Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке XX века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки. Русская народная песня, богатство ее ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа. Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. Стравинский утверждал, что его музыка словно развивается сама по себе, но все же и в ней содержатся идеи, доступные всеобщему восприятию.
Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В русский период (1908-начала 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т.д.
В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонии («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симф. (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) - не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения).
Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 века. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (напр., джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 века.
Один из крупнейших композиторов XX столетия, Игорь Федорович Стравинский оставил наследие, поразительное по ширине замыслов, по разнообразию жанров, по многогранности интересов. Огромное количество произведений создано им на протяжении более чем 65-летнего творческого пути. Оперы и балеты, симфонии и концерты, пьесы вокальные и инструментальные, своеобразные синтетические формы...
Сочинения, в которых воссоздается древняя Русь, основанные на глубоко самобытном претворении национального фольклора, и музыка, являющаяся данью восхищения композиторами прошлого... Сочинения, вдохновленные античными мифами и библейскими текстами, народными сказками - и гравюрами XVIII века... Сочинения, продолжающие традиции Римского-Корсакова, и «варварски-скифские», неоклассические и додекафонные...
Весь чрезвычайно продолжительный творческий путь Стравинского принято разделять на три периода.
Первый из них - «русский». Он ознаменован безраздельным господством русской тематики - будь то народная сказка, языческая обрядовость, городские бытовые сцены или пушкинская поэма. Именно в этот период создаются «Петрушка», «Жар-птица», «Весна священная», «История солдата», «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана», «Мавра», «Свадебка». Мир русской ярмарки с ее озорными плясками, балаганами, уличными наигрышами шарманки и гармоники нашел свое яркое отражение в "Петрушке"; на фоне праздничного разгула толпы представлены трагические смятения кукольного героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной. Впечатление оглушительного взрыва произвела музыка "Весны священной" - балета, рисующего картины языческой Руси. "Весна священная" ознаменовала начало нового этапа в истории мировой музыки. Стремясь передать "варварский" дух далекой древности, автор применил неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы, буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений использованы необычные ритмы, оригинальные инструментальные эффекты.
Второй период, начало которого падает на 20-е годы, известен как «неоклассический». Охватывающий более 30 лет, он особенно характерен многообразием манер и «истоков»: Стравинский как бы внутренне перерабатывает музыку Баха и Люлли, Пепрголези и Гайдна, Моцарта и Вебера, Бетховена и Чайковского, создавая по их «моделям» музыку самобытную и современную - Симфонию До мажор и Симфонию в трех частях, балет «Апполон Мусагет» и мелодраму «Персефона», Скрипичный концерт и концерт «Думбартон Окс», оперу-ораторию «Царь Эдип» и оперу «Похищение повесы».
Третий период творчества Стравинского, который подготовлялся исподволь, внутри второго, наступает в начале 50-х годов. Дважды посетив Европу в течении 1951-1952 годов (в это время композитор постоянно живет в Америке), он осваивает додекафонную технику. На основе этой техники, своеобразно претворенной индивидуальностью великого музыканта, и создаются его последние произведения - балет «Агон», кантата «Трени», опера-балет «Потоп», «Три песни из Уильяма Шекспира», «Траурная музыка» памяти поэта Дилана Томаса и другие.
Три произведения являются главными в творчестве Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это "Священное песнопение", (1955-1956), "Плач пророка Иеремии", (1957-1958), "Заупокойные песнопения" (1965-1966).
Высшее достижение Стравинского - Реквием ("Заупокойные песнопения"). В 84 года Стравинский создал произведение, отличающееся истинными художественными прозрениями. Музыкальная речь стала более ясной и одновременно образной, эмоционально контрастной. Реквием - итоговое сочинение Стравинского, и не только потому, что это его последняя крупная вещь, но и потому, что она вобрала в себя, синтезировала, обобщила многое из предшествующего художественного опыта композитора.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ ТЕАТР РАВЕЛЯ (ИСПАНСКИЙ ЧАС, ДИТЯ И ВОЛШЕБСТВО)
Значение Равеля определяется яркой оригинальностью его музыки, исключительным совершенством композиторского мастерства. Музыка Равеля характеризуется сжатыми формами, четким и непринужденным построением мелодических фраз, большой динамичностью. Большое место в творчестве Равеля занимает хореография, народный танец.
Его одноактный балет "Дафнис и Хлоя" явился новаторским произведением в этом жанре. В балете использована звучность хора (без слов), музыка отличается подлинно симфоническим характером, живостью ритмов и яркостью оркестровых красок. Второй одноактный балет - "Моя матушка гусыня" (по мотивам французских сказок, переделан из фортепианной сюиты, пост. 1915, Париж) проникнут глубоко народным складом музыки, в нем проявилось богатейшее дарование Равеля-мелодиста. Все хореографические произведения Равеля вошли в симфонический репертуар оркестров многих стран.
Первая опера Равеля "Испанский час" (1907, пост. 1911, Париж) обновляет жанр лирической музыкальной комедии; она отмечена тонким юмором, блеском вокального и оркестрового стиля. Вторая его одноактная опера "Дитя и волшебство" названа автором "лирической фантазией"; в ней оживает фантастический мир игрушек, зверей, даже предметов домашнего обихода - часы, кушетка и т. д. Опера овеяна поэзией детства. В то же время в ней проявилась и тонкая ирония Равеля.
"Естественные истории" подготовили меня к сочинению "Испанского часа", музыкальной комедии на текст г-на Франк-Ноэна, которая является не чем иным, как своего рода музыкальным разговором. Основной замысел этого произведения - возрождение жанра оперы-буфф.
Совсем иного плана "Дитя и волшебства", лирическая фантазия в двух действиях, в которой преследуются, однако, те же цели. Мелодическое начало, господствующее в ней, опирается на сюжет, который мне хотелось трактовать в духе американской опер етты. Либретто г-жи Колетт позволяло подобную вольность в музыкальной феерии. Тут господствует пение. Оркестр, хотя и не лишенный виртуозности, остается на втором плане.
«ДИТЯ И ВОЛШЕБСТВО» . В опере, которую сам автор назвал «лирической фантазией» оживает мир игрушек, зверей и предметов домашнего обихода. Среди действующих лиц – старое кресло, разбитая чашка, деревья, звери, птицы и даже… учебник арифметики – всё овеяно поэзией детства. Ее герой – шестилетний мальчик, наказанный матерью за непослушание. Он срывает своё недовольство, пытаясь «назло» всё сломать и испортить. В его сне мир неузнаваемо преображается, и мальчик начинает постигать, что всё вокруг него полно жизни. Тяжело вздыхает раненное его ножом дерево, белка жалуется, что мальчик мучает её подружку. Он пытается подружиться с животными и растениями, но они его боятся из-за тех обид, что он им причинил, когда они ещё были неодушевленными…
Во время Второй мировой войны директор Парижской оперы Жак Руше попросил известную французскую писательницу Сидони-Габриель Колетт подготовить текст для сказочного балета. В оригинале история называлась «Дивертисменты для моей дочки». После того, как Колетт выбрала Равеля, ему в 1916 году был прислан на фронт текст, но письмо потерялось. В 1917 году Равель, наконец, получил копию текста и согласился написать партитуру. Работа длилась долго, и Колетт уже потеряла надежду на то что она когда-нибудь завершится, но, 21 марта 1925 года опера была поставлена в Монте Карло с хореографией Жоржа Баланчина. Равель сравнивал её со своей предыдущей работой («Испанский час») «Больше, чем когда-либо я за мелодию. Да, мелодия, бельканто, вокализы, вокальная виртуозность – это главное. Здесь лирическая фантазия зовет мелодию и ничего, кроме мелодии... Партитура «Дитя и Волшебства» это смесь стилей и эпох, от Баха до... Равеля».
Опера «Дитя и волшебство» – является признанным шедевром Мориса Равеля. Музыкальный язык сочинения свидетельствует об активных экспериментах композитора в области гармонии, ритма, лада, оркестровки. Это проявляется в обращении к бытовым жанрам (вальс, марш, городской шансон), ритмам новых для того времени танцев (фокстрота, канкана, регтайма), использование не «музыкальных» звуков (шумов, скрипа, треcка). Музыка отдельных сцен, таких как марш-скерцо Часов, фокстрот Чашки и Чайника, сцена Задачника, дуэт Кота и Кошки содержит джазово-блюзовые звучания, характерные для эстетики мюзикла, мюзик-холла.
Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке XX века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки. Русская народная песня, богатство ее ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа. Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей. Напротив, любая стилистическая модель преображалась им в исключительно индивидуальное творение. Стравинский утверждал, что его музыка словно развивается сама по себе, но все же и в ней содержатся идеи, доступные всеобщему восприятию.
Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниенбауме близ Петербурга. С артистической средой он был знаком с ранних лет: его отец - прославленный певец Мариинского театра, где помимо сослуживцев бывали и Стасов, и Мусоргский, и Достоевский. Фантасмагорию театра, приволье и произвол его закулисной жизни Стравинский впитал в себя с детства.
Юношей он уже принадлежал к высшим кругам Петербургской художественной интеллигенции, стал участником «Вечеров современной музыки» - их возглавляли А.П. Нуроки и В.Ф. Нувель, а через них сблизился с деятелями «Мира искусства» и с тем, кто задавал здесь тон - с Сергеем Павловичем Дягилевым, при решающем воздействии и покровительстве которого утвердилась блистательная композиторская карьера молодого Стравинского. Позднее именно благодаря Дягилеву, но, возможно, не без участия и другого ревнивого покровителя - Дебюсси - он быстро проник в сферы аристократической элиты Парижа. Где, как Стравинский знакомился с народной песней? В дни детства под Петербургом? В Устилуге бывшей Волынской губернии, в имении своей жены, где жил после женитьбы с 1906 года? На ярмарках в Ярмолинцах, находившихся неподалеку от Устилуга? Это доподлинно неизвестно, однако, именно русская народная песня - основной источник его новаторства, его откровение.
Профессиональным композитором Стравинский стал сравнительно поздно - только после того, как весной 1905 года в возрасте 23 лет окончил университет. До того он лишь обращался за советами к Римскому-Корсакову. Но с осени 1905 года занятия стали регулярными - дважды в неделю. Пять лет близкого общения с Николаем Андреевичем Римским-Корсаковым многое дали Стравинскому. Он воочию - на примере своего учителя - познакомился с техникой композиторского труда.
«Юношеское» созревание было очень недолгим, а взлет оказался столь стремительным, что в отличие от биографий многих других композиторов первый же творческий период Стравинского, который открывается «Жар-птицей», явился периодом зрелости. Таким образом, «русский» этап предстает во всем великолепии своих свершений как период зрелого мастерства.
Первое крупное сочинение Стравинского - Фортепианная соната - датируется 1904 годом. Его музыка впервые прозвучала 27 декабря 1907 года на одном из концертов «Вечеров современной музыки» в скромном зале Петербургской музыкальной школы. Певица Е.Ф. Петренко исполнила «Пастораль» и «Весну священную». Эти песни были им написаны незадолго до того. Вскоре последовали другие премьеры.
Слава пришла к нему неожиданно в 28 лет вместе с показом «Жар-птицы» в Париже в 1910 году и закрепилась там же спустя три года небывало скандальной премьерой «Весны священной». Слава прилепилась к его имени и не оставляла более.
Русская сказка об Иване-царевиче, освободившем прекрасную царевну от чар Кащея, воплощена в музыке «Жар-птицы». Мир русской ярмарки с ее озорными плясками, балаганами, уличными наигрышами шарманки и гармоники нашел свое яркое отражение в «Петрушке»; на фоне праздничного разгула толпы представлены трагические смятения кукольного героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной. Впечатление оглушительного взрыва произвела музыка «Весны священной» - балета, рисующего картины языческой Руси. «Весна священная» ознаменовала начало нового этапа в истории мировой музыки. Стремясь передать «варварский» дух далекой древности, автор применил неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы, буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений использованы необычные ритмы, оригинальные инструментальные эффекты.
После парижской премьеры «Жар-птицы» 1910 года Стравинский сблизился с Дебюсси. Они были дружны в течение девяти лет, до самой смерти француза. Поначалу Дебюсси видел в Стравинском близкого по стилю композитора. Но внезапная эволюция Стравинского озадачила Дебюсси: со смешанным чувством одобрения и недоумения он отнесся к «Весне священной» - его молодой друг в этом эпохальном сочинении порвал с импрессионизмом, преодолел его.
Стравинский входит в моду, он посещает великосветские парижские салоны, связанные с некогда известными именами. Это - графиня Эдмои де Полиньяк, дочь богатейшего фабриканта швейных машин Зингера, в салоне которой впервые исполняются заказанные ею произведения не только Стравинского, но и Форе, Равеля, Сати, де Фальи, Пуленка. Это и Габриэль Шанель - владелица аристократического ателье мод, одна из самых щедрых покровительниц Дягилева; Стравинский получает также заказы от актрисы и танцовщицы Иды Рубинштейн, от Элизабет Спрэг Кулидж - меценатки из США и т. д.
Он завязывает близкие сношения с представителями других видов искусства, с философами, физиками, теологами. С ним встречаются и крупные государственные деятели. А бесконечные интервью, в которых, по замечанию Стравинского, «слова, мысли и даже самые факты искажались до полной неузнаваемости» и которые он тем не менее охотно давал, поражая интервьюеров находчивостью, остроумием, парадоксальностью суждений, - разве кто-либо из композиторов XX века удостаивался такого внимания?
Второй период творчества композитора приходится на годы после Первой мировой войны, когда он постоянно жил в Париже и в 1934 году принял французское гражданство. С новым окружением его объединяло как духовное, так и творческое родство. Таким образом, он стал блестящим представителем международного авангарда в музыке. Новый стилистический период его творчества, по числу произведений наиболее плодотворный (около 45 сочинений), можно охарактеризовать как возвращение к стилю прошлых времен (от античности до классицизма). Это так называемый «неоклассицизм».
Новый переломный момент в творчестве композитора обозначает «Пульчинелла» - балет с пением (1919-1920). Произошло это не случайно, не было капризом творца: закончилась война, закончился период убийств, бесчеловечных разрушений, и у Стравинского появилась потребность освежить свою палитру. Радостный, солнечный свет излучает музыка «Пульчинеллы»; бодрым, жизнедеятельным характером отмечен Октет (1922- 1923); улыбкой озарена комическая опера «Мавра» (1921 - 1922). А более поздние произведения - «Аполлон» (1927-1928) и «Поцелуй феи» (1928) отбросят свет на творчество Стравинского ближайшего десятилетия; отзвуки тенденций, в них заложенных, скажутся и в сороковые годы.
Всего для балетного театра композитор написал восемь оркестровых партитур: «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», «Аполлон Мусагет», «Поцелуй феи», «Игра в карты», «Орфей», «Агон». Также он создал три балетных произведения с пением: «Байка», «Пульчинелла», «Свадебка».
Трудно оспаривать значение новаторской музыки Стравинского в развитии хореографии XX века. Тем не менее сценическая судьба его балетов - то ли по вине консервативных вкусов театральных зрителей, то ли из-за недостаточной изобретательности постановщиков - оказалась не столь счастливой, как это еле довало бы ожидать, и музыка Стравинского подчас была отмечена большим признанием не в театре, а на концертной эстраде. Яркие тому примеры - «Весна священная» и «Свадебка».
Затяжной кризис начался у композитора с середины 1930-х годов. Жесточайший смерч проносится над человечеством, вызвав неисчислимые жертвы; он утихает лишь в 1945 году. Своим беспощадным крылом этот смерч коснулся и Стравинского, заставив его эмигрировать из Франции в США. А перед тем, в 1938- 1939 годах, он похоронит жену, мать, дочь и над ним самим нависнет смертельная опасность (острая вспышка туберкулеза, от той же болезни умерли жена и дочь). Потеряв родных, отторгнутый от привычной обстановки, от друзей и близких, на пороге 60-летия он будет заново строить жизнь (вместе с новой женой) в культурно-социальных условиях, которые до конца дней останутся ему чуждыми. Растерянность ощущается в его действиях, в невольных уступках «американскому вкусу».
В 1945 году после войны, которую он пережил на американском континенте, Стравинский стал гражданином США. После 30 лет творчества в стиле неоклассицизма композитор вновь совершает поворот, на сей раз ориентируется на серийную технику, которую в Европе развивает новая венская школа, в основном Антон Веберн.
Без преувеличения можно утверждать, что ни один зарубежный композитор XX века не был так образован как Стравинский. Философия и религия, эстетика и психология, математика и история искусства - все находилось в поле его зрения; проявляя редкую осведомленность, он во всем хотел разобраться как специалист, имеющий свой взгляд на затронутый вопрос, свое отношение к трактуемому предмету. Стравинский - неистовый читатель - с книгой не расставался до самого преклонного возраста. Его библиотека в Лос-Анджелесе насчитывала около 10 тысяч томов.
Он был очень деятельным в общении, в переписке. Нетерпеливо быстрым был Стравинский как в ходьбе - до тех пор, пока после удара в 1956 году не ослабла левая нога, так и в реакции на реплики собеседника.
Но главное - работа: он был великим тружеником, не давал себе роздыха и в случае необходимости мог, не отрываясь, заниматься по 18 часов. Роберт Крафт свидетельствовал в 1957 году, что он трудился тогда - то есть в возрасте 75 лет! - по 10 часов в сутки: до обеда над сочинением музыки 4-5 часов и после обеда 5-6 над оркестровкой или переложением.
Три произведения являются главными в творчестве Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это «Священное песнопение», (1955-1956), «Плач пророка Иеремии», (1957-1958), «Заупокойные песнопения» (1965-1966).
Высшее достижение Стравинского - Реквием («Заупокойные песнопения»). В 84 года Стравинский создал произведение, отличающееся истинными художественными прозрениями. Музыкальная речь стала более ясной и одновременно образной, эмоционально контрастной. Реквием - итоговое сочинение Стравинского, и не только потому, что это его последняя крупная вещь, но и потому, что она вобрала в себя, синтезировала, обобщила многое из предшествующего художественного опыта композитора.
В 1969 году здоровье его резко ухудшилось. Однако продолжало биться сердце, продлевая угасающую жизнь.
1. шпионские страсти
В Риме во время Первой мировой войны Стравинский познакомился с Пабло Пикассо. Тот написал портрет своего нового знакомого, правда весьма своеобразный (Пикассо был тогда футуристом).
Когда композитор уезжал из Италии, увозя с собой портрет, итальянские таможенники на границе проявили бдительность:
- Это у вас что такое, синьор, вот эти кружки и линии?
- Мой портрет работы Пикассо.
Таможенники долго совещались, а потом конфисковали портрет, видимо решив, что это план какого-то стратегического сооружения...
2. любимая опера города барселоны
Радостно встречая знаменитого маэстро на вокзале в Барселоне, любители музыки сказали Стравинскому:
- Барселона ждет вас с нетерпением - здесь очень любят вашего "Князя Игоря"!..
- Они так искренне радовались мне и так восторгались этой оперой, - рассказывал поэм Стравинский, - что у меня не хватило мужества разочаровать их, я так и не признался, что "Князя Игоря" сочинил не я, а Бородин...
3. таинственный покупатель
На аукционе в Лондоне продавалось с молотка первое издание партитуры одного из ранних балетов Стравинского. Желающих приобрести эту редкостную вещь было много, но один из присутствовавших - какой-то старый седой господин - все время набавлял цену. В конце концов партитура, действительно, досталась ему - за три тысячи фунтов стерлингов.
Репортеры окружили покупателя.
- Кто вы и почему решили купить партитуру во что бы то ни стало?
- Игорь Стравинский, - отрекомендовался он журналистам и добавил с улыбкой:
-Я никогда не представлял себе, что за собственную партитуру придется платить вдвое больше того, что когда-то в молодости я получил за весь балет!
4. как это у вас получается?
Как-то раз одна журналистка спросила у Стравинского:
- Маэстро, как вы сочиняете музыку? О чем вы думаете в это время?
- Простите, мадам, но, вероятно, у меня получается только потому, что когда я сочиняю музыку, я думаю только о ней и ни о чем больше...
5. консерватор
На приеме, устроенном в Стокгольме в честь Стравинского, композитора спросили, что он думает о джазе.
- То же самое, что и двадцать лет назад, - ответил он.
- А как вы относились к джазу двадцать лет назад?
-Этого я не помню.
6. я в этом не разбираюсь
Будучи проездом в Нью-Йорке, Стравинский взял такси и с удивлением прочитал на табличке свою фамилию.
- Вы не родственник композитора? - спросил он у шофера.
- Разве есть композитор с такой фамилией? - удивился шофер. - Впервые слышу. Впрочем, Стравинский - фамилия владельца такси. Я же не имею ничего общего с музыкой - моя фамилия Россини...
7. добрый критик
Зная о чрезмерной мягкости художественных оценок знаменитого критика Владимира Стасова, Стравинский как-то сказал:
- Он не отзывался плохо даже о погоде...
...Я был рожден не вовремя. По темпераменту и склонностям мне надлежало, как и Баху, хотя и иного масштаба, жить в безвестности и регулярно творить для установленной службы и Бога. Я устоял в мире, в котором был рожден... я выжил... несмотря на торгашества издателей, музыкальные фестивали, рекламу...
И. Стравинский
...Стравинский - истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного...
Д. Шостакович
Творческая жизнь И. Стравинского - это живая история музыки XX в. В ней, как в зеркале, отразились процессы развития современного искусства, пытливо ищущего новые пути. Стравинский снискал репутацию дерзкого ниспровергателя традиций. В его музыке возникает множественность стилей, постоянно пересекающихся и подчас трудно поддающихся классификации, за что композитор заслужил от современников прозвище «человек с тысячью лиц». Он подобен Фокуснику из своего балета «Петрушка» : свободно перемещает жанры, формы, стили на своей творческой сцене, как бы подчиняя их правилам собственной игры. Утверждая, что «музыка способна выражать лишь самое себя», Стравинский тем не менее стремился жить «con Tempo» (т. е. вместе со временем). В «Диалогах», изданных в 1959-63 гг., он вспоминает уличные шумы в Петербурге, масленичные гулянья на Марсовом поле, которые, по его словам, помогли ему увидеть своего Петрушку. А о «Симфонии в трех движениях » (1945) композитор говорил как о произведении, связанном с конкретными впечатлениями о войне, с воспоминаниями о бесчинствах коричневорубашечников в Мюнхене, жертвой которых едва не стал он сам.
Поразителен универсализм Стравинского. Он проявляется в широте охвата явлений мировой музыкальной культуры, в многообразии творческих исканий, в интенсивности исполнительской - пианистической и дирижерской - деятельности, продолжавшейся более 40 лет. Беспрецедентны масштабы его личных контактов с выдающимися людьми. Н. Римский-Корсаков, А. Лядов, А. Глазунов, В. Стасов, С. Дягилев, художники «Мира искусства», А. Матисс, П. Пикассо, Р. Роллан. Т. Манн, А. Жид, Ч. Чаплин, К. Дебюсси, М. Равель, А. Шенберг, П. Хиндемит, М. де Фалья, Г. Форе, Э. Сати, французские композиторы группы «Шести» - вот имена некоторых из них. Всю жизнь Стравинский находился в центре общественного внимания, на перекрестке важнейших художественных путей. География его жизни охватывает множество стран.
Детство Стравинского прошло в Петербурге, жить в котором, по его словам, «было захватывающе интересно». Родители не стремились дать ему профессию музыканта, но вся обстановка благоприятствовала музыкальному развитию. В доме постоянно звучала музыка (отец композитора Ф. Стравинский был известным певцом Мариинского театра), имелась большая художественная и музыкальная библиотека. С детского возраста Стравинского увлекала русская музыка. Десятилетним мальчиком ему посчастливилось увидеть П. Чайковского, которого он боготворил, посвятив ему много лет спустя оперу «Мавра » (1922) и балет «Поцелуй феи » (1928). «Героем моего детства» называл Стравинский М. Глинку. Высоко ценил М. Мусоргского, считал его «самым правдивым» и утверждал, что в его собственных сочинениях есть влияния «Бориса Годунова». Дружеские отношения возникли с членами Беляевского кружка, особенно с Римским-Корсаковым и Глазуновым.
Рано сформировались литературные интересы Стравинского. Первым настоящим событием стала для него книга Л. Толстого «Детство, отрочество, юность», кумирами в течение всей жизни оставались А. Пушкин и Ф. Достоевский.
Занятия музыкой начались с 9 лет. Это были уроки фортепианной игры. Однако к серьезной профессиональной учебе Стравинский приступил лишь после 1902 г., когда, будучи студентом юридического факультета Петербургского университета, он начал заниматься с Римским-Корсаковым. В это же время он сблизился с С. Дягилевым, художниками «Мира искусства», посещал «Вечера современной музыки», концерты новой музыки, устраивавшиеся А. Зилоти. Все это послужило толчком к быстрому художественному взрослению. Первые композиторские опыты Стравинского - Соната для фортепиано (1904), вокально-симфоническая сюита «Фавн и пастушка» (1906), Симфония ми-бемоль мажор (1907), «Фантастическое скерцо» и «Фейерверк» для оркестра (1908) отмечены влиянием школы Римского-Корсакова и французских импрессионистов. Однако с момента постановки в Париже балетов «Жар-птица » (1910), «Петрушка » (1911), «Весна священная » (1913), заказанных Дягилевым для «Русских сезонов», происходит колоссальный творческий взлет в том жанре, который Стравинский в дальнейшем особенно любил за то, что, по его словам, балет - «единственная форма сценического искусства, которая ставит в краеугольный камень задачи красоты и более ничего».
Триада балетов открывает первый - «русский» - период творчества, названный так не по месту пребывания (с 1910 г. Стравинский подолгу живет за границей, а в 1914 г. поселяется в Швейцарии), а благодаря проявившимся в это время особенностям музыкального мышления, глубоко национального по сути. Стравинский обратился к русскому фольклору, различные пласты которого очень своеобразно преломились в музыке каждого из балетов. «Жар-птица» поражает буйной щедростью оркестровых красок, яркими контрастами поэтической хороводной лирики и огненных плясов. В «Петрушке», названном А. Бенуа «балетомулицей», звучат популярные в начале века городские мелодии, оживает шумная пестрая картина масленичного гулянья, которой противопоставлена одинокая фигура страдающего Петрушки. Древний языческий обряд жертвоприношения определил содержание «Весны священной», воплотившей стихийный порыв к весеннему обновлению, могучие силы разрушения и созидания. Композитор, погрузившись в недра фольклорной архаики, столь радикально обновляет музыкальный язык, образы, что на современников балет произвел впечатление разорвавшейся бомбы. «Гигантским маяком XX века» назвал его итальянский композитор А. Казелла.
В эти годы Стравинский сочинял интенсивно, работая нередко сразу над несколькими совершенно разными по характеру и стилю произведениями. Это были, например, русские хореографические сцены «Свадебка » (1914-23), в чем-то перекликающиеся с «Весной священной», и изысканно-лирическая опера «Соловей » (1914). «Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана », возрождающая традиции скоморошьего театра (1917), соседствует с «Историей солдата » (1918), где русский мелос уже начинает нейтрализоваться, попадая в сферу конструктивизма, элементов джаза.
В 1920 г. Стравинский переехал во Францию и в 1934 г. принял французское подданство. Это был период чрезвычайно насыщенной творческой, а также исполнительской деятельности. Для молодого поколения французских композиторов Стравинский стал высшим авторитетом, «музыкальным мэтром». Однако провал его кандидатуры во Французскую академию изящных искусств (1936), все более крепнущие деловые связи с США, где он дважды успешно концертировал, а в 1939 г. прочел курс лекций по эстетике в Гарвардском университете, - все это побудило его переехать в начале второй мировой войны в Америку. Он обосновался в Голливуде (Калифорния) и в 1945 г. принял американское подданство.
Начало «парижского» периода совпало у Стравинского с крутым поворотом к неоклассицизму, хотя в целом общая картина его творчества была достаточно пестрой. Начав с балета «Пульчинелла » (1920) на музыку Дж. Перголези, он создает целую серию произведений в неоклассическом стиле: балеты «Аполлон Мусагет » (1928), «Игра в карты » (1936), «Орфей » (1947); оперу-ораторию «Царь Эдип » (1927); мелодраму «Персефона » (1938); оперу «Похождения повесы » (1951); Октет для духовых (1923), «Симфонию псалмов » (1930), Концерт для скрипки с оркестром (1931) и др. Неоклассицизм Стравинского носит универсальный характер. Композитор моделирует различные музыкальные стили эпохи Ж. Б. Люлли, И. С. Баха, К. В. Глюка, поставив своей целью установить «господство порядка над хаосом». Это характерно для Стравинского, всегда отличавшегося стремлением к строгой рациональной дисциплине творчества, не допускавшей эмоциональных перехлестов. Да и сам процесс сочинения музыки Стравинский осуществлял не по наитию, а «ежедневно, регулярно, наподобие человека со служебным временем».
Именно эти качества определили особенность следующего этапа творческой эволюции. В 50-60-е гг. композитор погружается в музыку добаховской эпохи, обращается к библейским, культовым сюжетам, а с 1953 г. начинает применять жестко конструктивную додекафонную технику сочинения. «Священное песнопение в честь апостола Марка» (1955), балет «Агон » (1957), «Монумент Джезуальдо ди Веноза к 400-летию» для оркестра (1960), кантата-аллегория «Потоп» в духе английских мистерий XV в. (1962), Реквием («Заупокойные песнопения», 1966) - вот наиболее значительные произведения этого времени.
Стиль Стравинского становится в них все более аскетичным, конструктивно-нейтральным, хотя сам композитор говорит о сохранении в его творчестве национальных истоков: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе». Одним из последних сочинений Стравинского был канон на тему русской песни «Не сосна у ворот раскачалася», использованной ранее в финале балета «Жар-птица».
Так, завершая жизненный и творческий путь, композитор возвратился к истокам, к музыке, олицетворявшей далекое русское прошлое, тоска по которому всегда присутствовала где-то в глубинах сердца, прорываясь иногда в высказываниях, и особенно усилилась после посещения Стравинским Советского Союза осенью 1962 г. Именно тогда произнес он знаменательные слова: «У человека одно место рождения, одна родина - и место рождения является главным фактором его жизни».
О. Аверьянова
Стравинский был известен как большой экспериментатор в плане музыки, своего музыкального стиля. В результате это по отношению к его личности стали применять ряд любопытных прозвищ: «Пикассо в музыке», «человек тысяча одного стиля», «музыкальный Протеей», «композитором-хамелеоном», «законодатель музыкальных мод», «изобретатель музыкальных блюд на мировой кухни». Но при такой действительно широкой палитре музыкальных языков и стилистики, композитор всегда оставался многосторонним антиромантиком и был верным всегда только той стилевой ориентации, которая противостояла романтической экспрессии. А последней в музыкальной культуре того времени было действительно много: такие направления, как постромантизм и экспрессионизм, заполонили музыкальный лексикон большинства художников первой половины ХХ века.
Стравинский родился 17 июля 1882 в городе Ораниенбаум (Ломоносов) под Санкт-Петербургом. Он был сыном прославленного оперного певца, солиста Мариинского теара в Петербурге Федора Стравинского. Именно отец-музыкант повлиял на дальнейшее музыкальное развитие ребенка. Например, в первую очередь тем, что маленький Игорь не вылезал из оперного театра. Много лет спустя в своих мемуарах «Хроника моей жизни» Стравинский вспоминал о своем первом посещении оперного спектакля - оперы «Иван Сусанин» Глинки: «Именно тогда я впервые услышал оркестр - и какой оркестр! Оркестр исполнял Глинку! Впечатление было незабываемое... ».
С 9 лет Стравинский начал играть на фортепиано, а с 18 - самостоятельно изучать композицию. Одновременно, в 1900-1905 гг, занимался на юридическом факультете Петербургского университета. Хотя юноша начал создавать собственные композиции, музыка тогда еще не была главной для будущего гения стилевых перевоплощений. Это воспринималось им как хобби до момента знакомства с сыном Николая Римского-Корсакова, который учился также в университете. Через некоторое время у него появилась возможность обучаться у великого мастера - летом 1902 обе семьи отдыхали по соседству. Римский-Корсаков отговорил Стравинского поступать в консерваторию, но предложил дважды в неделю приходить на уроки к нему лично.
Начиная с 1907 г. Стравинский создал почти сто различных опусов: девять балетов, четыре оперы, три вокально-хореографические представления, пять симфоний, шестнадцать других произведений для оркестра, четырнадцать камерно-инструментальных пьес, пятнадцать хоровых, одиннадцать фортепианных, двадцать романсов и песен.
Не раз вокруг его произведений разгорались страсти, возникала горячая полемика: восхищение поклонников сменялось насмешками противников, бурные овации - оглушительным свистом. Такая эмоциональная кривая в восприятии музыки Стравинского во многом связана с особенностями его творческого пути, для которого характерны неожиданные и крутые повороты.
Стравинский начал свой творческий путь как ортодоксальный ученик Корсаковской - Глазуновской школы, последователь «Могучей кучки» . Неожиданно композитор резко повернулся спиной к своему первому учителю, вместе с благодарностью из уст выливалась острая (но все же смерть Римского-Корсакова в 1908 году была для него ударом, в память о нем Стравинский написал «Траурную песню» для оркестра).
В то время композитор испытал сильное влияние французского импрессионизма (ярким и единственным «чистым» представителем этого течения в музыкальном искусстве был француз Клод Дебюсси). Однако это увлечение было недолговечным: молодой петербуржец вскоре отказался от импрессионистской «веры» и стал одним из лидеров творческой оппозиции искусству Дебюсси. Прошло еще несколько лет - и Стравинский с головой окунулся в неоклассицизм.
Эта капризность стилистической эволюции Стравинского имеет две важные закономерности. Во-первых, она во многом отражает общие тенденции развития тогдашнего западноевропейского искусства. Во-вторых, при всех своих творческих метаморфозах Стравинский все же сохранял те или иные черты своей индивидуальности. В частности, даже в сериальных его произведениях последней поры творчества нетрудно выявить присущие только ему черты музыкального языка.
Игорь Стравинский был выдающимся новатором в сфере музыкального ритма. Вместе с известными композиторами ХХ века венгром Бела Бартоком и своим соотечественником Сергеем Прокофьевым, он в значительной степени развил ритмическую динамику музыки, сделав ее одним из главных средств выразительности в музыке ХХ века. Стравинский разработал много новых ритмических форм небывалых в то время в европейской музыке. Принципы, которыми оперировал Стравинский в использовании ритма в качестве ведущего средства выразительности в музыкальном произведении, привели к внутренним реформам в музыкальной композиции. Музыковеды-теоретики определяют ритм в произведениях Стравинского как «нерегулярную акцентность»: то есть различные формы нерегулярности возникают вследствие нарушения равномерной пульсации. Нерегулярность ритмики у Стравинского приобретает характер активных противоречий регулярности и нерегулярности, непрерывной борьбы между ними. Все это порождает неимоверную эмоциональную заостренность в музыке композитора.
Такие сложности ритмического строения присутствуютв музыке балетов Стравинского. Поэтому хореографам приходилось искать новые средства хореографического воплощения такой новаторской ритмики. Композитору удалось: судьба свела его с выдающимся хореографом-новатором Сергием Дягилевым. Энергичный деятель с блестящими организаторскими способностями, Дягилев сумел привлечь и объединить выдающихся художников, музыкантов и балетных артистов. Он был одним из непосредственных участников создания еще в конце 90-х годов XIX века серии художественных выставок журнала «Мир искусства» в России. С начала ХХ века Дягилев расширил сферу своей деятельности, вынес ее за пределы Империи. В 1907 году он стал организатором «Русских сезонов» в Париже (затем и в Лондоне). В «Русских сезонах» первоначально был представлен ряд российских оперных спектаклей («Борис Годунов» , «Садко» , «Снегурочка» ), в которых выступили первоклассные исполнители, в том числе Федор Шаляпин. В дальнейшем основное место заняли балетные постановки с участием таких выдающихся звезд российского балета, как Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский, балетмейстер-реформатор Михаил Фокин и многие другие. К созданию спектаклей привлекались талантливые европейские художники-декораторы - Пабло Пикассо, Андре Дерен, Анри Матисс, а также русские авангардисты Наталья Гончарова, Михаил Ларионов и другие. Все это способствовало чрезвычайному успеху «Русских сезонов», которые сыграли заметную роль в укреплении мировой славы русского искусства.
Дягилев предложил Стравинскому создать музыку к фантастическому балету по мотивам народных сказок о Жар-птице и Кащее Бессмертном. Сценарий был подготовлен Фокиным с участием художников Александра Бенуа, Александра Головина, Леон Бакста и др. Премьера балета «Жар-птица» 25 июня 1910 года в Париже привела к настоящему фурору и уже наследующее утро Стравинский проснулся знаменитым. В «Русских сезонах» 1911 года (13 июня), был представлен балет «Петрушка» , в котором нашел свое яркое отражение мир русской ярмарки с ее озорными танцами. Главную партию в балете исполнял прославленный танцор Вацлав Нижинский.
Тогда же у Стравинского возникает идея написать сочинение на языческие мотивы. За два года был написан балет «Весна Священная» , премьера которого 29 мая 1913 впервые в истории музыки спровоцировала драку среди зрителей. Вероятно, на психику «неподготовленной» зрительской аудитории «новый ритм» музыки композитора-новатора подействовал так, как действуют на сегодняшнюю молодежь ломаные ритмы определенных стилей современной электронной музыки, от которых слушатель получает энергетический допинг.
Как бы там ни было, но все же это уникальное произведение, созданное, в частности, в содружестве с гениальным русским художником Николаем Рерихом, стал отправным моментом в развитии музыкального модернизма. Он стал обобщением генеральных линий развития также и балета: сочетание и взаимодействие в целостности нескольких видов нового модернистского искусства вывели жанр привычного балета («танца под музыку») на новый уровень развития
Парижские триумфы Стравинского способствовали, к сожалению, тому что связь композитора с Россией прервалась. Его балеты плохо приняли в Росси и до революции ни один из них не был поставлен. После премьеры «Жар-птицы» в 1910 году Стравинский с женой и детьми переехали в Париж. После этого композитор еще несколько раз приезжал в Петербург. Мировая война помешала Дягилеву продолжить свои «Русские сезоны», поэтому Стравинский переехал в 1914 году в Швейцарию и уже не возвращался на Родину долгие десятилетия. Впоследствии Октябрьская революция лишила Стравинского всего имущества и помешала его возвращению на Родину. Он зарабатывал на жизнь, гастролируя по Европе с фортепианными и оркестровыми концертами, на которых исполнял в и собственные произведения.
Связи с Дягилевым были восстановлены после Мировой войны. С 1920 г. Стравинский с семьей поселился во Франции. К концу 20-х годов «русская тематика» в произведениях Стравинского уступила сюжетам мифологии, библейским текстам. В вокальных произведениях используется латинский текст. В эти годы была написана также опера-оратория «Царь Эдип» (1927). Постепенно инструментальная музыка в творчестве Стравинского вытесняет вокальную. Среди лучших произведений этого периода выделяется «Симфония псалмов» (1930 г).
В 1939 композитор переехал в США, где продолжил активную концертную деятельность. Во время войны Стравинский создал три симфонии, в 1948-1951 г. по серии гравюр Уильяма Хагарта написал оперу «Приключения повесы» . Творческая манера композитора вновь испытывает изменения. Он обращается к додекафонии - технике компоновки музыки, изобретенной в 10-х годах ХХ века представителями так называемой «нововенской школы», которая освободила музыкальные звуки от упорядоченной мажоро-минорной. В этой манере написаны, например, балет «Агон» и кантата «An memorian Dilan Tomas» .
Стравинский никогда не жаловался на здоровье, хотя в 1956 году перенес инфаркт. Он продолжал работать и активно создавать музыку до 1967 года. Его последней композицией стали «Заупокойные песни» (обработка для камерного оркестра двух песен Х.Вольда), в которых автор адаптировал современную музыкальную технику к личному восприятию музыки.
Осенью 1962 композитор посетил Родину. Это был визит триумфатора. Ему было 80 лет. Во время визита Игорь Федорович выступил в Москве и Ленинграде как дирижер с исполнением собственных произведений.
Умер Игорь Стравинский 6 апреля 1971 Похоронен в Венеции рядом с могилой Дягилева. Под конец жизни композитор сказал: «Я всю жизнь по-русски говорю, по русски думаю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней…»