее. Музыкальный романтизм как
направление сложился в начале XIX века и развивался в тесной связи с
различными течениями в литературе, живописи и театре.
Основными представителями романтизма в музыке являются:
в Австрии - Франц Шуберт, и поздние романтики - Антон Брукнер
и Густав
Малер;
в Германии - Эрнест Теодор Гофман, Карл Мария Вебер, Рихард
Вагнер, Феликс
Мендельсон, Роберт Шуман, Йоганес Брамс, Людвиг
Шпор;
в Англии - Эдвард Элгар;
в Венгрии - Ференц Лист;
в Норвегии - Эдвард Григ;
в Италии - Никколо Паганини, Винченцо Беллини, ранний Джузеппе
Верди;
в Испании - Фелипе Педрель;
во Франции - Д. Ф. Обер, Гектор Берлиоз, Дж. Мейербер и представитель
позднего
романтизма Сезар Франк;
в Польше - Фредерик Шопен, Станислав Монюшко;
в Чехии - Бедржих Сметана, Антонин Дворжак;
в России в русле романтизма работали Александр Алябьев, Михаил
Глинка,
Александр Даргомыжский, Милий Балакирев, Н. А.
Римский -
Корсаков, Модест Мусоргский, Александр Бородин,
Цезарь Кюи,
П. И. Чайковский.
Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка, которая
в силу своей специфики наиболее полно выражает движения души.
Именно музыка в
эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств.
Для романтизма в музыке характерно обращение к внутреннему миру
человека. Музыка способна выражать непознаваемое, передавать то, что не в
силах передать словами. Романтизм всегда стремится уйти от реальности.
Прикоснуться к жизни простых людей, понять их чувств, опираясь на музыку
- это помогло представителям музыкального романтизма, сделать свои
произведения реалистичными.
В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается
проблема личности, причем в новом освещении - в ее конфликте с
окружающим миром. Романтический герой всегда одинок, когда он является
именно незаурядной, одаренной личностью.
Тема одиночества - едва ли не
самая популярная во всем романтическом искусстве.
Артист, поэт, музыкант
– излюбленные герои в произведениях романтиков («Любовь поэта» Шумана,
«Фантастическая симфония» Берлиоза с ее подзаголовком - « Эпизод из
жизни артиста »).
Раскрытие личной драмы нередко приобретало у романтиков
оттенок
автобиографичности, который вносил в музыку особую искренность. Так,
например, многие
фортепианные произведения Шумана
связанны с
историей его любви к Кларе Вик. Автобиографический характер своих
опер всячески подчеркивал Рихард Вагнер.
Внимание к чувствам приводит к смене жанров - господствующее
положение приобретает лирика, в которой преобладают образы любви. С
темой « лирической исповеди » очень часто переплетается
тема природы.
С образами природы тесно связано развитие жанрового и лирико -
эпического симфонизма (одно из первых сочинений - « большая » симфония
C - dur Ф. Шуберта).
Настоящим открытием композиторов - романтиков стала
тема
фантастики. Музыка впервые научилась воплощать сказочно -
фантастические образы чисто музыкальными средствами. В операх XVII -
XVIII вв. « неземные » персонажи (как, например, Царица ночи из
«
Волшебной флейты » Моцарта) разговаривали на « общепринятом »
музыкальном языке, мало выделяясь на фоне реальных людей.
Композиторы - романтики научились передавать фантастический мир как
нечто совершенно специфическое (при помощи необычных
оркестровых и
гармонических красок). Яркий образец - « Сцена в волчьем
ущелье » в
« Волшебном стрелке » Вебера.
В высшей степени характерен для музыкального романтизма интерес к
народному творчеству. Подобно поэтам - романтикам, которые за счет
фольклора обогаща ли и обновляли литературный язык, музыканты широко
обращались к национальному фольклору - народным песням, балладам,
эпосу (Ф. Шуберт, Р. Шуман, Ф. Шопен,
И. Брамс,
Б. Сметана,
Э. Григ). Все слышимое ушами тут же
претворялось в творчестве. Фольклор - песни, танцы, легенды -
перерабатывается, оттуда берутся темы, сюжеты, интонации.
У романтиков особую ценность приобретает песня (в России -
романс). Появляются новые танцы - мазурки, полонезы, вальсы. Воплощая
образы национальной литературы, истории, родной природы, они
опирались на интонации и ритмы национального фольклора, возрождали
старинные диатонические лады.
Под влиянием фольклора содержание
европейской музыки ярко преобразилось
.
Новые темы и образы потребовали от романтиков разработки
новых
средств музыкального языка и принципов формообразования, расширения
тембровой и гармонической палитры музыки (натуральные лады,
красочные сопостав ления мажора и минора).
И в средствах выражения
общее все больше уступает место индивидуально своеобразному.
В
оркестровке принцип ансамблевых групп уступил место солированию
почти всех оркестровых голосов.
В период расцвета романтизма зародился ряд новых музыкальных
жанров,
в том числе жанры программной музыки (симфонические поэмы,
баллады, фантазии, песенные жанры).
Важнейшим моментом
эстетики музыкального романтизма была
идея
синтеза искусств, которая нашла наиболее яркое выражение в
оперном творчестве
Р. Вагнера и в программной музыке Г. Берлиоза, Р. Шумана, Ф. Листа.
ВЫВОД
На возникновение романтизма повлияло три главных события:
Великая французская революция, наполеоновские войны, подъем
национально - освободительного движения в Европе. Романтизм как
метод и направление в музыке и художественной культуре был явлением
сложным и противоречивым. В каждой стране он имел яркое
национальное выражение. Романтики бунтовали против итогов
буржуазной революции, но бунтовали по - разному, так как у каждого
был свой идеал.
Но при всей многоликости и многообразии у романтизма есть
устойчивые черты:
разочарование в окружающем мире, ощущение себя
частью Вселенной, неудовлетворенность самим собой, поиск гармонии,
конфликт с обществом. Все они исходили от отрицания Просвещения и
рационалистических канонов классицизма, которые сковывали творческую
инициативу.
Интерес к сильной личности, которая противопоставляет себя всему
окружающему
миру и опирается только сама на себя, и внимание к внутреннему миру
человека.
Идея синтеза искусств нашли выражение в идеологии и практике
романтизма.
Индивидуализированное, личностное видение мира повлекло за собой
возникновение новых музыкальных жанров. В единении с тенденцией
развития домашнего музицирования, камерного исполнительства, не
рассчитанного на массовую аудиторию и совершенную исполнительскую
технику, это вызвало к жизни появление жанра фортепианной миниатюры -
экспромты, музыкальные моменты, ноктюрны, прелюдии, множество
танцевальных жанров, ранее не фигурировавших в профессиональной
музыке.
Романтические темы, мотивы, выразительные приемы вошли в
искусство разных стилей, направлений, творческих объединений. Силы,
противодействующие романтизму, начали формироваться во второй
половине 19 века (Брамс, Брюкнер, Малер). С их появлением
наметились тенденции к повторному обращению к реальному миру,
объективности, отказу от субъективного. Но, несмотря на это,
романтическое мироощущение или мировоззрение оказалось одним
из самых плодотворных художественных стилистических течений.
Романтизм как общее мироощущение, свойственное преимущественно
молодё-жи, как стремление к идеалу и творческой свободе до сих пор
живёт в мировом искусстве.
ЛИТЕРАТУРА
Рапацкая Л. А. Романтизм в художественной культуре Европы XIX
в.:
открытие
« внутреннего человека » // Мировая художественная
культура.
11 кл. в 2 частях. М. : Владос, 2008 г.
Брянцева В.Н. Музыкальная литература зарубежных стран - Изд. «Музыка»
2001 г.
А.В. Сердюк, О.В. Уманец Пути развития украинского и
зарубежного
музыкального искусства. - Х.: Основа, 2001 г.
Берковский Н.Я. Романтизм в Германии / Вступительная статья А.
Аникста. - Л.:
« Художественная литература », 1973 г.
«Музыка должна высекать огонь из груди человеческой» – это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры.
Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и свободолюбивых идеалов Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – запечатлело черты нового романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма смелое экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре.
Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист К.Г. Нефе. Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом придворным органистом, концертмейстером в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием.
В 1792г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Й. Гайдна, И.Г. Альбрехтсбергера, А. Сальери (крупнейших музыкантов той эпохи). Альбрехтсбергер познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии.
Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным. Его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.
Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг – он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни и в 1802г. приготовил завещание, где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы писать музыку дальше. Выходом из кризиса стала Третья («Героическая») симфония.
В 1803-1808гг. композитор также работал над созданием сонат; в частности Девятой для скрипки и фортепиано (1803г.; посвящена парижскому скрипачу Рудольфу Крейцеру, поэтому получила название «Крейцерова»), Двадцать третьей («Аппассионатой») для фортепиано, Пятой и Шестой симфониями (обе 1808г.).
Шестая («Пасторальная») симфония имеет подзаголовок «Воспоминание о сельской жизни». Это произведение рисует различные состояния человеческой души, отстранившейся на время от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передаёт чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычна её структура – пять частей вместо четырёх. В симфонии есть элементы изобразительности, звукоподражания (поют птицы, гремит гром и т.д.). Находки Бетховена впоследствии использовались многими композиторами-романтиками.
Вершиной симфонического творчества Бетховена стала Девятая симфония. Задумана она была ещё в 1812г., но работал над ней композитор с 1822 по 1823г. Симфония грандиозна по масштабам; особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды «К радости» И.Ф Шиллера.
В первой части музыка сурова и драматична: из хаоса звуков рождается чёткая и очень масштабная тема. Вторая часть - скерцо по характеру перекликается с первой. Третья часть, исполняемая в медленном темпе, - это спокойный взгляд просветлённой души. Дважды в неторопливое течение музыки врываются звуки фанфар. Они напоминают о грозах и битвах, но изменить общий философский образ не в силах. Эта музыка – вершина лирики Бетховена. Четвёртая часть – финал. Темы предыдущих частей проплывают перед слушателем словно уходящее прошлое. И вот появляется тема радости. Удивителен внутренний строй темы: трепетность и строгая сдержанность, огромная внутренняя сила, высвобождающаяся в грандиозном гимне добру, истине и красоте.
Премьера симфонии состоялась в 1825г. в Венском оперном театре. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы.
При жизни Бетховена Девятая симфония для многих осталась непонятной; ею восторгались лишь те, кто близко знал композитора, его ученики и просвещённые в музыке слушатели. Со временем симфонию стали включать в свой репертуар лучшие оркестры мира, и она обрела новую жизнь.
Для произведений позднего периода творчества композитора характерны сдержанность чувств и философская углублённость, что отличает их от страстных и драматических ранних сочинений. За свою жизнь Бетховен написал 9 симфоний, 32 сонаты, 16 струнных квартетов, оперу «Фиделио», «Торжественную мессу», 5 концертов для фортепиано и один для скрипки с оркестром, увертюры, отдельные пьесы для разных инструментов.
Удивительно, но многие сочинения (в том числе Девятую симфонию) композитор написал, будучи уже совершенно глухим. Однако и его последние произведения – сонаты для фортепиано и квартеты – непревзойдённые шедевры камерной музыки.
Заключение
Итак, художественный стиль классицизм возник в XVII столетии во Франции, основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства. Мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.
Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII – начала XIX столетия – венскую классическую школу. Отметим, что классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции, так как они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской классической школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.
Ещё раз отметим, что искусство венских классиков представляет для нас огромную ценность и художественную значимость.
Список использованной литературы
1. Альшванг А.А. Людвиг ван Бетховен. Очерк жизни и творчества. – М.: Советский композитор, 1971. – 558с.
2. Бах. Моцарт. Бетховен. Мейербер. Шопен. Шуман. Вагнер / Сост. «ЛИО Редактор». – СПб: «ЛИО Редактор» и др., 1998. – 576с.
3. Великович Э. Великие музыкальные имена: Биографии. Материалы и документы. Рассказы о композиторах. – СПб.: Композитор, 2000. – 192с.
4. Музыкальный энциклопедический словарь / Гл. ред. Г.В. Келдыш. – М.: Советская энциклопедия, 1990. – 672с.
5. Осеннева М.С., Бездородова Л.А. Методика музыкального воспитания младших школьников: Учеб. пособие для студ. нач. фак. педвузов. – М.: «Академия», 2001. – 368с.
6. Я познаю мир: Дет. энцикл.: Музыка / Авт. А.С. Клёнов. Под общ. ред. О.Г. Хинн. – М.: АСТ-ЛТД, 1997. – 448с.
Композиторы Венской классической школы
Когда сегодня говорят о классицизме в музыкальном искус-стве, в большинстве случаев имеют в виду творчество компози-торов XVIII в. — Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена, которых мы называем венскими классиками или представителями Венской классической школы . Это новое на-правление в музыке стало одним из самых плодо-творных в истории музыкальной культуры.
Национальная австрийская музыкальная культура того вре-мени оказалась замечательной средой для создания такого пласта в музыкальном искусстве, который отвечал новым идеям и на-строениям. Венские композиторы-классики сумели не только по-дытожить всё лучшее, чего достигла европейская музыка, но и воплотить в музыке эстетические идеалы эпохи Просвещения, сделать собственные творческие открытия. Наивысшим дости-жением музыкальной культуры этого времени стало формиро-вание классических музыкальных жанров и принципов симфо-низма в произведениях Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетхо-вена.
Классический симфонизм Гайдна
В историю мировой музыкальной культуры Йозеф Гайдн (1732—1809) вошёл как создатель классической симфонии. Ему также принадлежит заслуга в создании инструментальной му-зыки и формировании устойчивого состава симфонического ор-кестра.
Творческое наследие Гайдна поистине ошеломляюще! Он яв-ляется автором 104 симфоний, 83 струнных квартетов, 52 клавирных сонат, 24 опер... Кроме того, им создано 14 месс и не-сколько ораторий. Во всём, что написано известным австрий-ским композитором, чувствуется непревзойдённый талант и блестящее мастерство. Не случайно его не менее знаменитый со-отечественник и друг Моцарт с восхищением говорил:
«Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн».
Творчество Гайдна уже при жизни композитора приобрело европейскую известность и по достоинству было оценено совре-менниками. Музыка Гайдна — это «музыка радости и досуга», она полна оптимизма и действенной энергии, светла и естествен-на, лирична и изысканна. Композиторская фантазия Гайдна, казалось, не знала границ. Его музыка богата контрастами, па-узами и неожиданными сюрпризами. Так, в 94-й симфонии (1791), в середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются мощные удары литавр только для того, чтобы зритель «не скучал»...
Симфонии Гайдна — подлинная вершина его творчества. Не сразу складывалась музыкальная форма симфонии. Первона-чально количество её частей варьировалось, и лишь Гайдну уда-лось создать её классический тип в четырёх частях, каждая из которых различалась характером звучащей музыки, темпом и приёмами развития темы. При этом четыре контрастные части симфонии взаимно дополняли друг друга.
Первая часть симфонии (греч. symphonia — созвучие) обыч-но исполнялась в быстром, стремительном темпе. Она активна и драматична, обычно в ней передан основной конфликт двух об-разов-тем. В обобщённой форме в ней передавалась атмосфера жизни главного героя. Вторая — медленная, лиричная, навеян-ная созерцанием прекрасных картин природы — проникала во внутренний мир героя. Она способна вызвать в душе размышле-ния, сладостные мечты и грёзы воспоминаний. В третьей, рас-сказывающей о часах досуга и отдыха героя, его общении с людь-ми, звучала живая, подвижная музыка, первоначально восхо-дившая своими ритмами к менуэту — спокойному салонному танцу XVIII в., позднее — к скерцо — веселой танцевальной му-зыке шутливого характера. Быстрая четвёртая часть подводила своеобразный итог размышлений героя, выделяла главное в его понимании смысла жизни человека. По форме она напоминала рондо с чередованиями неизменной темы — рефрена (припева) и постоянно обновляемых эпизодов.
Общий характер музыки симфоний Гайдна образно и поэтич-но выразил немецкий писатель Э. Т. А. Гофман (1776—1822):
«В сочинениях Гайдна господствует выражение детски радо-стной души; его симфонии ведут нас в необозримые зелёные рощи, в весёлую пёструю толпу счастливых людей, перед на-ми проносятся в хоровых плясках юноши и девушки; смею-щиеся дети прячутся за деревьями, за розовыми кустами, шутливо перебрасываясь цветами. Жизнь, полная любви, полная блаженств и вечной юности, как до грехопадения; ни страданий, ни скорби — одно только сладостно элегиче-ское стремление к любимому образу, который носится вдали, в розовом мерцании вечера, не приближаясь и не исчезая, и пока он находится там, ночь не наступает, ибо он сам — вечерняя заря, горящая над горою и над рощею».
В симфонической музыке Гайдн нередко использовал приём звукоподражания: пения птиц, журчания ручья, давал зримые зарисовки восхода солнца, «портретов» животных. Музыка композитора вбирала словацкие, чешские, хорват-ские, украинские, тирольские, венгерские, цыган-ские мелодии и ритмы. В музыке Гайдна нет ничего лишнего и случайного, она пленяет слушателей своей грациозностью, лёг-костью и изяществом.
В последние годы жизни Гайдн создал свои самые значитель-ные музыкальные произведения. В двенадцати «Лондонских симфониях», написанных в 1790-е гг. под впечатлением от поез-док в Лондон, нашли выражение жизненная философия и миро-воззрение композитора. Под влиянием музыки Генделя он со-здал две величественные оратории — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801), приумножившие и без того шумную славу композитора.
Последние годы жизни Гайдн провёл в уединении, в малень-ком домике на окраине Вены. Он почти ничего не писал. Чаще предавался воспоминаниям о своей жизни, полной смелых на-чинаний и экспериментаторских поисков.
Музыкальный мир Моцарта
Путь Вольфганга Амадея Моцарта (1756—1791) в музыке начинался ярко и блистательно. С самых ранних лет жизни его имя стало легендой. В четыре года ему требовалось полчаса, что-бы разучить менуэт и тут же сыграть его. В шесть лет он вместе с отцом Леопольдом Моцартом, талантливым музыкантом ка-пеллы архиепископа города Зальцбурга, гастролировал с кон-цертами по Европе. В одиннадцать — сочинил первую оперу, а в четырнадцать — дирижировал на премьере собственной опе-ры в театре Милана. В том же году он получил почётное звание академика музыки Болоньи.
Однако дальнейшая жизнь та-лантливого композитора сложилась непросто. Положение придворного музыканта мало чем отличалось от положения услужливого лакея, вы-полнявшего любые прихоти своего хозяина. Не таков был характер Мо-царта, человека независимого и ре-шительного, больше всего в жизни ценившего честь и достоинство. Пройдя многие жизненные испыта-ния, он ни в чём не изменил своим взглядам и убеждениям.
В историю музыкальной культу-ры Моцарт вошёл как блистатель-ный сочинитель симфонической му-зыки, создатель жанра классиче-ского концерта, автор «Реквиема» и двадцати опер, среди которых двадцати опер, среди которых особую известность получили «СвадьбаФигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта». Подчёркивая значение его творческого наследия, хочет-ся повторить вместе с А. С. Пушкиным:
«Ты, Моцарт, Бог, и сам того
не знаешь...»
В оперном искусстве Моцарт прокладывал собственную до-рогу, отличную от своих знаменитых предшественников и совре-менников. Редко используя мифологические сюжеты, он глав-ным образом обращался к литературным источникам: средневе-ковым легендам и пьесам известных драматургов. Моцарт впервые соединил в опере драматическое и комическое начала. В его оперных произведениях не было чёткого деления персона-жей на положительные и отрицательные; герои то и дело попа-дали в самые различные жизненные ситуации, в которых и про-являлась суть их характеров.
Моцарт придавал первостепенное значение музыке, а не вы-двигал на первый план роль звучащего слова. Его творческим принципом стали собственные слова о том, что «поэзия должна быть послушной дочерью музыки». В операх Моцарта возросла роль оркестра, с помощью которого автор мог выразить своё от-ношение к действующим лицам. Нередко он проявлял сочувст-вие к отрицательным героям, а над положительными не прочь был от души посмеяться.
«Свадьба Фигаро» (1786) была поставлена по пьесе француз-ского драматурга Бомарше (1732—1799) «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Моцарт сильно рисковал, выбирая для пос-тановки запрещённую цензурой пьесу. В результате появилась весёлая опера в стиле итальянской комической оперы-буфф. Энергичная, лёгкая музыка, звучащая в этом произведении, за-ставляла зрителей серьёзно задуматься над жизнью. Один из первых биографов композитора очень точно подметил:
«Моцарт сплавил воедино коми-ческое и лирическое, низкое и возвышенное, смешное и трога-тельное и создал невиданное по своей новизне творение — “Свадьбу Фигаро”».
Цирюльник Фигаро, человек без рода и племени, хитростью и умом побеждает сиятельного графа Аль-мавиву, который не прочь приуда-рить за невестой простолюдина. Но Фигаро хорошо усвоил нравы выс-шего света, а потому его не провести утончёнными жестами и словесной паутиной. За свое счастье он борет-ся до конца.
В опере «Дон Жуан» (1787) тра-гическое и комическое, фантасти-ческое и реальное переплетены не менее прочно. Сам Моцарт дал ей подзаголовок «Весёлая драма». Следует подчеркнуть, что тема донжуанства была не нова в музыке, но в её раскрытии Моцарт нашёл особые подходы. Если раньше в центре внимания композиторов были дерзкие похождения и любовные авантюры Дон Жуана, то теперь перед зрителями представал обаятельный человек, преис-полненный рыцарской отваги, благородства и мужества. С боль-шим сочувствием Моцарт отнёсся и к раскрытию душевных пе-реживаний оскорблённых Дон Жуаном женщин, ставших жерт-вами его любовных интриг. Серьёзные и величественные арии Командора сменялись весёлыми и озорными мелодиями хитро-умного Лепорелло, слуги Дон Жуана.
«Музыка оперы полна движения, блеска, необычайно дина-мична и ажурна. В этом произведении царствует мелодия — гибкая, выразительная, пленительная в своей свежести и красоте. Партитура изобилует чудесными, виртуозно разра-ботанными ансамблями, великолепными ариями, дающими певцам широчайшие возможности выявить все богатства го-лосов, продемонстрировать высокую вокальную технику» (Б. Кремнев).
Опера-сказка «Волшебная флейта» (1791) — любимое произ-ведение Моцарта, его «лебединая песня» — стала своеобразным эпилогом жизни великого композитора (была поставлена в Вене за два месяца до его смерти). В лёгкой и увлекательной форме Мо-царт воплотил в ней тему неизбежной победы светлого и разумно-го начала жизни над силами разрушения и зла. Волшебник Зара- стро и его верные помощники, преодолев множество жестоких испытаний, всё же создают мир Мудрости, Природы и Разума. Чёрная месть, злоба и коварство Царицы Ночи оказываются бес-сильными перед всепобеждающими чарами любви.
Опера имела потрясающий успех. В ней звучали мелодии сказочных игр, волшебных опер, народных ярмарочных балага-нов и кукольных спектаклей.
В симфонической музыке Моцарт достиг не меньших высот. Особой популярностью пользуются три последние симфонии Моцарта: ми-бемоль мажор (1788), соль минор (1789) и до ма-жор, или «Юпитер» (1789). В них прозвучала лирическая испо-ведь композитора, его философское осмысление пройденного жизненного пути.
Моцарту принадлежит заслуга в создании жан-ра классического концерта для различных музы-кальных инструментов. Среди них 27 концертов для фортепиано с оркестром, 7 — для скрипки с оркестром, 19 сонат для фортепиано, сочинения в жанре фантазий, в основе которых лежала сво-бодная импровизация. С ранних лет, играя почти ежедневно, он выработал виртуозную манеру ис-полнения. Всякий раз он предлагал слушателям новые сочинения, поражая их творческой фантази-ей и неистощимой силой вдохновения. Одно из луч-ших сочинений Моцарта в этом жанре — «Концерт для фортепиано с оркестром ре минор» (1786).
Творчество Моцарта представлено также вы-дающимися сочинениями духовной музыки: мес-сами, кантатами, ораториями. Вершиной его духовной музыки стал «Реквием» (1791) — грандиозное произведение для хора, солистов и симфонического оркестра. Музыка реквиема глубоко трагична, полна сдержанной и благородной скорби. Лейтмотив произведе-ния — судьба страдающего человека, предстающего перед ли-цом сурового Божьего суда. С потрясающей драматической си-лой он раскрывает во втором хоре «Dies irae» («День гнева») кар-тины смерти и разрушения, контрастирующие со скорбной мольбой и трогательными жалобами. Лирической кульминаци-ей «Реквиема» стала «Lacrimosa» («Лакримоза» — «Слёзный день этот»), музыка, проникнутая трепетным волнением и про-светлённой печалью. Необычайная красота этой мелодии сдела-ла её широко известной и популярной во все времена.
Смертельно больной Моцарт не успел закончить это произве-дение. По наброскам композитора оно было доработано одним из его учеников.
«Музыка, высекающая огонь из людских сердец». Людвиг ван Бетховен
Весной 1787 г. в двери маленького бедного дома на окраине Вены, где жил знаменитый Моцарт, постучался подросток, оде-тый в костюм придворного музыканта. Он скромно попросил ве-ликого маэстро послушать его импровизации на заданную тему. Моцарт, поглощённый работой над оперой «Дон Жуан», дал гос-тю две строчки полифонического изложения. Мальчик не расте-рялся и отлично справился с заданием, поразив прославленного композитора своими необычайными способностями. Присутст-вующим здесь же друзьям Моцарт сказал: «Обратите внимание на этого юношу, придёт время, о нём заговорит весь мир». Эти слова оказались пророческими. Музыку великого немецкого композитора Людвига ван Бетховена (1770—1827) сегодня дей-ствительно знает весь мир.
Путь Бетховена в музыке — это путь от классицизма к ново-му стилю, романтизму, путь смелого эксперимента и творческих поисков. Музыкальное наследие Бетховена огром-но и удивительно разнообразно: 9 симфоний, 32 со-наты для фортепиано, 10 — для скрипки, ряд увертюр, в том чис-ле к драме И. В. Гёте «Эгмонт», 16 струнных квартетов, 5 концертов для фортепиано с оркестром, «Тор-жественная месса», кантаты, опера «Фиделио», романсы, обработки на-родных песен (их около 160, в том числе и русских) и др.
Недосягаемых вершин достиг Бетховен в симфонической музыке, раздвинув рамки сонатно-симфони-ческой формы. Гимном стойкости человеческого духа, утверждению победы света и разума стала Третья «Героическая» симфония (1802— 1804). Это грандиозное творение, превышающее известные до того времени симфонии своими масшта-бами, количеством тем и эпизодов, отражает бурную эпоху Француз-ской революции. Первоначально Бетховен хотел посвятить это про-изведение своему кумиру Наполеону Бонапарту. Но когда «гене-рал революции» провозгласил себя императором, стало очевид-но, что им движет жажда власти и славы. Бетховен вычеркнул посвящение с титульного листа, написав одно слово — «Героиче-ская» .
Симфония состоит из четырёх частей. В первой звучит быст-рая музыка, передающая дух героической борьбы, стремление к победе. Во второй, медленной части, звучит траурный марш, полный возвышенной скорби. Впервые менуэт третьей части заменён стремительным скерцо, призывающим к жизни, свету и радости. Финальная, четвёртая часть насыщена драмати-ческими и лирическими вариациями. Публика приняла «Геро-ическую» симфонию Бетховена более чем сдержанно: произве-дение показалось слишком длинным и трудным для восприя-тия.
Шестая «Пасторальная» симфония (1808) была написана под впечатлением народных песен и весёлых плясовых наигры-шей. Она имела подзаголовок «Воспоминание о сельской жиз-ни». Солирующие виолончели воссоздавали картину журчания ручья, в ней слышались голоса птиц: соловья, перепела, кукуш-ки, притопывание танцующих под весёлую деревенскую песен-ку. Но внезапный раскат грома нарушает народное гулянье. Картины бури и разразившейся грозы поражают воображение слушателей.
«Гроза, буря... Прислушайтесь к порывам ветра, несущего дождь, к глухим раскатам басов, к пронзительному свисту малых флейт... Ураган приближается, растет... Тогда вступают тромбоны, гром литавр усиливается вдвое, это уже не дождь, не ветер, а ужасное на-воднение» (Г. Л. Берлиоз). Картины ненастья сменялись светлой и радо-стной мелодией пастушеского рожка и свирели.
Вершиной симфонического творчест-ва Бетховена является «Девятая симфо-ния» (1822—1824). Образы житейских бурь, горестных утрат, мирные картины природы и сельской жизни стали своеоб-разным прологом к необычному финалу, написанному на текст оды немецкого поэта И. Ф. Шиллера (1759—1805):
Власть Твоя связует свято
Всё, что в мире врозь живёт:
Каждый в каждом видит брата
Там, где веет твой полёт...
Обнимитесь, миллионы!
В поцелуе слейся, свет!
Впервые в симфонической музыке звучание оркестра и зву-чание хора слились воедино, провозглашая гимн добру, истине и красоте, призывая к братству всех людей на земле.
Сонаты Бетховена также вошли в сокровищницу мировой музыкальной культуры. Лучшие из них — скрипичная «Крейцерова» (№ 9), фортепианные «Лунная» (№ 14), «Аврора» (№ 21), «Аппассионата» (№ 23).
«Лунная» соната (название было дано уже после смерти ком-позитора) посвящена Джульетте Гвиччарди, неразделённая лю-бовь к которой оставила глубокий след в душе Бетховена. Ли-рическая, мечтательная музыка, передающая настроение глу-бокой печали, а затем наслаждение красотой мира, сменяется в финале бурным драматическим порывом чувств.
Не менее известна «Аппассионата » (итал. appassionato— страстно), посвящённая одному из близких друзей композитора. По своим масштабам она максимально приближена к симфонии, но включает не четыре, а три части, составляющие единое целое. Музыку этой сонаты пронизывает дух страстной, беззаветной борьбы, могущество стихийных сил природы, воля человека, ук-рощающего и усмиряющего природную стихию.
Соната «Аврора », имеющая подзаголовок «Соната солнечно-го восхода», дышит радостью и солнечной энергией. Её первая часть передаёт впечатление оживлённого и шумного дня, кото-рому приходит на смену тихая ночь. Вторая рисует картину раз-горающейся зари нового утра.
В последние годы жизни Бетховен сочинял сравнительно ма-ло и медленно. Полная глухота, постигшая его в середине творческого пути, не позволяла ему выйти из состояния глубо-кой депрессии. И всё-таки то, что написано в это время, было также отмечено чудесным взлётом его таланта.
Вопросы и задания
1*. Каково значение творчества Гайдна в истории мировой музы-кальной культуры? Что представляет собой созданный им классиче-ский тип симфоний? Справедливо ли утверждение, что музыка Гайд-на — это «музыка радости и досуга»?
Какой вклад внёс Моцарт в развитие мировой музыкальной культуры? Каковы его главные достижения в создании оперного ис-кусства?
Бетховен говорил: «Для того чтобы создать что-то по-настояще-му прекрасное, я готов нарушить любое правило». От каких правил со-здания музыки Бетховен отказывался, а в чём выступил как подлин-ный новатор?
Творческая мастерская
Подготовьте радио- или телепередачу (программу концерта или музыкального вечера) на тему «Композиторы Венской классической школы». Какие музыкальные произведения вы отберёте? Обсудите свой выбор.
Исследователь истории музыкальной культуры Д. К. Кирнар- ская отмечает «чрезвычайную театральность» музыки классицизма. По её мнению, «слушателю остаётся только включить воображение и узнать в «музыкальной одежде» персонажей классической трагедии или комедии». Так ли это? Послушайте одну из опер Моцарта и, опи-раясь на собственные впечатления, аргументируйте своё мнение.
Б. Кремнев, автор книги «Вольфганг Амадей Моцарт», писал: «Подобно Шекспиру, следуя правде жизни, он решительно смешивает комическое с трагическим. Недаром жанр оперы, которую он теперь пишет, — “Дон Жуана”, композитор определяет не как опера-буффа или опера-сериа, а как “бгатта ^шсово” — “весёлая драма”». На-сколько оправдано сравнение трагико-мических опер Моцарта с творчеством Шекспира?
Как вы думаете, почему писатель XX в. Р. Роллан в своей книге «Жизнь Бетховена» замечал, что творчество Бетховена «оказалось ближе к нашей эпохе»? Почему творчество Бетховена принято рассматривать в рамках клас-сицизма и нового художественного сти-ля — романтизма?
Композитор Р. Вагнер считал для себя бессмысленным занятием обраще-ние к симфоническому жанру после Девятой симфонии Бетховена, назван-ной им «всеобщей драмой», «человече-ским евангелием искусства будущего». Послушайте эту музыку и попробуй-те объяснить, какие основания были у Вагнера для подобной оценки. Офор-мите свои впечатления в виде эссе или рецензии.
Темы проектов, рефератов или сообщений
«Музыка барокко и классицизма»; «Музыкальные достижения и открытия в творчестве венских композиторов-классиков»; «Творчест-во Гайдна, Моцарта и Бетховена — музыкальная биография эпохи Просвещения»; «Музыкальный портрет героя симфонических произ-ведений И. Гайдна»; «Почему современники называли симфонии Й. Гайдна “музыкой радости и досуга” и “островами радости”?»; «Мас-терство и новаторство оперного искусства Моцарта»; «Жизнь Моцарта и “маленькая трагедия” А. С. Пушкина “Моцарт и Сальери”»; «Развитие жанра симфонии в творчестве Бетховена»; «Идеалы эпохи Наполеона и их отражение в творчестве Л. ван Бетховена»; «Гёте и Бетховен: диалог о музыке»; «Особенности художественной интерпретации “Крейцеровой” сонаты Бетховена в одноименной повести Л. Н. Толстого»; «Бетхо-вен: его предшественники и последователи в музыке».
Книги для дополнительного чтения
Алъшванг А. А. Бетховен. М., 1977.
Баттерворт Н. Гайдн. Челябинск, 1999.
Бах. Моцарт. Бетховен. Шуман. Вагнер. М., 1999. (ЖЗЛ. Биогра-фическая библиотека Ф. Павленкова).
Вейс Д. Возвышенное и земное. Роман о жизни Моцарта и его вре-мени. М., 1970.
Великие музыканты Западной Европы: хрестоматия для учащих-ся старших классов / сост. В. Б. Григорович. М., 1982.
Вудфорт П. Моцарт. Челябинск, 1999.
Кирнарская Д. К. Классицизм: книга для чтения. Й. Гайдн, В. Мо-царт, Л. Бетховен. М., 2002.
Корсаков В. Бетховен. М., 1997.
Левин Б. Музыкальная литература зарубежных стран. М., 1971. Вып. III.
Попова Т. В. Зарубежная музыка XVIII и начала XIX века. М., 1976.
Розеншилъд К. История зарубежной музыки. М., 1973. Вып. 1.
Роллан Р. Жизнь Бетховена. М., 1990.
Чичерин Г. В. Моцарт. М., 1987.
При подготовке материала использован текст учебника «Мировая художественная культура. От XVIII века до современности» (Автор Данилова Г. И.).