Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?
Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.
Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.
Они почему-то полагают, что художник - это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.
Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.
Смело скажу - это все чепуха! Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!
Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.
Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.
1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin
Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.
Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.
Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером
В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству , бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.
Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.
Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.
Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.
Картины Поля Гогена
Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.
2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)
История этого мастера - в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.
При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях . А затем начал писать картины на собственные сюжеты.
В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.
Картина Джека Веттриано
Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это - без академического образования - в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.
3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau
Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.
В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.
Картины Анри Руссо
Ещё при жизни художника его картины высоко оценили , Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.
4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo
Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.
Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.
Картина Мориса Утрилло
Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции . После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.
5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck
Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе - родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.
Картина Мориса де Вламинка
До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.
6. Аймо Катаяйнен /Aim o Katajainen
Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.
Картины Аймо Катаяйнен
Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.
7. Иван Генералич / Ivan Generalić
Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.
Картина Ивана Генералича
После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.
8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же Бабушка Мозес)
Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.
Картина Анны Мозес
Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена . Примечательно, что прожила художница 101 год!
9. Екатерина Медведева
Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.
Картина Екатерины Медведевой
10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson
Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет , а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.
Картины Кирона Уильямса
Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.
11. Пол Ледент / Pol Ledent
Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.
Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.
Картины Пола Ледента
По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов. Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.
12. Хорхе Масьел / JORGE MACIEL
Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и красочные натюрморты.
Картины Хорхе Масьел
Этот список художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).
Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!
Все они - подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.
Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта - об этом мы уже говорили .. Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.
Bсе ли картины вставляют в рамы?
Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920
1 из 2Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884
2 из 2Цитата из книги
«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам - дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.
Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.
Он разрушил эти стены!
Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.
Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»
Комментарий
Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более - практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации - все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины - как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама - обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.
Почему все плоское?
Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.
1 из 2Жан Метценже. Стол у окна. 1917
2 из 2Цитата из книги
«Не все предметы искусства выглядят объемными.
Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, - имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.
В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.
Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.
Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.
В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.
Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.
<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?
Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».
Комментарий
Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность - грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно - кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива - европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно - как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.
Почему в искусстве так много голых людей?
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486
1 из 2Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960
2 из 2Цитата из книги
«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.
Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.
Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.
В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!
Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.
В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».
Комментарий
Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок - что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем - среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию - интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, - как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве - и, по разным причинам, именно женское - самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело - это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело - это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.
Нужно ли знать сюжет картин?
Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852
1 из 2Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991
2 из 2Цитата из книги
«Истории рассказываются во всех видах искусства - от живописи и скульптуры до кино.
Произведение искусства - это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.
Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.
<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.
Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.
За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.
Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!
Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».
Комментарий
В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты - и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян - переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.
Кто все эти люди?
Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929
1 из 2Марк Куинн. Я. 2006
2 из 2Цитата из книги
«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?
В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.
<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.
И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!
<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.
По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».
Комментарий
Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, - правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.
Зачем на картинах фрукты?
Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899
1 из 3Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670
2 из 3Джон Лорбир. Тарзан/Стоящая нога. 2002
3 из 3Цитата из книги
«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?
В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.
Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.
Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…
Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача - копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!
Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.
<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп - символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!
Натюрморт - это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.
<…> Джон Лорбир - оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.
Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.
Комментарий
Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт - это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт - как это, например, делали многие импрессионисты, - это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия - но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна - но при этом нужно помнить, что это большая редкость.
Жизнь творческих людей всегда в той или иной мене окружена не только флером таинственности, но и разного рода кривотолками. Что из них правда, а что – веками культивировавшийся вымысел?
Миф 1. Все художники – охотники до выпивки
Почему не повара, продавцы, преподаватели математики или дворники? Да потому что кое-кому нужно заправляться горючим «для вдохновения». Спору нет, некоторые живописцы действительно призывают музу сорокаградусными методами, а то и наркотиками. Многие великие не чурались зеленого змия: Модильяни, Саврасов (а тут сразу два стереотипа: мало того что художник, так еще и русский!), Ван Гог, Гоген и другие. Ну и что? Неужели было мало любителей выпить среди представителей других сфер деятельности? Ельцин, Сталин, Петр Первый, Александр Македонский в увлечении живописью замечены не были, а вот в страсти к спиртному – это пожалуйста.
Миф 2. Все художники бедные
Миф 3. Все художники богатые
И снова нет! Таких примеров история знает, кажется, меньше. Статистика говорит в пользу портретистов, предпочитавших реализм или приукрашавших изображаемого. Портреты богачей (от дворян до императора) – круче, чем золотой прииск. Фавориты Екатерины II нервно курят в сторонке. И всё же примеры из предыдущего пункта возвращают современных художников-мечтателей из мира розовых слоников на землю. О том, как продать работу по адекватной цене, идет речь в моей статье «За сколько продавать картины? »
Миф 4. Художники экономят на подарках
Подарил картину – и порядок. Я не буду говорить об альтернативных издержках (то есть о том времени, которое живописец мог бы потратить на картину для продажи). Речь о материальной стороне вопроса. Краски, кисти и другие расходные материалы стоят денег, особенно дороги холсты на подрамниках: цена простенького холста 40х50 составляет в среднем 500-700 рублей. А теперь прибавьте заказной багет в несколько тысяч рублей и паспарту , если речь об акварели! Мне «самоделка» обходится в несколько раз больше, чем покупной подарок.
Миф 5. Все великие художники – мужчины
О нет, я отнюдь не феминистка, скорее даже наоборот. Но всё же констатирую факт: женщинам не особо позволялось заниматься творчеством на протяжении столетий. А как только разрешили, на живописный Олимп взошли и Зинаида Серебрякова, и Фрида Кало, и Наталья Гончарова, и Мэри Кэссетт, и Берта Моризо. Писали наравне с мужчинами, ничуть не хуже! А сейчас зайдите в любую изостудию – аудитория все равно что в парикмахерской (на десять девчонок двое ребят). Подробнее о знаменитых художницах читайте в статье «
Творческие люди - это талантливые личности, которые любят приносить пользу и делать окружающим добро. Им нравится свобода, поэтому любые ограничения будут восприниматься ими как ущемление прав. Многие полагают, что творческие люди одиноки, несчастны и долго не живут. К счастью, это не всегда так. Талант дается человеку Богом, нужно лишь не упустить момент и начать вовремя развивать свои способности.
Стоит отметить, что среди вундеркиндов действительно много несчастных людей, поскольку их творчество не всегда понятно окружающим. Как правило, у среднестатистического человека мозговая деятельность происходит в определенных рамках, а все, что выходит за эти рамки, воспринимается как что-то неестественное и ненормальное. По этой причине творческим людям очень сложно выживать в этом жестоком мире, в котором так много устойчивых стереотипов и нежелания эволюционировать.
Нейробиология подтверждает, что талантливые личности думают и действуют по-другому. Мышление творческих людей буквально создано для того, чтобы думать уникально, не так, как большинство. Однако такой подарок природы может существенно усложнять жизнь и напрягать отношения с окружающими. Если вы знакомы с творческим человеком, наверно, у вас не раз возникала мысль, что он живет в каком-то совершенно ином мире. В большинстве случаев попытка понять такую личность так же бесперспективна, как и попытка изменить ее. Для того чтобы суметь приспособиться к такому человеку, нужно научиться смотреть на мир его глазами.
Непрерывная мозговая деятельность
Творческий ум - это безостановочная машина, заправленная чрезмерным любопытством. Не существует никакой специальной кнопки, которая могла бы сделать паузу и направить мысли в спокойное русло. У творческих людей постоянно возникают различные идеи, которые многим могут показаться нереальными. Талантливый человек в своем бешеном ритме жизни черпает все новые и новые силы для воплощения забавных и порой сумасшедших задумок.
Талант лжеца
Следует отметить, что творческие люди являются отличными врунами. Проведение ряда экспериментов показало, что такие личности расположены к более замысловатой и сложной лжи. Кроме этого, они и сами могут с легкостью вычислить обманщика. Одним из проявлений творчества является неприемлемость существующих шаблонов и ломка устоявшихся стереотипов. Талантливые люди достаточно легко воспринимают неэтичность своего собственного поведения, а также спокойно относятся к аналогичным действиям окружающих.
Высокая степень недоверия
Одаренный человек склонен не доверять даже близким людям. Несмотря на то что он быстро распознает ложь, подозрительное отношение к окружающим также является отличительной чертой таланта. И это неудивительно, ведь чтобы сделать новое открытие, нужно научиться смотреть под другим углом на элементарные вещи. Именно поэтому талантливая личность все подвергает сомнению, ведь создать что-то новое намного легче на пустом месте.
Нахальство
В ходе различных экспериментов было установлено, что скромность - это не удел талантливых людей. Многие из них, как правило, гордятся своими способностями и умело ими пользуются, что позволяет набивать себе непомерно высокую цену. Кроме того, одаренный человек очень стремится показать, насколько он впечатлителен и как сильно умеет переживать.
Депрессии
Нередко талантливые люди впадают в депрессивные состояния. У многих таких гениев наблюдаются различные фобии: одни боятся заболеть неизлечимым недугом, другим страшно умереть молодым, третьи и вовсе падают в обморок при виде паука или таракана. Психологи многих стран пытались выяснить, правда ли депрессия связана с талантом. Изучив данные, полученные из психиатрических клиник, они установили, что у творческих личностей чаще развиваются тяжелые формы психических заболеваний. Кроме этого, было доказано, что не только талант, но и подобные расстройства могут передаваться по наследству.
Сложно поверить в себя
Даже если человек уверен в своих силах, со временем он начинает задаваться вопросами: «Достаточно ли я хорош? Все ли я делаю правильно?» Творческие люди постоянно сравнивают свою работу с творениями других мастеров и не замечают собственного блеска, который может быть очевиден для всех остальных. В связи с этим нередко наблюдаются творческие застои, когда человек просто опускает руки, думая, что все его предыдущие идеи были напрасны и бессмысленны. В такой момент очень важно, чтобы рядом находился верный друг, который помог бы мастеру пережить этот сложный период.
Время мечтать
Творческие люди являются мечтателями, это помогает им в работе. Многие из нас замечали, что самые лучшие идеи приходят к нам тогда, когда мы мысленно переносимся далеко от реальности. Нейробиологи доказали, что посредством воображения включаются мозговые процессы, которые тесно связаны с творчеством и фантазией.
Зависимость от времени
Большинство великих мастеров признается, что лучшие свои работы они создали либо ночью, либо на рассвете. Например, В. Набоков брался за перо в 6 утра, как только просыпался, а Фрэнк Ллойд Райт имел привычку в 3 часа ночи приниматься за работу и через несколько часов обратно отправляться в постель. Как правило, люди с большим творческим потенциалом редко придерживаются стандартного дневного распорядка.
Уединение
Чтобы максимально открыться для творчества, необходимо научиться конструктивно использовать уединение. Для этого многие таланты преодолевают свой страх перед одиночеством. Нередко креативщиков и художников окружающие воспринимают как одиночек, хотя на самом деле они таковыми не являются. Такое стремление к уединению может быть важным моментом в создании лучших работ.
Преодоление жизненных преград
Многие культовые произведения увидели свет в результате переживания их творцом душераздирающей боли и сильных эмоций. Нередко различные проблемы становятся катализатором, помогающим создать неповторимые и выдающиеся шедевры. Психология дала этому явлению научное название - посттравматический рост. Исследователи выяснили, что нередко сильное потрясение помогает человеку преуспеть в том или ином деле, а также открыть в себе новые возможности.
Поиск новых впечатлений
Многие креативные люди постоянно пребывают в поиске новых эмоций и впечатлений. К сожалению, некоторые из них, чтобы добиться такого эффекта прибегают к помощи алкоголя и наркотиков. Следует отметить, что талантливая личность всегда открыта для новых познаний, она достаточно интеллектуальна и любознательна. Переход из одного эмоционального состояния в другое - это некий двигатель для исследования и познания двух миров, внутреннего и внешнего.
Красота спасет мир!
Творческие люди, как правило, отличаются отменным вкусом, поэтому они постоянно стараются окружить себя красивыми вещами. Это могут быть не только детали одежды, но и элементы интерьера, картины, книги, украшения. По результатам некоторых исследований было выявлено, что певцы и музыканты демонстрируют повышенную восприимчивость и чувствительность к художественной красоте.
Соединение точек
Творческие личности способны находить возможность там, где другие ее попросту не замечают. Многие знаменитые писатели и художники считают, что творчество - это умение соединять точки, которые обычный человек не догадался бы соединить в такой последовательности. Если спросить гения, как он объединил эти вещи, он почувствует себя неловко, поскольку ответа на этот вопрос у него не будет. То, что для других является сложным, для творческого человека не составляет труда.
В кругу творческих людей довольно часто случается так, что розовый небосвод застилают грозовые тучи. Конфликты, негативное, даже недоброжелательное отношение друг к другу, зависть и обиды имеют место быть. И если уж доходит до негатива, то он просто зашкаливает. Одно из самых частых обоснований, откуда берутся такие настроения и неуважительное отношение к коллегам по цеху - дух времени и перенаселение планеты художниками. Мол, каждый выскочка без образования, без роду, без племени cчитает себя наделённым способностями и талантом, отбирая хлеб у настоящих творцов. Но так ли это? Действительно ли нас так много, и всё так плохо?
Художники во все времена сталкивались с весьма полярным отношением к себе и своему творчеству. Как со стороны, так и внутри узкого круга общения. Возьмём, к примеру, роман Эмиля Золя (фр. Émile Zola, 1840-1902 ) "Творчество" (фр. L"Œuvre, 1886г ) - 14 роман из цикла "Ругон-Маккары". Речь в нём идёт, о чём же иначе, о муках творчества и о жизни художников, а так же об истории возникновения пленэрной и эскизной манеры письма в живописи. Смею утверждать, что хотя о Золя часто пишут, что он французский писатель и художник, последним он всё-таки не был. Свою славу он заработал как достаточно скандальный и талантливый автор романов. А о жизни художника он всё больше судил как сторонний наблюдатель и постоянный участник дискуссий об искусстве в кругу друзей-художников.
Кадр из фильма "Cézanne et moi" 2016 года французской писательницы, кинорежиссёра и сценариста Даниэль Томпсон (Danièle Thompson, *1942). Фильм о дружбе писателя Эмиля Золя (в очках) и художника Поля Сезанна.
Золя считал литературу "наукой, с помощью которой можно изучать человека и общество с той же точностью, с какой натуралисты изучают природу" . Поэтому события его романа тесно связаны с реальными событиями того времени, а главные герои списаны с реальных людей. Изменены только некоторые факты, ну и конечно фантазии писателя тоже нужно было разгуляться между делом.
Итак, прообразами героев романа Эмиля Золя стали реальные художники, которых в Париже того времени с подачи критика и художника Луи Леруа (фр. Louis Leroy; 1812-1885 ) стали называть импрессионистами. Кстати, не верьте, когда говорят, что это именно он ввёл в обиход данное обозначение. Потому что ввели его сами импрессионисты, хотя сначала очень обижались. Потому что Леруа первый раз использовал слово "импрессия" в крайне негативном ключе. Одна из картин Клода Моне на первой совместной выставке художников пленэрной живописи называлась "Impression, soleil levant" (в переводе с фр. Впечатление, восходящее солнце ). После посещения выставки Луи Леруа отчитался в очередной разгромной статье, что работы художников этой школы живописи просто забыли написать, довести до конца. Ведь это не готовые полотна, а просто быстрые эскизы, вот именно что impression - лёгкий след, мимолётное впечатлние, а не солидная живопись.
Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце." 1872, 48×63 см, Музей Мармоттан-Моне, Париж
Клод Моне, Впечатление. Восходящее солнце." 1872, 48×63 см, Музей Мармоттан-Моне, Париж. Фото отсюда .
На самом деле Луи Леруа можно легко понять. Во-первых, он сам был худодником-графиком, который регулярно выставлялся в "Парижском Салоне" и знал, какой кровью даётся эта выставка и сколько для неё нужно было работать. Картин самомго Леруа я не нашла на скорую руку в сети. Впрочем, многие источники вообще больше не в курсе, что он не только критические заметки писал. Как бы там ни было, по работе ниже можно представить, сколько было желающих участвовать в "Парижском Салоне" и почему Золя писал в своём романе о том, что там были выгодные и мало выгодные места - под потолком, к примеру.
Эдуар Жозеф Дантан, "Угол Салона", 1880г. Репродукция отсюда .
В романе "Творчество" есть епизод, когда герои как раз готовятся к выставке "Салон отверженных" (фр. Salon des Refusés ) - выставка, параллельная официальной французской, на которой были представлены полотна и скульптуры, отвергнутые в 1860-х - 1870-х годах жюри "Парижский салон" (фр. Salon de Paris ). "Салон" - была одной из самых престижных художественных выставок Франции, а так же официальной регулярной экспозицией парижской и ныне действующей Академии изящных искусств (фр. Académie des beaux-arts ). Задумывалась она как пропаганда официального императорского вкуса. Попасть туда и выставиться - было вопросом престижа и продаваемости для художника.
Представьте, что в те времена только-только изобрели тюбики для масляной краски, и художники стали выходить из своих мастерских на пленэр и сразу писать больше с натуры, а не работать с маленькими эскизами по следам путешествий. Конечно для многих то, что делали импрессионисты, было настоящей дикостью. Изящная, академически реалистичная живопись выглядела вот так.
Адольф Вильям Бугро, "Восхищение". 1897, Музей искусств Сан-Антонио (Техас)
Адольф Вильям Бугро, "Волна". 1896, частное собрание
И теперь для сравнения картина Эдуарда Мане, которая стоит во главе угла и в романе "Творчество" (только Золя рассказывает, что её гл. герой Клод написал) и которую жюри Салона единогласно и с возмущением отклонило. Что? Голая тётка в компании двух мужчин? Что за распутство? И почему она при этом так бесстыдно смотрит на зрителя? И мы знаем, кто это! Да-да - мы узнали эту разлучницу! И что это за бездарная манера письма с явным нарушением пропорций. "Стиль картины порывает с академическими традициями того времени. Резкий "фотографический" свет устраняет полутона. Мане не пытался скрыть мазки кисти, и картина поэтому в некоторых местах выглядит неоконченной. Нагота в "Завтраке на траве" очень отличается от мягких и безупречных фигур художников академической школы живописи."
Эдуард Мане, "Завтрак на траве". 1863 Музей Орсе, Париж
Конечно же по сравнению с работами художников академизма работы импрессионистов выглядели так, как будто публике эскизы показывают. Ведь тогда ещё никто не мог себе даже представить, какой огромный потенциал кроется за потрясающей манерой письма школы пленэрной, эмоциональной живописи.
Я уже много раз обращала ваше внимание на то, что нужно чётко понимать, насколько ошибочно представление о том, что в искусстве одно направление постепенно сменилось другим, хотя в учебниках их так и дают - скучно и по очереди. Часто новые течения в искусстве возникали параллельно с принятой или модной манерой изображения. Творческие люди новых направлений во все времена были вынуждены бороться за место под солнцем, потому что то, что они делали, было элементарно непривычным. А как мы относимся к новому и непонятному? Спасибо, если не убиваем как злых инопланетян, внедрившихся в наше тёплое гнёздышко.
Джон Сингер Сарджент, "Клод Моне на опушке леса за живописью", 1885, Tate Gallery
Так же было и с импрессионизмом. Это новое течение более эмоциональной живописи зародилось параллельно академическому письму - выше упомянутому академизму. Даже годы спустя многие художники из круга импрессионистов не оставляли надежду попасть в "Салон" и произвести революцию именно там, а не где-то на стороне в тихом болотце. И это произошло.
Но, вернёмся к роману "Творчество" и скандалам вокруг него. Многие импрессионисты, в круг которых был вхож и Золя, тут же узнали себя в "Творчестве". Друг юности Золя - художник Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne, 1839-1906 ) - просто порвал отношения с автором. Золя использовал для романа реальные случаи и факты из жизни Сезанна, но дополнительно украсил собственными деталями и повернул сюжет так, чтобы обратить внимание читателя на несовершенство и несостоятельность главного героя Клода Лантье. Клод по мнению Золя был художником-неудачником, при этом имел, судя по описаниям, большое сходство с реальным художником Полем Сезанном. В добавок ко всему Золя не видит никакого выхода для своего героя и просто "вешает" его в собственной мастерской - убивает его. Можете себе представить, что испытал Поль, когда узнал в романе себя и осознал, какого мнения о нём и его товарищах и его лучший друг, и окружающие? Но публика была в восторге от дерзкого натурализма Золя.
Слева Поль Сезанн, справа Эмиль Золя в ранние годы
Вот небольшая выдержка из пересказа Д. Л. Быкова , чтобы вы понимали, какие там страсти бушевали: "Клод посещает старых друзей: Магудо уступает вкусам публики, но ещё сохраняет талант и силу, аптекарша по-прежнему при нем и стала ещё безобразнее; Жори зарабатывает не столько критикой, сколько светской хроникой и вполне доволен собою; Фажероль, вовсю ворующий живописные находки Клода, и Ирма, еженедельно меняющая любовников, время от времени кидаются друг к другу, ибо нет ничего прочнее привязанности двух эгоистов и циников. Бон-гран, старший друг Клода, признанный мастер, взбунтовавшийся против Академии, несколько месяцев кряду не может выйти из глубокого кризиса, не видит новых путей, рассказывает о мучительном страхе художника перед воплощением каждого нового замысла, и в его депрессии Клод с ужасом видит предзнаменование собственных мучений."
И в конце: "... Воздух эпохи отравлен, говорит Бонгран Сандозу на похоронах гения, от которого ничего не осталось. Все мы - изверившиеся люди, и во всем виноват конец века с его гнилью, разложением, тупиками на всех путях. Искусство в упадке, кругом анархия, личность подавлена, и век, начавшийся с ясности и рационализма, заканчивается новой волной мракобесия. Если бы не страх смерти, всякий подлинный художник должен был бы поступить, как Клод..." Вот такое странное мнение стороннего наблюдателя о том, что и кому должен художник.
Как видите, мало что изменилось. И это хорошо на самом деле. Потому что это признак того, что не извелись ещё таланты и стремление создавать прекрасное и вечное. А проблемы у художников были и будут очень похожие. Особенно потому, что в мире искусства был и есть свои "Моцарты и Сальери". Но я придерживаюсь позиции, что многим только кажется, что всё пропало так же, как это только казалось Сандозу (прообразом которому послужил сам Золя). Ведь даже если присмотреться повнимательнее к излюбленной метафоре о Моцарте и Сальери - о зависти и настоящем таланте, она лопается, как мыльный пузырь. Потому что выдумка и страсти в ней надуманные.
Слева последний прижизненный портрет Моцарта кисти Иоганна Георга Эдлингера (1790), справа портрет Сальери кисти немецкого художника и композитора Йозефа Виллиброрда Мелера примерно того же периода
Ведь мало кто знает, что соперничество и вражда между выше упомянутыми людьми - всего лишь литературный вымысел. В основе пьесы Пушкина о Моцарте и Сальери лежит всего лишь один из злых слухов, порождённых ранней смертью В. А. Моцарта (нем. Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791 ). Александр Сергеевич ухватился за самую спорную, театральную и скандальную версию. А всё потому, что Антонио Сальери (ит. Antonio Salieri, 1750-1825 ) был одним из выдающихся и видных композиторов того времени. Не прицепились же к какому-нибудь Йозефу Гайдну (нем. Franz Joseph Haydn 1732-1809 ) с обвинениями - он тоже там околачивался и был ещё старше Сальери. По свидетельствам современников у тогда 40-летнего Сальери даже амбиций таких не было, как у Моцарта. Он был выходцем из бедной семьи и много работал, чтобы заслужить то положение, которого добился. Сальери не было смысла так рисковать. И темперамент у него был не тот. В итоге красивое слово знаменитого поэта привело к широкому распространению и укоренению в массовом сознании мифа о причастности Сальери к трагической гибели Моцарта. И теперь даже имя Сальери в России стало нарицательным. На деле же Сальери был талантливым, весьма опытным и успешным композитором и педагогом. Именно он был учителем целого поколения других композиторов, среди которых по свидетельствам одного из источников был Бетховен, Шуберт и Лист. К тому же мало кто знает, что после смерти Моцарта Сальери стал наставником младшего сына успошего - Франца Ксавьера (Franz Xaver). Причём сделал это по просьбе Констации Моцарт - жены Вольфганга Амадеуса. Если даже у близкого Моцарту человека не было никаких подозрений и даже годы спустя только почтительное отношение к Сальери, о чём тут вообще речь? Что за чёрная несправедливость? Что за гадкий миф, который так настырно держится в сознании? По свидетельствам современников Сальери испытывал огромное уважение к Моцарту и его дару. Сам Моцарт ни в одной из переписок даже словом не упоминал злой нрав Сальери или какие-то выпады в его сторону. Музей Моцарта в Зальцбурге (дом, в котором родился Моцарт) даже пошёл на то, что устроил в своих стенах выставку, посвящённую Сальери, дабы обелить уже имя этого талантливого человека, без которого мы лишились бы ряда других талантливейших композиторов.
Но почему-то так уж мы устроены, творческие люди, что страсти в нас бурлят даже тогда, когда нам уже грех жаловаться. Возьмём, к примеру, художественный фильм 2012 года режиссёра Жиля Бурдо (фр. Gilles Bourdos,* 1963 ) о последних годах французского импрессиониста Пьера-Огюста Ренуара (фр. Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919 ) в Кань-сюр-Мер во время Первой мировой войны - "Ренуар. Последняя любовь" (фр. Renoir ). В одном из эпизодов между художником и моделью случается следующий диалог. Молодая модель испрашивает позволения двигаться во время сеанса рисования. В то время Ренуар уже был мэтром, признанным гением. Все ходили вокруг него на цыпочках. Мастер охотно разрешает девушке вставать и менять позы со словами, что если бы он хотел рисовать камни, то не стал бы звать её позировать. И тут же приводит в пример некоего художника из Экс-эн-Прованса, которому нравится рисовать мёртвое. Более того, он якобы убегает от своих моделей, запирается в доме папы и рисует свои абрикосы. Ну что ты брюзжишь, как торговка, старик Ренуар, а? Какое тебе дело до чужих абрикос? Перед тобой на диване лежит прекрасная дева. Рисуй уже! Но нет. Он выходит из себя, что у кого-то другие приоритеты в жизни.
Кадр из фильма "Ренуар. Последняя любовь", 2012г
Если вы быстро не сообразили про убегание от моделей и абрикосы - и это был камень в огород Сезанна, который долгие годы жил затворником в семейном особняке Жас де Буффан (фр. Jas de Bouffan, название дословно означает «Пристанище Ветров» ) в Экс-эн-Провансе.
Признаться, я не знаю по-настоящему одарённых людей с лёгким, простым характером. Увы, так не бывает. Талант может и даётся людям при рождении. Но те, кто действительно взращивает его, упорно работает и движется к поставленным целям, простыми людьми в итоге не бывают. Более того, как говорит одна моя подруга, художнику нужно работать над плохим характером, чтобы его оставляли в покое и давали творить. Видимо Сезанн особенно отличился на всех фронтах, что в него ещё долго после смерти кидали камнями и абрикосами.
Поль Сезанн, "Натюрморт с яблоками и апельсинами", 1895-1900г, находится в Musée d"Orsay в Париже
Впрочем, это не мешало знакомым художникам из Парижа наведоваться к Сезанну и писать на продажу cвои работы по идеям и наработкам Поля, как и описал Золя в своём романе "Творчество". К примеру, я всегда считала, что Арлекины у Пикассо - это его конёк. А пару лет назад оказалась на выставке "Cézanne - Aufbruch in die Moderne" в музее Folkwang в городе Эссен в Германии. Там я увидела прямое сопоставление работ Пикассо, Матисса и Сезанна. Оказалось, что у Пикассо его Арлекины "посыпались" годами позже именно что с подачи Сезанна. Матисс иногда просто в сезановской гамме работал, копируя сюжеты.
Слева работа Матисса "Натюрморт с апельсинами" 1898 года, справа работа Сезанна "Корзина с яблоками" 1893г
Упомянутая выше выставка содержала более 100 работ. Кстати, некоторые произведения были из Пушкинского музея. Тогдашний директор музея Folkwang - Хубертус Гасснер (Hubertus Gaßner ) очень дипломатично рассказывал, что выставка содержит в себе сопоставления c работами Матисса (Henri Matisse, 1869-1954 ) и Пикассо (Pablo Picasso, 1881-1973 ) чтобы стало понятно, насколько экзистенциальными были работы Сезанна для эпохи Модернизма и для искусства 20го века вообще.
Слева работа Сезанна "Пьеро и Арлекин" из муз. им. Пушкина 1888 года, справа работа Пикассо "Семья Арлекинов" 1905 года
Конечно, экзистенциально. Сезанн жил затворником в отличие от того же Пикассо. Интернетов и телевизоров не было, чтобы зрителю увидеть, откуда у чего ноги росли. Но ведь разве могли бы мы наслаждаться прекрасными Арлекинами, если бы в природе не существовало гения Сезанна и гения Пикассо, даже если они вдохновлялись друг другом?
И если вернуться к изначальной теме, что художников якобы просто развелось слишком много - отсюда и все трагедии с завистью и стенаниями о настоящем таланте, лично мне в глаза бросается вот какая как будто незначительная деталь.
Представьте, что нас, жителей планеты, уже почти 7,5 миллиардов, тенденция по нарастающей. Как вы думаете, сколько из этих миллиардов являются образованными, культурными, интеллигентными, одарёнными людьми? Есть примерные представления? Если нет, я вам отвечу словами Авраама Линкольна: "Бог, как видно, любил простых людей, коль скоро сотворил их так много". И это не снобизм, а констатация факта.
Фото