Урок мировой художественной культуры.
Музыкальная культура России эпохи Просвещения .
Материалы к уроку:
Литература.
1. История русской музыки. Т.1.
2. Детская энциклопедия. Т 12.
3. Энциклопедический словарь юного музыканта.
Слайды.
1. Е. Лансере. "Корабли времён Петра I ."
2. Добужинский. "Пётр I в Голландии."
3. Хлебовский. "Ассамблея при Петре I "
Фрагменты музыкальных произведений.
1. Хор " Буря море раздымает".
2.Канты и виваты.
Ход урока.
1 . Экспозиция.
На фоне хора " буря море раздымает" проецируются картины " Корабли времён Петра I " и " Пётр I в Голландии ".
2 . Постановка проблемы .
Особый путь развития русской музыки. Какие музыкальные жанры развивались в эпоху Петра. Чем отличалась русская опера от европейской.
Учитель: Реформы Петра I , направленные на развитие и укрепление государства, способствовали расцвету русской светской культуры. В это время появляются новые формы музицирования и новые музыкальные жанры. По указу Петра создаются духовые оркестры. В каждой воинской части был свой духовой оркестр, формировавшийся из солдатских детей. эти оркестры играют на торжественных парадах и праздниках. особой популярностью пользуются роговые оркестры, состоящие из охотничьих рогов разной величины. Эти рога издавали только один звук, одну ноту и для самого простого музыкального
произведения их требовалось не менее 50 штук. Роговые крепостные оркестры исполняли даже произведения Гайдна и Моцарта. Современники, слышавшие игру этих оркестров, восхищались необычной красотой их звучания.
В этот период дальнейшее развитие получает и давняя русская традиция хорового пения. В рукописных музыкальных альбомах XVIII века можно найти записи песен для трёх голосов, так называемых кантов. Канты были самого разного содержания: лирические, пасторальные, серенады исполнялись в домах любителей музыки на домашних вечерах.
Звучат канты "Мире лукавый", " Ах, свет мой горький"
Были канты хвалебные, их часто исполняли во время праздников, воспевая героические подвиги царя, военные победы. Были канты застольные, шутли вые.
Звучит кант " Два каплуна - хоробруна"
Вначале канты исполнялись без музыкального сопровождения, затем под аккомпанемент гитары или клавесина.
Кроме кантов исполнялись и так называемые виваты - специально сочинённые в честь военных побед канты
Звучит виват " Радуйся русской земле"
Но кроме торжественной музыки нужна была и другая музыка - для развлечений и танцев. На ассамблеях играли новые европейские танцы: менуэты, контрдансы. В кругу русского дворянства менуэт стал " королём танца". как впоследствии - вальс.
Проецируется картина Хлебовского " Ассамблея при Петре I "на фоне "Менуэта" Боккерини .
В последние годы царствования Петра зарождается концертная жизнь. В домах вельмож появляются домашние оркестры- капеллы, способные исполнять серьёзную музыку европейских композиторов. И в это же время наивысшего расцвета достигает партесный стиль хорового пения(до 12 голосов).
Звучит фрагмент " Воскресенского канона"
Поэт Державин назвал 1730 -1740 годы - " веком песен". В это время кант переходит постепенно в романс, (" российскую песню", как его вначале называли), исполняемый одним голосом.
Звучит романс Дубянского " Стонет сизый голубок"
В XVIII веке начинают собирать и обрабатывать русские народные песни, на основе которых и развивается вся русская музыка этого века. Особенно многим обязана песне русская опера.
В русской музыке XVIII века опера стала особенно значительным жанром, а самой популярной была опера комическая. Либретто для опер писали такие
известные драматурги как Сумароков, Княжнин, Крылов. Героями их становятся типичные русские персонажи: хвастливый барин - помещик, пронырливый купец, хитрый слуга, наивная, простодушная девушка. В ранних русских операх всегда присутствовали черты сатиры, обличения и морализаторства. Нравственные достоинства простых людей противопоставлялись порокам дворян. в русскую оперу с самых первых её дней проникает протест против крепостнического произвола, социального неравенства. До нашего времени дощли всего 5 опер:
" Анюта"- либретто Попова, композитор неизвестен, партитура не сохранилась.
" Розана и Любим" - - либретто Николаева, композитор Керцелли.
" Мельник - колдун, обманщик и сват" - либретто Аблесимова, музыка Соколовского - первый типичный образец русской народно- бытовой комической оперы.
" Несчастье от кареты или Санкт-Петербургский гостиный двор" - либретто Матинского, музыка Пашкевича.
" Ямщики на подставе" музыка Фомина. XIX веке.
Эти первые оперы представляли собой чередование разговорных диалогов и песенных номеров, но музыка ещё не играла в них главной роли.
В силу особых исторических обстоятельств художественная культура России в век Просвещения не выдвинула композиторов общемирового значения, но она дала ряд интересных ярких дарований, которые подготовили расцвет и всемирное признание русской музыки в XI Х веке.
Учитель подводит учащихся к решению проблемы урока и ответам на вопросы, поставленные в начале урока.
Данная статья может послужить дополнительным материалом к урокам музыки в 7-8 классах. В ней предлается материал для углубленного изучения музыкальной культуры XVII-XVIII веков. В музыке той эпохи складывается язык, на котором впоследствии "заговорит" вся Европа.
Скачать:
Предварительный просмотр:
«Музыка эпохи Просвещения»
Просветительское движение оказало значительное влияние на музыкальную жизнь. В музыке 17 – 18вв. складывается тот музыкальный язык, на котором впоследствии «заговорит» вся Европа. Первыми были Иоганн Себастьян Бах (1685 1750) и Георг Фридрих Гендель (1685 1759). Бах – великий композитор и органист, работал во всех музыкальных жанрах, кроме оперы. Он довел полифоническое искусство, возникшее в Европе в эпоху Средневековья, до совершенства. В органном творчестве полно раскрывается глубина баховской мысли, его чувств, звучит исповедь души. Среди шести поколений Бахов почти все органисты, трубачи, флейтисты, скрипачи, капельмейстеры и канторы. Жизненный путь гениального композитора – это постоянная борьба за право на творчество. Гендель, как и Бах, использовал библейские сюжеты для своих произведений.
На протяжении XVIII века в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и др.) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе». Венская классическая школа, органически впитавшая в себя передовые достижения национальных музыкальных культур, сама была явлением глубоко национальным, коренилась в демократической культуре австрийского народа. Представителями данного художественного направления были Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. ван Бетховен. Каждый из них являлся яркой индивидуальностью. Так, стиль Гайдна отличало светлое мировосприятие, ведущая роль жанрово-бытовых элементов. Для стиля Моцарта более характерным было лирико-драматическое начало. Стиль Бетховена - воплощение героического пафоса борьбы. Однако наряду с отличиями, обусловившими неповторимость индивидуальности каждого из этих композиторов, их объединяют реализм, жизнеутверждающее начало и демократичность. Мышление, ориентированное в эпоху Просвещения на рационализм и абстрактное обобщение, обусловило возникновение новых жанров: СИМФОНИЯ, СОНАТА, КОНЦЕРТ. Эти жанры имели форму сонатно-симфонического цикла, ядро которого составляло сонатное аллегро. СОНАТНОЕ АЛЛЕГРО – это пропорциональная и симметричная конструкция, состоящая из трех основных разделов – экспозиции, разработки и репризы.
Для венской классической школы был характерен художественный стиль классицизм, который возник во Франции в 17 веке. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке. Деятельность композиторов венской классической школы была подготовлена художественным опытом их предшественников и современников, включая итальянскую и французскую оперу и инструментальную культуру, достижения немецкой музыки. Огромную роль в становлении венской классической школы сыграли музыкальный быт Вены - крупнейшего музыкального центра, музыкальный фольклор многонациональной Австрии. Искусство венских классиков тесно связано с общим подъёмом австро-немецкой культуры, с просветительством, отразившим гуманистические идеалы третьего сословия в преддверии Великой французской революции. Творческие идеи венских классиков тесно соприкасаются с взглядами Г.Э. Лессинга, И.Г. Гердера, И.В. Гёте, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля, с некоторыми положениями французских энциклопедистов.
Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания. Музыка композиторов венской классической школы - это новый этап в развитии музыкального мышления. Для их музыкального языка характерны строгая упорядоченность в сочетании с внутренним разнообразием и богатством. Каждый из мастеров венской классической школы обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдну и Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки, Моцарт в равной мере проявил себя и в оперных, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, Бетховен - к героике, Моцарт, будучи универсальным художником - к разнообразным оттенкам лирического переживания. Творчество композиторов венской классической школы, принадлежащее к вершинам мировой художественной культуры, оказало огромное влияние на дальнейшее развитие музыки.
Наиболее сложная форма инструментальной музыки – СИМФОНИЯ (греч. «созвучие»). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве представителей венской классической школы. Композиторы разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья - контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu - «маленький, мелкий»), распространённого салонного танца XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от итал. scherzo - «шутка») - так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть - финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения. Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. СОНАТНАЯ ФОРМА - это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная - либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа - экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от лат. expositio - «изложение, показ»). Главная звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности всего сочинения. Побочная тема обычно излагается в иной тональности - между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя «сопернице» полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например, будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменяют характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre - «возобновлять, повторять») темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако побочная тема звучит уже в основной тональности, таким образом, приходя к единству с главной. Реприза - итог сложного пути, к которому темы приходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе - коде (от итал. coda - «хвост»), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале.
Один из основных жанров инструментальной музыки – СОНАТА (итал. sonata, от sonare - «звучать»). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья - финал, исполняемый в быстром темпе. Он подводит итоги и окончательно определяет общий характер произведения.
Основателем венской классической школы принято считать Йозефа Гайдна. С творчеством Гайдна связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него сто четыре, не считая утерянных), струнный квартет (восемьдесят три), клавирная соната (пятьдесят две). Большое внимание уделял композитор концертам для различных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыке.
Родился Франц Йозеф Гайдн в деревне Рорау (Австрия) в семье каретного мастера. С восьми лет он стал петь в капелле Святого Стефана в Вене. Будущему композитору приходилось зарабатывать на жизнь перепиской нот, игрой на органе, клавире и скрипке. В семнадцать лет Гайдн потерял голос и был исключён из капеллы. Только через четыре года он нашёл постоянную работу - устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперному композитору Николе Порпоре (1686-1768). Тот оценил музыкальное дарование Гайдна и стал преподавать ему композицию. В 1761г. Гайдн поступил на службу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провёл при их дворе в качестве композитора и руководителя капеллы почти тридцать лет. В 1790г. капелла была распущена, но за Гайдном сохранили оклад и должность капельмейстера. Это дало мастеру возможность поселиться в Вене, путешествовать, выступать с концертами. В 90-х гг. Гайдн подолгу жил и плодотворно работал в Лондоне. Он приобрёл европейскую известность, его творчество по достоинству оценили современники - композитор стал обладателем множества почётных степеней и званий. Йозефа Гайдна часто называют «отцом» симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки. В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким образом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первоначальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта особенность личности отразилась в музыке. Во многих симфониях ритмика третьей части (менуэта) нарочито тяжеловесна, словно автор пытается изобразить неуклюжие попытки простолюдина повторить элегантные движения галантного танца. Остроумна симфония №94 (1791г.). В середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются удары литавр - чтобы слушатели «не скучали». Не случайно произведение назвали «С боем литавр, или Сюрприз». Гайдн нередко использовал приём звукоподражания (поют птицы, бродит по лесу медведь и т.п.). В симфониях композитор часто обращался к народным темам.
Представителям венской классической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде композиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра - яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки. Эти правила основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого - не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестр.
Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории («Сотворение мира», 1798г.; «Времена года», 1801г.).
С момента своего появления опера не знала перерывов в развитии. Оперная реформа второй половины 18 в. была во многом литературным движением. Ее прародителем стал французский писатель и философ Ж.Ж. Руссо. Руссо занимался также музыкой, и если в философии он призывал вернуться к природе, то в оперном жанре ратовал за возвращение к простоте. Идея реформы носилась в воздухе. Расцвет разных видов комической оперы был одним из симптомов; другим явились Письма о танце и балетах французского хореографа Ж. Новера (1727–1810), в которых развивалась идея балета как драмы, а не просто зрелища. Человеком, который воплотил реформу в жизнь, стал К.В. Глюк (1714–1787). Подобно многим революционерам, Глюк начинал свой как приверженец традиции. В течение ряда лет он ставил одну за другой трагедии в старом стиле и обращался к комической опере скорее под давлением обстоятельств. Опера в Вене разделилась на три основных направления. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria), где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской комедии (commedia dell" arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного немецкого языка. Еще до того, как началась оперная карьера Моцарта, Глюк выступал за возврат к простоте оперы XVII века, сюжеты которой не приглушались длинными сольными ариями, задерживающими развитие действия и служившими для певцов лишь поводами для демонстрации силы своего голоса.
Силой своего таланта Моцарт объединил эти три направления. Еще подростком он написал по одной опере каждого вида. Будучи зрелым композитором, он продолжал работать во всех трех направлениях, хотя традиция opera seria увядала. Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека («Буря и натиск», отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.
Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт - музыкант капеллы Зальцбургского архиепископа. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровизатор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать создал первую оперу «Аполлон и Гиацинт», а в четырнадцать уже дирижировал в театре Милана на премьере собственной оперы «Митридат, царь Понтийский». Примерно в это же время его избрали членом Филармонической академии в Болонье. Как и многие музыканты той эпохи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781гг.) - был концертмейстером и органистом у архиепископа города Зальцбурга. Однако независимый характер мастера вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром). Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения - целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Моцарт не стремился к созданию новой оперной формы - новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую - появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные. Моцарт часто обращался к литературным источникам. Так опера «Свадьба Фигаро» (1786г.) написана по пьесе французского драматурга П.О. Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро», которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы - любовь, что, впрочем, можно сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения, а всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и одураченному аристократу) вызывает сочувствие автора - совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых. В опере «Дон Жуан» (1787г.) получил музыкальное воплощение средневековый сюжет о покорителе женских сердец. Энергичному, темпераментному, своевольному и свободному от всех нравственных норм герою противостоит в лице Командора высшая сила, олицетворяющая разумный порядок. Философское обобщение соседствует здесь с любовными интригами и жанрово-бытовыми элементами. Трагическое и комическое образуют неразрывное единство. Эту особенность оперы подчеркнул и сам автор, дав своему сочинению подзаголовок «Весёлая драма». Казалось бы в финале справедливость торжествует - порок (Дон Жуан) наказан. Но музыка оперы тоньше и сложнее такого упрощённого понимания произведения: она вызывает у слушателя сочувствие к герою, оставшемуся верным себе даже перед лицом смерти. Философская сказка-притча «Волшебная флейта» (1791г.) написана в жанре зингшпиля. Основная идея произведения - неизбежность победы добра над злом, призыв к стойкости духа, к любви, к понимаю её высшего смысла. Герои оперы подвергаются серьёзным испытаниям (молчанием, огнём, водой), но достойно преодолевают их и достигают царства красоты и гармонии.
Моцарт главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Основными портретными характеристиками остались арии, а о взаимоотношениях героев рассказывается в вокальных ансамблях. Композитор сумел передать в ансамблях особенности характера каждого персонажа. Моцарт стал и одним из создателей жанра классического КОНЦЕРТА. В основе концерта соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. Композитору принадлежит двадцать семь концертов для фортепиано с оркестром, семь для скрипки с оркестром. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других драматизм и эмоциональные контрасты. Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыка реквиема (1791г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Части сочинения, напоминающие оперные арии и ансамбли, делают музыку очень эмоциональной, а полифонические (прежде всего «Господи, помилуй!») олицетворяют духовное начало, высшую справедливость. Главный образ реквиема - страдающий человек перед лицом сурового Божественного правосудия. Мастер так и не успел дописать реквием, он был доработан по наброскам композитора его учеником Ф.К. Зюсмайром.
Исторически к венской школе относится творчество Людвига ван Бетховена (1770-1827), эстетические идеалы которого сложились в эпоху Французской буржуазной революции. В связи с этим в его творчество вошла героическая тема. «Музыка должна высекать огонь из груди человеческой» - это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой - запечатлело черты нового романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена - возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма – смелый эксперимент в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре. Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист К.Г. Нефе. Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом придворным органистом, концертмейстером в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием. В 1792г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Й. Гайдна, И.Г. Альбрехтсбергера, А. Сальери (крупнейших музыкантов той эпохи). Альбрехтсбергер познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии. Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным. Его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.
Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг - он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни и в 1802г. приготовил завещание, где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы писать музыку дальше. Выходом из кризиса стала Третья («Героическая») симфония. В 1803-1808гг. композитор также работал над созданием сонат; в частности Девятой для скрипки и фортепиано (1803г.; посвящена парижскому скрипачу Рудольфу Крейцеру, поэтому получила название «Крейцерова»), Двадцать третьей («Аппассионатой») для фортепиано, Пятой и Шестой симфониями (обе 1808г.). Шестая («Пасторальная») симфония имеет подзаголовок «Воспоминание о сельской жизни». Это произведение рисует различные состояния человеческой души, отстранившейся на время от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передаёт чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычна её структура - пять частей вместо четырёх. В симфонии есть элементы изобразительности, звукоподражания (поют птицы, гремит гром и т.д.). Находки Бетховена впоследствии использовались многими композиторами-романтиками. Вершиной симфонического творчества Бетховена стала Девятая симфония. Задумана она была ещё в 1812г., но работал над ней композитор с 1822 по 1823г. Симфония грандиозна по масштабам; особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды «К радости» И.Ф Шиллера. Премьера симфонии состоялась в 1825г. в Венском оперном театре. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы. При жизни Бетховена Девятая симфония для многих осталась непонятной; ею восторгались лишь те, кто близко знал композитора, его ученики и просвещённые в музыке слушатели. Со временем симфонию стали включать в свой репертуар лучшие оркестры мира, и она обрела новую жизнь.
Итак, вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. Они работали преимущественно в Вене и образовали направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую школу. Отметим, что классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции, так как они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской классической школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма вначале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.
Эпоха Просвещения и оперное искусство 18 века.
Новый этап развития сознания человека - Эпоху Просвещения - подготовили многие события. Великая промышленная революция в Англии и Великая французская революция послужили провозвестником нового порядка вещей, при котором движущей силой развития общества выступают научные и культурные идеи, а главным субъектом исторических преобразований, его зачинщиком является интеллигенция. С тех пор ни одного крупного события в Европе не проходило без руководящей роли или непосредственного участия именно этого слоя населения Просвещение создало новый тип людей - интеллигентов, людей науки и культуры Они рекрутировались из всех слоев общества, но прежде всего из третьего сословия, вышедшего на арену истории и заявившего о себе и в искусстве. Утверждение просветительных идей шло во многом от имени этого сословия. Подход к жизни и мировосприятие определял разум. Разумный подход к жизни одновременно призывал к добродетелям человека и создавал человека практичного и предприимчивого. Рассудительность, честность, трудолюбие и великодушие - вот основные достоинства положительного героя просветительской драмы и романа.
Основные события того времени - Французская революция и Декларация независимости США, открытие новой планеты Уран и музыка Бетховена, Гайдна, Моцарта, оперы Глюка и эволюционная теории развития и множества видов Ламарка и многое другое.
В разных странах эпоха Просвещения наступила не в одно и то же время. Первой в новую эру вступила Англия - в конце XVII века. В середине XVIII века центр нового мышления переместился во Францию. Просвещение явилось завершением мощного революционного всплеска, захватившего ведущие страны Запада. Правда, то были мирные революции: промышленная - в Англии, политическая - во Франции, философско-эстетическая - в Германии. За сто лет - с 1689 по 1789 год - мир изменился до неузнаваемости.
Важнейшими представителями культуры Просвещения являются: Вольтер, Ж.-Ж. Руссо, Ш. Монтескье, К.А. Гельвеций, Д. Дидро во Франции, Дж. Локк в Великобритании, Г.Э. Лессинг, И.Г. Гердер, И.В. Гете, ф. Шиллер в Германии, Т. Пейн, Б. Франклин, Т. Джефферсон в США, Н.И. Новиков, А.Н. Радищев в России.
В своих высших проявлениях буржуазная культура в XVIII столетии выразила себя через научную идеологию. В философии Просвещение выступало против всякой метафизики, способствуя развитию естествознания и вере в социальный прогресс. Эпоху Просвещения называют еще именами великих философов: во Франции - веком Вольтера, в Германии - веком Канта, в России - веком Ломоносова и Радищева. Просвещение во Франции связано с именами Вольтера, Жан-Жака Руссо, Дени Дидро, Шарля Луи Монтескье, Поля Анри Гольбаха и др. Целый этап просветительского движения Франции связан с именем великого французского писателя и философа Ж.-Ж. Руссо (1712-1778). В "Рассуждениях о науках и искусствах" (1750) Руссо впервые сформулировал главную тему своей социальной философии - конфликт между современным обществом и человеческой природой. О нём мы ещё вспомним в разговоре об опере.
Философия Просвещения в Германии формировалась под влиянием Христиана Вольфа (1679-1754), систематизатора и популяризатора учения Г. Лейбница.
Огромное воздействие на целую эпоху в истории культуры Германии и на развитие европейской культуры в целом оказало немецкое литературное движение 70-80-х годов XVIII века "Буря и натиск" ("Sturm und Drang"; название по одноименной драме Ф. М. Клингера), заявившее о стремлении изменить моральные и общественные нормы.
Великий немецкий поэт, драматург и теоретик искусства Просвещения Фридрих Шиллер наряду с Г. Э. Лессингом и И. В. Гете явился основоположником немецкой классической литературы. Особая роль в становлении немецкого Просвещения принадлежит великому поэту и писателю Иоганну Вольфгангу Гете. Искусство, в том числе и музыка, всегда выражало идеи эпохи.
"Нет ничего выше и прекраснее, чем давать счастье многим людям!" - Людвиг ван Бетховен.
Ответом на всё, что происходило в мире, в искусстве появились новые направления. Эпоху Просвещения характеризует противостояние двух стилей-антагонистов - классицизма, основанного на рационализме и возвращении к идеалам античности и возникшего как реакция на него романтизма, исповедующего чувственность, сентиментализм, иррациональность. Барокко, классицизм и романтизм проявили себя во всем - от литературы до живописи, скульптуры и архитектуры, а рококо - в основном только в живописи и скульптуре.
Барокко как художественному стилю, развившемуся в Европе в 1600 - 1750 гг., присущи выразительность, пышность, динамика. Искусство барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей, подчеркивало драматичность душевных переживаний человека в современном мире. Высочайшими достижениями представлена барочная культура в изобразительном искусстве (Рубенс, Ван Дейк, Веласкес, Рибера, Рембрандт), в архитектуре (Бернини, Пюже, Куазевокс), в музыке (Корелли, Вивальди).
Во французском искусстве 18 в. ведущим направлением стало рококо. Всё искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства - игривого, насмешливого, вычурного, дразнящего чувства. Не случайно происхождение термина "рококо" возводят к слову "раковина" (фр. rocaille).
Основное же направление - Классицизм, относимый исследователями к культуре Нового Времени, как стиль и мировоззрение сформировался под эгидой идей, свойственных эпохе Возрождения, но сузив и несколько изменив основные критерии. Классицизм апеллировал не к античности в целом, а непосредственно к древнегреческой классике - наиболее гармоничному, соразмерному и спокойному периоду в истории древнегреческой цивилизации. Классицизм заметнее всего был взят "на вооружение" абсолютистскими государствами; руководителям которых импонировала идея величавого порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Государственные власти претендовали на разумность данного общественного устройства, хотели, чтобы в нем видели объединяющее, героически-возвышенное начало. Идеи "долга", "служения" стали важнейшими в этике и эстетике классицизма. Он, в противовес барокко, актуализировал другую сторону гуманистических идеалов - стремление к разумному, гармоническому строю жизни. Закономерно, что в эпоху национального сплочения, преодоления феодальной раздробленности подобная идея жила в самих недрах народного сознания. Зарождение классицизма обычно связывают с французской культурой. В эпоху Людовика XIV этот стиль обретает строгие, незыблемые формы.
Духовная музыка этого периода - музыка печали, но это не вселенская скорбь барокко, а светлая грусть классицизма. Если в мессах барокко звучание плотно и насыщено густыми полифоническими линиями голосов, то в музыке классицизма звучание легко и прозрачно - только щемящие диссонансы и меланхолический минор иногда омрачают его. Духовная музыка композиторов-классиков - это по сути музыка светская, музыка нового классического века. Джованни Перголези (умер очень молодым, в 26 лет) был первым, кто услышал и понял, какой она должна быть.. Stabat Mater - его последнее сочинение, которое больной композитор мог адресовать самому себе. Свет и надежда, проглядывающие сквозь печаль Stabat Mater, еще раз напоминают об известном выражении, которым философы ХХ века характеризовали век Просвещения: "Классицизм - это мужество невозможного".
В прочих жанрах философия эпохи Просвещения также нередко находила отражение. Например, по указаниям Моцарта в пьесу "Похищение из сераля" были внесены многочисленные изменения, настолько значительные, что либреттист Бретцнер дважды протестовал в газетах против ее якобы искажения. Решительно изменился образ Селима; небольшая по объему, его роль приобрела важный идейный смысл. У Бретцнера Селим узнает в Бельмонте своего пропавшего сына и отпускает пленников на свободу. У Моцарта магометанин, "дикарь", дитя природы дает христианам урок высокой морали: он отпускает на волю сына своего кровного врага, говоря о радости платить благодеянием за причиненное зло. Такой поступок был совершенно в духе просветительской философии и идеалов Руссо.
Оперное искусство 18 века
С тех пор, как появилась, опера не знала перерывов в своем развитии. Оперная реформа второй половины 18 в. была во многом литературным движением. Ее прародителем стал французский писатель и философ Ж.Ж.Руссо. Руссо занимался также музыкой, и если в философии он призывал вернуться к природе, то в оперном жанре ратовал за возвращение к простоте. В 1752, за год до прошедшей с успехом парижской премьеры Служанки-госпожи Перголези, Руссо сочинил собственную комическую оперу Деревенский колдун, за которой последовали язвительные Письма о французской музыке, где главным предметом нападок стал Рамо. Идея реформы носилась в воздухе. Расцвет разных видов комической оперы был одним из симптомов; другим явились Письма о танце и балетах французского хореографа Ж. Новера (1727-1810), в которых развивалась идея балета как драмы, а не просто зрелища. Человеком, который воплотил реформу в жизнь, стал К.В.Глюк (1714-1787). Подобно многим революционерам, Глюк начинал свой как приверженец традиции. В течение ряда лет он ставил одну за другой трагедии в старом стиле и обращался к комической опере скорее под давлением обстоятельств, чем по внутреннему побуждению. В 1762 он познакомился с Р. ди Кальцабиджи (1714-1795), другом Казановы, которому было суждено вернуть оперные либретто к идеалу естественной выразительности, выдвинутому Флорентийской камератой. Оперное искусство разных стран обладает своими особенностями. Италия. После Монтеверди в Италии один за другим появились такие оперные композиторы, как Кавалли, Алессандро Скарлатти (отец Доменико Скарлатти, крупнейший из авторов произведений для клавесина), Вивальди и Перголези.
Расцвет комической оперы. Из Неаполя берет свое начало еще один вид оперы - опера-буффа (opera-buffa), возникшая как закономерная реакция на оперу-сериа. Увлечение этим видом оперы быстро охватило города Европы - Вену, Париж, Лондон. От своих прежних властителей - испанцев, которые правили Неаполем с 1522 по 1707, город получил в наследство традицию простонародной комедии. Порицаемая строгими педагогами в консерваториях, комедия, однако, увлекала студентов. Один из них, Дж. Б. Перголези (1710-1736), в возрасте 23 лет написал интермеццо, или маленькую комическую оперу Служанка-госпожа (1733). И прежде композиторы сочиняли интермеццо (их обычно играли между актами оперы-сериа), однако творение Перголези имело сногсшибательный успех. В его либретто речь шла не о подвигах древних героев, а о вполне современной ситуации. Основные персонажи принадлежали к типам, известным по "комедии дель арте" - традиционной итальянской комедии-импровизации со стандартным набором комических амплуа. Жанр оперы-буффа получил замечательное развитие в творчестве таких поздних неаполитанцев, как Дж. Паизиелло (1740-1816) и Д. Чимароза (1749-1801), не говоря уже о комических операх Глюка и Моцарта. Франция. Во Франции на смену Люлли пришел Рамо, господствовавший на оперной сцене всю первую половину 18 века.
Французской аналогией оперы-буффа явилась "комическая опера" (opera comique). Такие авторы, как Ф. Филидор (1726-1795), П. А. Монсиньи (1729-1817) и А. Гретри (1741-1813), приняли близко к сердцу перголезиевскую насмешку над традициями и выработали собственную модель комической оперы, которая в соответствии с галльскими вкусами предусматривала введение разговорных сцен вместо речитативов. Германия. Считается, что в Германии опера была менее развита. Дело в том, что многие немецкие оперные композиторы работали за пределами Германии - Гендель в Англии, Гассе в Италии, Глюк в Вене и Париже, в то время как немецкие придворные театры были оккупированы модными итальянскими труппами. Зингшпиль, местный аналог оперы-буффа и французской комической оперы, начал свое развитие позже, чем в латинских странах. Первым образцом этого жанра стал "Черт на свободе" И. А. Хиллера (1728-1804), написанный в 1766, за 6 лет до моцартовского Похищения из сераля. По иронии судьбы великие немецкие поэты Гёте и Шиллер вдохновляли не отечественных, а итальянских и французских оперных композиторов.
Романтизм соединился с зингшпилем в Фиделио - единственной опере Л. ван Бетховена (1770-1827). Убежденный сторонник идеалов равенства и братства, выдвинутых Великой французской революцией, Бетховен выбрал сюжет о верной жене, избавляющей от тюрьмы и казни несправедливо осужденного мужа. Композитор необычайно тщательно отделывал оперную партитуру: он закончил Фиделио в 1805, сделал вторую редакцию в 1806 и третью - в 1814. Однако оперный жанр ему не удавался; до сих пор не решено: то ли Бетховену удалось все-таки преобразить зингшпиль в замечательную оперу, то ли Фиделио - это грандиозный провал.
Немецкий композитор Георг Филипп Телеман (1681-1767) сыграл видную роль в развитии оперного театра. Главной чертой его оперного творчества является стремление к музыкальной характеристике персонажей инструментальными средствами. В этом смысле Телеман являлся непосредственным предшественником Глюка и Моцарта. За свою более чем 70-летнюю творческую деятельность Телеман создал во всех известных в то время музыкальных жанрах и в различных стилях существовавшей в 18 веке музыки. Одним из первых он отходит от стиля так называемого "немецкого барокко" и начинает сочинять в "галантном стиле", подготовляя почву для возникающего нового направления музыкального искусства, которое приведёт к классическому стилю венской школы. Он написал более 40 опер. Австрия. Опера в Вене разделилась на три основных направления. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria), где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской комедии (commedia dell" arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного немецкого языка. Еще до того, как началась оперная карьера Моцарта, Глюк выступал за возврат к простоте оперы XVII века, сюжеты которой не приглушались длинными сольными ариями, задерживающими развитие действия и служившими для певцов лишь поводами для демонстрации силы своего голоса.
Силой своего таланта Моцарт объединил эти три направления. Еще подростком он написал по одной опере каждого вида. Будучи зрелым композитором, он продолжал работать во всех трех направлениях, хотя традиция opera seria увядала. Французская революция завершила дело, начатое памфлетами Руссо. Как ни парадоксально, но диктатура Наполеона стала последним взлетом оперы-сериа. Появились такие произведения, как Медея Л. Керубини (1797), Иосиф Э. Мегюля (1807), Весталка Г. Спонтини (1807). Постепенно уходит и комическая опера, а на смену ей в творчестве некоторых композиторов появляется новый тип оперы - романтическая.
Музыка барокко - период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами. Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке классицизма. Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660-1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И. С. Баха и Генделя; оперы и оратории часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo. Такие формы духовной музыки, как месса и мотет, стали менее популярны, но форме кантаты уделили внимание множество протестантских композиторов, в том числе Иоганн Бах. Развились такие виртуозные формы сочинения, как токкаты и фуги.
Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями.
Произведения для клавишных довольно часто писались композиторами для собственного развлечения или в качестве обучающего материала. Такими работами являются зрелые сочинения И. С. Баха, общепризнанные интеллектуальные шедевры эры барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».
17. Музыка эпохи Просвещения (реализм, романтизм, импрессионизм).
В эпоху Просвещения происходит небывалый взлет музыкального искусства. После реформы, проведенной К.В.Глюком (1714–1787), опера становится синтетическим искусством, соединяющим в одном спектакле музыку, пение и сложное драматическое действие. На высшую ступень классического искусства поднял Ф. Й.Гайдн (1732–1809) инструментальную музыку. Вершиной музыкальной культуры Просвещения является творчество И.С.Баха (1685–1750) и В.А.Моцарта (1756–1791). Особенно ярко просветительский идеал проступает в опере Моцарта «Волшебная флейта» (1791), которую отличает культ разума, света, представление о человеке как о венце Вселенной. Оперное искусство 18 века Оперная реформа второй половины 18 в. была во многом литературным движением. Ее прародителем стал французский писатель и философ Ж.Ж.Руссо.
18. Жанровое разнообразие эпохи Возрождения (барокко, классицизм).
В развитии классицизма отмечают два исторических этапа. Выросший из искусства Возрождения классицизм XVII века развивался одновременно с барокко, отчасти в борьбе, отчасти во взаимодействии с ним, и в этот период наибольшее развитие получил во Франции. Поздний классицизм, связанный с Просвещением, приблизительно с середины XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде всего с венской классической школой.
Сложные взаимоотношения классицизма и барокко ещё в начале XX века породили дискуссию: многие музыковеды, прежде всего в Германии, рассматривают барокко как единый стиль европейской музыки между Возрождением и Просвещением - приблизительно до середины XVIII века, до И. С. Баха и Г. Ф. Генделя включительно. Во Франции, на родине классицизма, некоторые музыковеды, напротив, склонялись к чрезмерно расширительному толкованию этого понятия, рассматривая стиль барокко как одно из частных проявлений классицизма.
Периодизация эпох осложнена тем обстоятельством, что в различных национальных культурах музыкальные стили получали распространение в разное время; бесспорным является то, что в середине XVIII века классицизм восторжествовал практически повсеместно. К этому направлению принадлежат, в частности, реформаторские оперы К. В. Глюка, ранняя венская и мангеймская школы. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы - с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена.
Классицизм как художественное направление сложился во Франции в первой половине XVII века: возникший ещё в эпоху Возрождения интерес к античной культуре, породивший в различных видах искусства подражания античным образцам, в абсолютистской Франции превратился в нормативную эстетику, основанную на «Поэтике» Аристотеля и дополнившую её рядом специальных жёстких требований.
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты, с симфонии.
Эпоха Просвещения в литературе охватывает столетний период с 1688 по 1789 годы. Родиной Просвещения стала Англия, где в 1688 году произошла Славная революция, в результате которой к власти пришла буржуазия. Просветительство выражает идеи нового сословия – буржуазии, в его основе лежит рационализм. В любом литературном произведении эпохи Просвещения должны соблюдаться три условия: занимательность сюжета, поучительность и иносказательный характер повествования.
Просвещение в английской литературе
В английской литературе Просвещение проходит несколько этапов.
В 20-30-е годы XVIII века в литературе господствует проза, популярность приобретает роман приключений, путешествий. В это время создавали свои знаменитые произведения Даниэль Дефо и Джонатан Свифт. Даниэль Дефо всю жизнь отдал торговле и журналистике, очень много путешествовал, хорошо знал море, свой первый роман он выпустил в 1719 году. Им стал роман «Робинзон Крузо». Толчком к созданию романа стала однажды прочитанная Дефо заметка в журнале о шотландском моряке, который был высажен на необитаемый остров и за четыре года одичал настолько, что утратил человеческие навыки. Дефо же переосмыслил эту идею, его роман стал гимном труду человека из низов. Даниэль Дефо стал создателем жанра романа Нового Времени как эпоса частной жизни отдельного человека. Джонатан Свифт был современником и литературным противником Дефо. Свой роман «Путешествие Гулливера» Свифт написал как пародию на «Робинзона Крузо», в корне не принимая социального оптимизма Дефо. В 40-60-е годы XVIII века в литературе происходит расцвет жанра социально-бытового нравоучительного романа воспитания. Литературными фигурами этого периода являются Генри Филдинг и Сэмюэл Ричардсон. Самый известный роман Филдинга – «История Тома Джонса, найдёныша». В нём показано становление героя, который много ошибается в жизни, но всё же делает выбор в пользу добра. Свой роман Филдинг задумывал как полемику на роман Ричардсона «Кларисса, или История молодой леди», в котором главную героиню Клариссу соблазняет сэр Роберт Ловелас, чья фамилия впоследствии стала нарицательной. В 70-90-е годы XVIII века просветительский реализм вытесняется сентиментализмом, где первостепенная роль в восприятии мира отводится ощущениям. Сентиментализм критикует цивилизацию, в его основе лежит культ природы, сентименталистов человек интересует сам по себе, вне его общественного положения. Среди сентиментальных романов выделяются романы «Жизнь и убеждения Тристрама Шенди» и «Сентиментальное путешествие» Лоренса Стерна. Чрезвычайно интересна и «кладбищенская» поэзия английских поэтов Томаса Грея, Джеймса Томпсона, Эдварда Юнга. В недрах сентиментализма созревает предромантизм. К 90-м годам XVIII века в Англии возрастает интерес к старине, к Средневековью, появляется так называемый «готический» роман. Это псевдорыцарский роман, роман тайн и ужасов. Основателем жанра готического романа является Хорас Уолпол, действие его романа «Замок Отранто» происходит в эпоху первого крестового похода. Эту традицию в литературе продолжают Анна Радклиф и Мэтью Грегори Льюис.
Просвещение во французской литературе
Во французской литературе Просвещение также проходит несколько этапов.1715-1751 годы – время господства просветительского классицизма. В это время появляются романы «Кандид» Вольтера и «Персидские письма» Шарля Луи де Монтескье. 1751-1780 годы – во французской литературе преобладает просветительский реализм, в это время появляются знаменитые комедии Пьера Бомарше «Севильский цирюльник» и «Женитьба Фигаро». Во французской литературе, как и в английской, в это время возникает сентиментализм, основоположником которого во Франции является Жан-Жак Руссо.
Просвещение в немецкой литературе
В немецкой литературе главными фигурами Просвещения являются Иоганн Вольфганг Гёте и Фридрих Шиллер. Последний известен своими пьесами «Разбойники» и «Коварство и любовь», а вклад Гёте в классическую литературу, я думаю, известен каждому. И хотя Просвещение пришло в Германию позже, чем в другие страны, оно породило величайшие литературные произведения. Помимо великого «Фауста», у Гёте стоит почитать ещё самый ранний его роман «Страдания юного Вертера» и поэтический сборник «Римские элегии».
По моему мнению, наибольший интерес представляет английское Просвещение. Оно содержит гораздо меньше революционных идей, чем, к примеру, французское. К тому же английское Просвещение открыло для меня истоки готического романа и прозу сентименталистов. В недрах английского Просвещения возник предромантизм, который позже перерос в эпоху Романтизма, которая является, пожалуй, одной из самых интересных эпох в истории мировой литературы.
В эпоху Просвещения происходит небывалый взлет музыкального искусства. После реформы, проведенной К.В.Глюком (1714–1787), опера становится синтетическим искусством, соединяющим в одном спектакле музыку, пение и сложное драматическое действие. На высшую ступень классического искусства поднял Ф.Й.Гайдн (1732–1809) инструментальную музыку. Вершиной музыкальной культуры Просвещения является творчество И.С.Баха (1685–1750) и В.А.Моцарта (1756–1791). Особенно ярко просветительский идеал проступает в опере Моцарта «Волшебная флейта» (1791), которую отличает культ разума, света, представление о человеке как о венце Вселенной.
Оперная реформа второй половины 18 в. была во многом литературным движением. Ее прародителем стал французский писатель и философ Ж.Ж.Руссо. Руссо занимался также музыкой, и если в философии он призывал вернуться к природе, то в оперном жанре ратовал за возвращение к простоте. В 1752, за год до прошедшей с успехом парижской премьеры Служанки-госпожи Перголези, Руссо сочинил собственную комическую оперу Деревенский колдун, за которой последовали язвительные Письма о французской музыке, где главным предметом нападок стал Рамо.
Италия. После Монтеверди в Италии один за другим появились такие оперные композиторы, как Кавалли, Алессандро Скарлатти (отец Доменико Скарлатти, крупнейший из авторов произведений для клавесина), Вивальди и Перголези.
Расцвет комической оперы. Из Неаполя берет свое начало еще один вид оперы – опера-буффа (opera-buffa), возникшая как закономерная реакция на оперу-сериа. Увлечение этим видом оперы быстро охватило города Европы – Вену, Париж, Лондон. От своих прежних властителей – испанцев которые правили Неаполем с 1522 по 1707, город получил в наследство традицию простонародной комедии. Порицаемая строгими педагогами в консерваториях, комедия, однако, увлекала студентов. Один из них, Дж. Б. Перголези (1710–1736), в возрасте 23 лет написал интермеццо, или маленькую комическую оперу Служанка-госпожа (1733). И прежде композиторы сочиняли интермеццо (их обычно играли между актами оперы-сериа), однако творение Перголези имело сногсшибательный успех. В его либретто речь шла не о подвигах древних героев, а о вполне современной ситуации. Основные персонажи принадлежали к типам, известным по “комедии дель арте” – традиционной итальянской комедии-импровизации со стандартным абором комических амплуа. Жанр оперы-буффа получил замечательное развитие в творчестве таких поздних неаполитанцев, как Дж. Паизиелло (1740–1816) и Д. Чимароза (1749–1801), не говоря уже о комических операх Глюка и Моцарта. Франция. Во Франции на смену Люлли пришел Рамо, господствовавший на оперной сцене всю первую половину 18 века. Французской аналогией оперы-буффа явилась “комическая опера” (opera comique). Такие авторы, как Ф. Филидор (1726–1795), П. А. Монсиньи (1729–1817) и А. Гретри (1741–1813), приняли близко к сердцу перголезиевскую насмешку над традициями и выработали собственную модель комической оперы, которая в соответствии с галльскими вкусами предусматривала введение разговорных сцен вместо речитативов. Германия. Считается, что в Германии опера была менее развита. Дело в том, что многие немецкие оперные композиторы работали за пределами Германии – Гендель в Англии, Гассе в Италии, Глюк в Вене и Париже, в то время как немецкие придворные театры были оккупированы модными итальянскими труппами. Зингшпиль, местный аналог оперы-буффа и французской комической оперы, начал свое развитие позже, чем в латинских странах. Первым образцом этого жанра стал "Черт на свободе" И. А. Хиллера (1728–1804), написанный в 1766, за 6 лет до моцартовского Похищения из сераля. По иронии судьбы великие немецкие поэты Гёте и Шиллер вдохновляли не отечественных, а итальянских и французских оперных композиторов. Австрия. Опера в Вене разделилась на три основных направления. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria), где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской комедии (commedia dell" arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного немецкого языка. Еще до того, как началась оперная карьера Моцарта, Глюк выступал за возврат к простоте оперы XVII века, сюжеты которой не приглушались длинными сольными ариями, задерживающими развитие действия и служившими для певцов лишь поводами для демонстрации силы своего голоса. Силой своего таланта Моцарт объединил эти три направления. Еще подростком он написал по одной опере каждого вида. Будучи зрелым композитором, он продолжал работать во всех трех направлениях, хотя традиция opera seria увядала.